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ESCULTURA IBÉRICA

Arte ibero, periodo artístico que abarca desde el siglo VI hasta el siglo I a.C. y que se extiende por la vertiente mediterránea y el sur de la Peninsula ibérica. Iberia era el nombre con el que los antiguos griegos denominaban a la península Ibérica en general, y en particular, a la zona del Mediterráneo.

El arte ibero (distinto del celtíbero que se da en la mitad norte de España) es la síntesis de la tradición indígena, de la cultura de Tartessos, a la que quedaron incorporadas algunas aportaciones de las culturas prehistóricas del mediodía español y en la que influyó la llegada masiva de arte orientalizante a través de los pueblos fenicio,  y del arte griego y púnico que llegó a la Península Ibérica. El periodo de esplendor de la civilización y el arte iberos corresponde a los siglos V, IV y III a.

Utilizaron para sus esculturas tanto la piedra como el bronce y el barro.

Las piezas estaban en su mayoría policromadas como lo demuestran piezas como la Dama de Elche o relieves de Osuna. El escultor ibérico no trabajó el mármol utilizó la piedra del lugar como pudo ser la caliza.   Realizó obras tanto de bulto redondo como relieves. En general  evita el tamaño natural en sus obras y con más razón el gigantismo en las mismas. Sus esculturas mayores en piedra son, por lo común, algo menores  que lo real y con frecuencia diminutas. En las figuras de bronce como no conocían la fundición en hueco no alcanzaban una altura mayor de 30 cm. Las figuras de barro siempre son también pequeñas.

Otro rasgo que conviene destacar es que la escultura ibérica no parece que acostumbró a representar en ningún caso imágenes divinas pero si fue  un vehículo para la expresión de ideas religiosas, ya sean éstas de carácter cultural como actos de ofrenda, símbolos de gratitud por una merced recibida etc, o bien ideas de carácter funerario como las esfinges, grifos, toros, leones etc.

El área de expansión de esta escultura es  relativamente breve, limitándose al área meridional de la Península, al menos no sabemos todavía de escultura más al norte de la región valenciana, lo que nos invita a pensar que fue una manifestación propia sólo de los pueblos cultos del sur, herederos de lo que fue en su tiempo la cultura tartéssica. .

Respecto a la cronología va desde mediados del siglo VI hasta fines de la República y aún comienzos del Imperio.

Entre los centros productores de esculturas en piedra hoy conocidos destacan con mucho los del SE, pero los hay también en el mediodía. Dentro del primero sobresalen los centros del Cerro de los Santos y el de Elche.

En cuanto a las influencias que encontramos en la escultura ibérica son claras las orientalizantes que arrancan del arte tartéssico influido por los fenicios, a esta tendencia corresponde las arcaicas  piezas animalísticas encontradas en la Turdetania y el monumento de Pozo Moro   y a partir del S. VI a.C  un  fuerte  componente griego, con matices que pueden derivarse de influjos etruscos o cartaginenses, portadores a su vez de un lenguaje artístico helénico transformado. 

Además, hay que contar con la personalidad que le imprimieron las sociedades ibéricas. Así, por ejemplo, hay una ausencia de la proporción y armonía características del arte griego, no por falta de pericia, sino por una diferencia de mentalidades: para los íberos, era más importante el cuidado de los detalles que el conjunto.

Relieves de Pozo Moro

Son relieves en forma de frisos que se encontraron tallados en los sillares que conforman este monumento y que en ocasiones se hacen continuos a su alrededor. Pertenecen a la primera etapa de la escultura ibérica y se fechan hacia el 500 a.C. En ellos, se puede ver una clara influencia neohitita, así como en los leones que hay en las cuatro esquinas del monumento. Son importantísimos para el conocimiento de la iconografía y la mitología ibéricas, ya que representan escenas de divinidades, ritos relacionados con el más allá y figuras monstruosas. La técnica y las figuras resultan muy toscas.

La Esfinge de Agost (Alicante)

Esta esfinge es uno de los mejores ejemplos de hasta qué punto influyó el arte griego en el ibérico. Salvo algunas variantes, como la forma de disponer la cola, seguramente por imperativos del material empleado, se ajusta perfectamente a los prototipos griegos de mediados del s.VI. Seguramente tendría la misma función que en Grecia: servir de portador de las almas al más allá, por lo que estaría en una tumba.

La Bicha de Balazote

La denominada “Bicha de Balazote” es, en realidad, un toro androcéfalo que está tallado sobre un sillar de esquina, de manera similar que los leones de Pozo Moro, y que es una versión de las figuras fluviales de los griegos.

Debió estar destinado a un monumento funerario como expresión de la vida que se deseaba al difunto en el más allá, ya que el toro era símbolo de procreación y vida. Se fecha hacia la segunda mitad del siglo VI.

La Dama de Elche

Es un busto de mujer labrado en piedra caliza, tiene una pátina de color moreno en parte debido a la descomposición del enlucido policromo que la cubría y del que aún quedan restos del rojo acarminado en los labios, toca y manto. Mide 56 cm. , es decir, que corresponde poco más o menos al tamaño natural, cosa no frecuente en la escultura ibérica.

Llama la atención el rostro por su fuerte personalidad: nariz larga y delgada, boca cuidadosamente modelada, de labios finos, cerrados, herméticos, de mejillas enjutas que dejan destacados los pómulos. Su mirada parece abstraída en la contemplación vaga e inconsciente de algún objeto cercano, a ello contribuye la posición de los párpados superiores que caen pesadamente sobre los ojos, sus ojos tuvieron la pupila y el  iris postizo.

Una especie de tiara puntiaguda toca su cabeza que está montada sobre una armadura semejante a las peinetas que llevan las mujeres españolas. Dicha armadura se cubre con una mantilla que arranca de la frente y cuyos bordes están ornados de varios pliegues. Sobre esta mantilla se ciño una ancha diadema que sujeta la toca.

A ambos lados del rostro destacan dos grandes ruedas, quizás estuches metálicos de oro o plata que debían encerrar el cabello trenzado y enrollado en espiral. De la cara interna de la rueda colgaba un manojo de cordones largos y flexibles de los que penden anforillas.

El manto cubre la espalda y hombros y cruza por delante del busto plegándose en ángulos escalonados.. Lleva tres collares que penden escalonadamente sosteniendo una serie de piececillas colgantes, unas jparecen “bullas”, las demás anforillas. Sin duda sería todo de oro..

La investigación ha puesto en claro que la “Dama de Elche· es uno más entre muchos ejemplos similares y coetáneos hoy conocidos y oriundos de la misma región. Los hay de piedra, de bronce e incluso de barrro.

Hay dos particularidades que son hasta ahora únicas y privativas de la “Dama”, su forma en busto, que no era utilizado por los iberos y por eso se piensa que fue un fragmento reutilizado de una estatua entera. Pero que hoy no se acepta.  Actualmente se  considera que la “Dama” sería una imitación de otras piezas funerarias realizadas en terracota por cartagineses y griegos, como lo demuestran las piezas encontradas en una necrópolis cartaginesa de Ibiza.

La otra particularidad es una concavidad abierta en la espalda que se considera  actualmente que servía para  guardar las cenizas del cadáver.

Asi actualmente se considera a la Dama como una especie de recipiente cinerario, labrado para una dama ilustre que vivió de modo tradicional indígena, pero dentro de un ambiente romanizado calculando que se debió realizar entre el s.III a,C y comienzos del Imperio.

LA DAMA DE BAZA

La Dama ocupaba el centro de uno de los lados cortos de una tumba rectangular, tiene una cavidad profunda en  el lado derecho del cubo de  su trono, y se piensa que su destino era contener los restos incinerados de algún personaje.

La estatua representa una mujer joven sentada en un trono, en actitud frontal, rígida y solemne. Sus pies están separados, pero los dos en una misma línea: calzados con chapines y puestos sobre una almohadilla. Viste tres túnicas, visibles encima de los pies y un manto de lana, subido sobre la parte trasera y alta de la cabeza, y que cubre los hombros y brazos para caer luego a los lados de las piernas en sendos picos con pesas de plomo. Los brazos de la dama descansan en los del trono, pero las manos se apoyan en las rodillas.

Es de piedra caliza, revestida de yeso, policroma, está sentada en un trono e cuatro patas, las delanteras terminadas en garras leoninas, este tipo de mueble se encuentra ya en el arcaísmo griego.. La estatua es de tipo griego aunque el intenso sabor local de su indumentaria y de sus joyas es evidente.

Se sitúa en torno al siglo IV a. C.. Para muchos sería una diosa , otros consideran que representa a una sierva o esposa, y un último grupo piensa que es el sustituto del cuerpo del difunto.

Gran Dama del Cerro de los Santos

Está realizada en piedra arenisca y se realizó hacia el s. II en Montealegre del Castillo, en Albacete.

Se trata de un exvoto de gran tamaño que representa a una dama oferente, ataviada según la moda de las damas distinguidas de la sociedad ibérica, que sujeta en sus manos el vaso de ofrenda. Es muy hierática y sus formas son muy rígidas..

La figura bella y sugerente ha conservado la forma prismática del trozo de piedra en que se labró.

ARTE IBÉRICO

Arte ibero, periodo artístico que abarca desde el siglo VI hasta el siglo I a.C. y que se extiende por la vertiente mediterránea y el sur de la Peninsula ibérica. Iberia era el nombre con el que los antiguos griegos denominaban a la península Ibérica en general, y en particular, a la zona del Mediterráneo.

El arte ibero (distinto del celtíbero que se da en la mitad norte de España) es la síntesis de la tradición indígena, de la cultura de Tartessos, a la que quedaron incorporadas algunas aportaciones de las culturas prehistóricas del mediodía español y en la que influyó la llegada masiva de arte orientalizante a través de los pueblos fenicio,  y del arte griego y púnico que llegó a la Península Ibérica. El periodo de esplendor de la civilización y el arte iberos corresponde a los siglos V, IV y III a.

ARQUITECTURA IBÉRICA

Los materiales empleados en sus edificaciones fueron la piedra, el adobe y la madera, tanto este último como mterial auxiliar o como elemento sustentante en columnas y pilares

La piedra se labraba en grandes sillares cuando se trataba de edificios de importancia civil, religiosa o funeraria como la cámara sepulcral de  Toya que utilizó grandiosos aparejos megalíticos labrados con gran perfección. Otras veces se empleaban sin labrar como los aparajeos ciclópeos de Tarragona.Los muros y paredes corrientes eran de mampostería, las techumbres eran de paja o rama, pues la teja vino con la romanización.

  • La casa, la ciudad, las fortificaciones

 Ateniendonos a los  restos arqueológicos  podemos decir que la arquitectura domética fue de planta rectangular, de carácter pobre y uniforme sin acusar diferncias sociales, por lo general de un solo departamenteo habitable, y elsuelo de tierra apisonada, rara vez de losas. copiar con el estilo del texto al que se pega

Las ciudades ibéricas se construyeron siempre sobre cerros o altozanos bien defendidos de forma natural, en este sentido y en su carácter de ciudad-estado coinciden con lo que era norma en todas las culturas del mundo mediterráneol

 

Arquitectura funeraria ibérica

Tumbas de cámara.

Las tumbas de cámara son características del mundo ibérico meridional y las más importantes se encuentran en Galera (Granada). Estas tumbas podían estar excavadas en el subsuelo o construidas sobre él y generalmente cubiertas por un túmulo. Casi todas eran de planta rectangular, aunque también las había circulares, y las urnas cinerarias se depositaban sobre el suelo, un poyete no muy alto o en una cavidad abierta en el suelo y cubierta con losas planas.La más importante estaba construida sobre el suelo, contaba con un dromos de acceso cubierto con una falsa bóveda y una cámara de planta cuadrada cubierta con losas que descansaban sobre un pilar central.

Monumentos Turriformes

El monumento turriforme o con forma de torre más importante es el de Pozo Moro (actualmente en el Museo Arqueológico Nacional), que es un edificio de planta cuadrada, que presenta podio y por encima un cuerpo principal cuadrangular, con sus esquinas inferiores adornada con leones yacentes. Algunos de los sillares de este cuerpo están decorados con relieves de una gran importancia.

Por encima de esta estructura hay una serie de molduras que culminan en gola. Algunos autores suponen que sobre este primer cuerpo había otro muy similar, de un tamaño algo menor.

Pilares-Estela
Hay muchísimas pilares-estela por todo el ámbito ibérico. Consisten en un basamento, escalonado, sobre el que se alza un pilar con capitel, que sostiene la escultura de un toro.

La arquitectura ibérica se hallaba en un estadio muy primitivo antes de la llegada de los romanos, en ella no se encuentran formas especializadas, no se puede hablar de estilos, no creó temas decorativos propios

Significa Piedra (litos) grande (mega). Son las primeras obras de arquitectura, realizadas durante el Neolítico (3.500-2.500 A.C.) y la Edad del Cobre y del Bronce (2.500-1.000 A.C.). Son monumentos funerarios o lugares de culto.

MENHIR: pieza de piedra tallada o no dispuesta verticalmente sobre el terreno.

ALINEAMIENTOS: grupos de menhires en fila. Ejemplos de ambos en Carnac (Bretaña, Francia)

CROMLECH: mehnires dispuestos en círculo (Stonehenge  en Inglaterra).

DOLMEN: Sepultura individual o colectiva que se compone de piedras verticales con cubierta de grandes piedras. Se extienden por todo el oeste continental. En España en también en la cornisa cantábrica.

DOLMEN DE CORREDOR: Se compone de un pasillo y un túmulo circular (Cultura de Los Millares en Almería y Antequera, Málaga).

Megalitos baleares: TALAYOTS: enterramientos o torres defensivas circulares. En Menorca TAULAS: piedra horizontal sustentada por otra vertical en un recinto circular. NAVETAS: Aparejo ciclópeo en forma de nave invertida.

http://www.educa.jcyl.es/educacyl/cm/gallery/Recursos%20Infinity/aplicaciones/web_conocimiento/planetas/aprende.htm

PRIMERAS VANGUARDIAS

                PRIMERAS VANGUARDIAS

 

EL FAUVISMO:

  • Nace en Francia. 1900-1910. Movimiento pictórico muy efímero ya que los pintores no tenían un programa común.
  • Autores: Matisse, Derain, Dufy, Marquet
  • El arte fauve se caracteriza por la libre utilización del color, colores puros muy contrastados, sin tener que tener correspondencia con la realidad, las pinturas son planas, las figuras están enmarcadas por una gruesa línea negra que puede cambiar de color
  • Obras de Matisse: la Danza, Autorretrato, la habitación roja

EL EXPRESIONISMO

Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania  ,un país con innumerables problemas sociales en aquellos tiempos, tomaron influencia de los post-impresionistas como Van gogh y Paul Gaugin, de los simbolistas (que se extienden desde 1880-1900), intentan reflejar en sus obras sus experiencias emocionales y espirituales. El vehículo para  realizarlo son los colores, entre los que muestran una gran preferencia por el negro. Sus cuadros son la forma de sacar a la luz un mundo de angustia y miedos

  • Eduard Munch. Es un autor que no entra dentro de ningún grupo debido a su complejidad. El tema principal de su obra es el sufrimiento psíquico, la angustia y la muerte que se refleja en los rostros desencajados de los personajes de sus cuadros. Su obra más conocida es el grito en el que la figura fantasmagórica en primer término está trazada con líneas ondulantes en amarillo y naranja. El cuadro transmite inestabilidad y desesperación.

Dentro del expresionismo encontramos dos escuelas en Alemania:

  •  El manifiesto de fundación de Die Brüke (el puente) fue en 1905: está integrada por autores como Nolde, Kirchner, Müller y Schmidt.
    •  Estan influenciados por la escultura africana, el románico y el gótico.  Sus cuadros se caracterizan por la reducción de las formas a lo esencial, a los cuerpos deformados y espacios disueltos sin perspectiva.
    •  Los colores, brillantes y saturados pintados con un pincel grueso se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno.
    •  Mediante la deformación con la que se reforzaba la expresión querían representar la realidad  real, lo que no puede verse sólo sentirse
    • Dentro de este grupo destaca Kirchner cofundador del grupo, vemos como sus personajes son de siluetas alargadas y trazos nerviosos , sus obras son un reflejo de la deshumanización de las urbes. Mujeres en la Calle, Tres desnudos en un bosque, bosque de castaños Otro autor es  Nolde  que representó en muchos de sus cuadros temas religiosos como la serie que hizo sobre la vida de Cristo, sus personajes .se caracterizan por los trazos gruesos, y los rostros que imitan máscaras
  • El grupo de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) fue formado en Munich en 1911, recibió gran influencia del cubismo y el futurismo. Autores son Franz Marc, Wasily Kandinsky, Paul Klee, Auguste Macke.
  • Su arte es más exquisito, subjetivo y espiritual. Aunque la formulación artística de ambos grupos era muy diferente les unía  la convicción de mirar más allá de lo superficial, ya que el arte no debía reproducir lo visible sino hacer visible. A los pintores del Jinete les interesaba  más el cómo de la representación  que el qué. Lo más importante era las formas y los colores, los artistas concedían a sus cuadros ritmo y melodía mediante los tensos  contrastes entre las líneas fuertes y suaves, entre las formas abiertas y cerradas y  los colores metálicos y  los aterciopelados.  El cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos con lo que e convierte en el agente responsable de la sensibilización del alma del espectador.
  • El jinete azul apenas duró tres años y quedó interrumpido por la llegada de la primera  Guerra  Mundial
  • Dentro de esta escuela destacan  los siguientes integrantes Franz Marc, pintor de  animales de colores primarios y brillantes, donde vemos la influencia del cubismo . En ellos el tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre al cual no representa.. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual, amarillo para la alegría femenina y el rojo para la violencia. Auguste Macke llena sus lienzos de colores brillantes y luminosos, de animales y paisajes que simplifica descomponiendo sin llegar al Cubismo en formas geométricas.
  • En Austria destaca Kokoschka, un autor independiente que posee un estilo personal difícil de calificar. No le interesa la definición de las formas, prefiere los contornos borrosos y movidos. Su pincelada es pastosa y ondulante por influencia de Van Gogh . Una de sus obras más interesantes es La Novia del viento
  • Pero el principal representantes es Wassily Kandisky, fundador del grupo, de origen ruso, comienza su pintura  con una tendencia fauve, pero poco a poco vemos  como va prescindiendo de toda profundidad y se basa exclusivamente en el color, formula toda una teoría del color, dando a cada uno de los colores propiedades emocionales. La pintura para el es la expresión de la subjetividad, del sentimiento, y esto se logra mediante la mezcla de color sin ninguna norma, plasmando relaciones geométricas con relaciones libres entre ellas utilizando ritmos musicales. De este modo llega a la ABSTRACCIÓN   realizando  la primera acuarela abstracta en 1910.

LA ABSTRACCIÓN

Dentro de la abstracción es posible  distinguir dos corrientes. Por un lado la que representa Kandisky en la que intenta plasmar emociones y r otra más fría , incluso matemática de rigor geométrico  representada por el CONSTRUCTIVISMO RUSO.

Para Kandisky la pintura y la música estaba íntimamente relacionadas, incluso llegó hacer un estudio sobre la coloración de los sonidos: El azul aleja y llama al hombre al infinito, el verde es el equilibrio entre el azul y el amarillo, el blanco el silencio y el negro la nada. Cada uno de sus cuadros es una sinfonía cromática, pura música visual. El propio autor clasifica sus cuadros en tres grupos IMPRESIONES, que toman como punto de partida una impresión captada directamente de la Naturaleza, LAS IMPROVISACIONES, puramente formales e inconscientes y las    COMPOSICIONES  en donde el punto de partida es un sentimiento que el pintor elabora, construye de forma laboriosa.

EL CUBISMO

El punto de partida del cubismo  es el cuadro de Picasso “Las señoritas de Avignon” (1907), con el se rompe la  la perspectiva clásica, un único punto de vista, la imagen se descompone, se simultanea  la visión de perfil y de frente. Los temas preferidos por los cubistas son aquellos que les permiten trabajar libremente, ensayar sus teorías. Lo que diferencia al cubismo de la pintura tradicional es que no se trata ya de un arte de imitación, sino de un arte de concepción  que tiende a ser creativo.

Podemos distinguir tres tendencias:

  • Analítico: Se descompone  la figura en superficies de formas geométricas de colores planos que se denominan facetas. La imagen se reconoce
  • Hermético: Las facetas son de un pequeñísimo tamaño y plantea grandes dificultades para reconocer el objeto
  • Sintético: Se vuelve a reconocer la forma y se incluyen nuevos materiales, surge el collage (técnica que consiste en pegar sobre un soporte  elementos de diferente procedencia considerados extra pictóricos: papel, cuerdas etc. También se llama papier collé.)

GEORGE BRAQUE: Comenzó  siendo impresionista, luego fauvé  para  acabar siendo cubista son característicos sus naturalezas muertas sobre una pequeña mesa redonda. Abrió  el camino para la abstracción.

JUAN GRIS:  Su nombre es José Victoriano Gonzalez. Su estilo es sobrio y sencillo. No evoluciona hacia estilos posteriores.

PICASSO

El   cubismo dio paso a movimientos como el TUBISMO representado por Fernand Léger: Para  él la máquina, la civilización industrial y el mundo del trabajo son los temas esenciales de su obra. Pinta a sus personajes como meras máquinas desprovistas de humanidad.

EL ORFISMO descompone los objetos en figuras geométricas pero con color. Robert Delanuy  hace que el color se convierta en el elemento nuclear de su obra

EL FUTURISMO

Surge en Italia en  1909 y sólo dura 7 años, tiene un fuerte contenido ideológico. El manifiesto lo dá Marinetti en 1909, en  el vemos como se desprecia enérgicamente los valores tradicionales y ensalza una nueva sociedad industrial en la que da primacía a la velocidad, al poder, a la guerra, a la violencia, al patriotismo y al militarismo

En la pintura se trató de plasmar el movimiento por lo que se representaban las diferentes posiciones que adoptaba un objeto en la trayectoria de su desplazamiento.

Destacan Boccioni: “La ciudad se despierta”. Carrá: El funeral del anarquista Galli”. Balla “Dinamismo de un perro atado”.

PINTURA  METAFÍSICA

El representante es Giorgio de Chirico. Transmite un mundo onírico, vacio, estático y  tranquilo en sus cuadros. Se le considera un precursor del surrealismo.

LA ESCUELA DE PARIS

Esta denominación agrupa a un conjunto de pintores sin adscripción definida a una escuela

AMADEO MODIGLIANI: Sus figuras son estilizadas, con rostros en forma ovalada y ojos a medio pintar cono si se tratasen de simples bocetos. “Retrato de una joven”.

MARC CHAGALL: Su pintora es inocente, candorosa donde aparecen las imágenes que le obsesionan, es una explosión de color, una exaltación a la vida y al amor

PERIODO DE ENTRGUERRAS

EL DADAISMO

El principal teórico es TRISTAN TZARA, surge el movimiento en Zurich en 1915 y finaliza en 1919. El término Dada no significa nada, es un movimiento transgresor que buscaba una ruptura definitiva con el arte  tradicional, éste propósito lo pretendían alcanzar con nuevas técnicas como el ready- made  (sacar un objeto de un contexto para colocarlo en otro que es bastante improbable  encontrarlo, Duchamp toma un urinario y lo convierte en una obra de arte ), el fotomontaje y el collage.

FRANCIS PICABIA: La máquina  es un claro exponente en la obra del pintor, que se representa de forma  amenazante  y no elogiosa como lo hacía Léger. Aparecen como seres independientes capaces de desenvolverse por si mismo.

MARCEL DUCHAMP  realiza “Desnudo bajando una escalera”  en ella la multiplicación de puntos de vista  y la descomposición de la imagen le lleva a tener puntos de contacto con el cubismo y el futurismo. Poco después se centró en el ready-made que desvinculaba el objeto de su función tradicional. Se burló abiertamente de muchos aspectos del    arte del pasado como en su obra L.H.O.O.Q.               en la que se puede ver a la Gioconda con bigote

EL SURREALISMO

Se  dá a conocer el movimiento mediante la publicación en París en 1924 del Manifiesto surrealista escrito por André Bretón. Es una filosofía que afecta a otras manifestaciones artísticas como la literatura o el cine. Se cent en la creación de un mundo onírico en el que se desprecia el dominio de la razón y las leyes de la lógica y se inita a la liberación del subconsciente. En su nacimiento tuvieron bastante peso las teorías de Freud, el Dadaismo, la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, Goya y el Bosco. Aportó ciertas novedades técnic as como el frotagge ( término creado por Marx Ernst, se refiere al acto de pasar un lápiz por encima de un papel que está colocado sobre una superficie rugosa como la mera o un tejido), el collage y el automatismo (consiste  en pintar de modo incontrolado sin pensar en los que se está haciendo , de tal modo que en algo en lo que ha tenido parte decisiva el subconsciente).

Dentro del surrealismo hay dos corrientes:

  • Surrealismo abstracto: Miró, Max Ernst, Tanguy.  Crean su propio  universo iconográfico tomando como punto de partida el subconsciente
  • Surrealismo figurativo: Dalí, Magritte, Develaux. Crean una pintura figurativa basada en asociaciones extrañas e inusuales de imágenes.

 

EL ARTE SOVIÉTICO: EL SUPREMATISMO Y EL CONSTRUCTIVISMO

Malevich  es el creador del suprematismo o “el mundo de la no representación”.. No comprendía el motivo por el que el arte debía reproducir las formas de la naturaleza. Los colores son planos, no hay gradación tonal alguna, por lo que se rompe definitivamente con la idea de profundidad que había imperado en la pintura occidental hasta ese momento. Negro sobre blanco.

El constructivismo es un término empleado en el año 1913 para referirse a una obra creada por Tatlin, este considera el arte como un mecanismo que ayuda a evolucionar a la sociedad

EL NEOPLASTICISMO Y LA ESCUELA BAUHAUS

Nace en Holanda en el segundo decenio del siglo XX, al mismo tiempo que la revista De Stilj. Mondrian, principal exponente del neoplasticismo, lo define como la abstracción de todas las formas y de todos los colores, o sea se basa en las líneas rectas y en los colores primarios netamente definidos, sus cuadros son entramados  de líneas negras perfectamente trazadas que encierran espacios de colores planos y generalmente primarios como el rojo, el azul o el amarillo. En estos cuadros las líneas horizontales son equivalentes a la tensión vida-muerte mientras que las verticales hacen referencia a hechos orgánicos.

De la bauhaus ya hablamos antes.

ESCULTURA EXPRFSIONISTA

 

Alberto Giacometti es el mejor representante de este movimiento. Sus figuras son extremadamente estilizadas y se encuentran solas, dispuestas en el espacio sin conexión alguna con su entorno. Cuando aparecen en grupo lo hacen sin relación alguna entre sí.

ESCULTURA CUBISTA

La primera escultura fue realizada por Picasso, cabeza de mujer.

Archipenko no sólo está interesado por el cubismo, sino también por la escultura primitiva de África emplea diferentes materiales  como el alambre y el cristal en una escultura. Su  obra más conocida es Andando en la que juega con las formas cóncavas y convexas, espacios macizos y vacios que permiten la introducción del aire, del hueco.

Escuela de Paris

Jean Arp y Brancusi son los dos representantes de esta escuela. Brancusi buscaba la esencia de las cosas como vemos en Pájaro en el Espacio del que existen 20 versiones

CONCEPTOS

Informalismo  o expresionismo abstracto: Está marcado por la irracionalidad y es la expresión del desaliento y la angustia que siguió a la II guerra Mundial. Es una expresión del interior del ser humano  y no persigue la plasmación de la belleza, la pintura es un vehículo para transmitir el desaliento. Jacson Pollock

Pop-art: Es un reflejo de la sociedad de consumo que acumula objetos sin sentido, se nutre de un lenguaje publicitario. Andy Wharhol “Sopa Campbell”. Lichtenstaen que incorpora  al arte el lenguaje del comic con todos sus elementos.l

EL IMPRESIONISMO

EL IMPRESIONISMO
Contexto histórico-artístico
La segunda mitad del siglo XIX se caracterizó por una serie de acontecimientos históricos de gran trascendencia política y social: la Uníficación Alemana, la caída del Segundo Imperio y el advenimiento de la III República.
La sociedad cada vez mas industrializada y competente contribuyó a la inevitable sustitución del lenguaje artístico vigente por otros más adecuados a los nuevos tiempos.
El impresionismo se desarrolla durante el último cuarto del siglo XIX con este estilo comienza el llamado “arte moderno”. A partir de este momento las tendencias artísticas van a recibir el nombre de “istmos” en contraposición a “estilos” como la expresión de una cultura y el “istmo” como la expresión de una voluntad orientada hacia una finalidad.
El impresionismo se basa en la teoría de Locke: La sensación es nuestra fuente de conocimiento y la vista es la puerta abierta al conocimiento.
En 187 en la Exposición de artistas jóvenes de la Galería Nadar, se expuso el cuadro de Monet “Impresión del Sol Naciente”, el crítico de arte Leroy lo calificó despectivamente de Impresionista, nombre con el que se califica a este grupo de pintores, aunque ellos preferían que se les llamase “independientes”.
Va a ocupar un corto espacio de tiempo, ya que su última exposición como grupo va a ser en 1886, no tuvo una gran cohesión como grupo, ya que compartían unos principios estéticos y pictóricos, pero les faltaba unos manifiestos teóricos e incluso una acción unitaria.
Los antecedentes de los pintores impresionistas son:
• La luz de Velazquez y Goya
• Los paisajes románticos ingleses: Constable y Turner
• La escuela paisajística francsa: Corot, Millet, Manet, la escuela de Barbizon.
Entre el 74-86 se van a desarrollar unos nuevos grupos que completan o rechazan los principios impresionistas:
• Los neoimpresionistas o puntillistas que valoran la forma
• El Postimpresionismo que es considerado punto de partida de la pintua del siglo XX

Características:
Para los impresionistas la realidad es algo cambiante, no es inmutable, y la luz es quien transforma esa realidad, por ese motivo representan series de un mismo motivo, ya que éste se transforma en función de la luz que recibe por e. Monet y la catedral de Ruan, buscando de esta manera de establecer una relación entre la luz, el tiempo y el espacio
El tema: No se representarán temas mitológicos, ni religiosos, ni históricos, el tema más repetido es el paisaje ya que constituye el pretexto idóneo para analizar los cambios de luz y la incidencia de de la misma sobre los objetos. La representación del paisaje se hacía del natural, se saca el caballete al exterior, es la pintura à plain air.
El dibujo se suprime o queda reducido a trazos disueltos en el color
No se emplean colores oscuros, desaparecen las sombras negras que se reducen a espacios coloreados con colores complementarios. No hay contrastes de claros oscuros
La pincelada es suelta, rápida y vigorosa. Corta y yuxtapuesta
EL PRECURSOR DEL IMPRESIONISMO ÉDOUARD MANET:
Su pintura se caracteriza por la persistente utilización del rojo, blanco y negro, por la firmeza de su dibujo, es un pintor que está a caballo entre el realismo y el impresionismo.
Cuando expone su Desayuno en la hierba en el Salón de los rechazados recibe una fuerte crítica por la manera de abordar un tema tradicional y por la pincelada tan sumamente suelta que emplea, sus obras más interesantes sería El pílfano, y el bar del Folies-Bèrgere donde una camarera posa mirando al espectador apoyada en la barra al tiempo que su imagen se refleja en el espejo que hay a su espalda.
EL IMPRESIONISMO PURO: CLAUDE MONET.
En los primeros años demuestra tener un especial interés por la figura humana que más tarde será sustituida por los paisajes, en ellos vemos como su paleta se va aclarando paulatinamente y las pinceladas se hacen más cortas y rápidas y los objetos se deshacen gracias a la luz. En 1872 pinta Impresión del sol naciente, obra que dio nombre al movimiento, en el lienzo vemos como el sol se ha convertido en un disco rojo que se refleja en el mar.
En la estación de San Lázaro las grandes mas de vapor ocultan los objetos que se traducen en imágenes desleídas. Entre sus series más importantes está el de la catedral de Ruan donde se complace en estudiar la luz en las diferentes horas del día y los diferentes estados atmosféricos.
Otras obras suyas son Almuerzo campestre, Mujeres en el jardín y la serie de las Ninfeas
RENOIR, DEGAS, PISARRO Y SISLEY
Pierre Auguste Renoir es el más optimista y vital de los pintores de esta corriente, la preocupación central de su obta es la figura humana, sus mujeres son redondeadas y desnudas, aquí se ve la influencia de Rubens. Su obra más importante es El Baile en el Moulin de la Galette, muy criticada en su tiempo por considerarse una obra caótica y desordenada, sin embargo sus personajes están cuidadosamente distribuidos en grupos desde un primer plano, en el que charlan animosamente, hasta el fondo en que aparecen bailando transmitiendo de este modo la alegría de vivir.
Otra de sus obras fundamentales es Las Grandes bañistas (87) en la que es posible percibir una preocupación por la forma que está presente de manera constante en su obra. Otras obras: Los remeros, El Columpio
Edgar Degas tenía aptitudes excepcionales para el dibujo que permanecerán intactas a lo largo de toda su obra, en él la influencia de la fotografía es muy fuerte. Le interesa el mundo del teatro, pero el de las candilejas, el de los tramollistas, aquí la luz es artificial e interior y consigue separar la escena de la realidad. También le interesa mucho las carreras de caballos, los hipódromos donde resalta la perspectiva que utiliza. Obras: La clase de Danza, La bebedora de Absenta, En la sombrerería
Camille Pisarro es un gran paisajista, en ellos predominan las tonalidades terrosas, sus caminos parecen perderse en el fondo, las composiciones son muy cerradas y la línea del horizonte muy alta. Pisarro también paso por una etapa puntillista o neoimpresionista. Son famosas sus escenas de Montmatre, la Avenida de la Opera, el Jardin de Pontoise
Alfred Sisley es calificado como impresionista lírico, en su obra exalta la naturaleza de la que atraía las sensaciones más sutiles. Prefirió los temas de evanescencias: el agua, el cielo, la bruma y la nieve en los que predominaban los colores irisados, Inundación en Port Marley Nieve en Louvenciennes
PINTURA NEOIMPRESIONISTA
George Seurat es el autor del Divisionismo o Puntillismo (estos nombres también aluden a la corriente neoimpresionista) Consideraba que si se coloca la pintura en pequeños puntos de color puro, es el ojo del espectador el que los mezcla, como si se tratara de un mosaico de pequeñas pinceladas. De este modo organiza el liezo en áreas de color, en su obra se observa una marcada geometrización de las figuras. En Domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte observamos un gran estatismo en la escena. Sus cuadros son fríos y están construidos a partir de un cuidadoso proceso de análisis. Otra obra suya es Bañistas en Asniéres
Paul Signac fue un fiel seguidor de Seurat, su pincelada es más grande y redondeada que la de otros puntillistas. Puerto de Marsella
Entre el impresionismo y el neoimpresionismo se estableció una especie de contradicción, puesto que la pintura impresionista lo que pretende es borrar los contornos, que en la neoimpresionista son bastantes nítidos y claros, de igual modo que el impresionismo defiende la inmediatez y la espontaneidad, frente a la premeditación y a la frialdad y el análisis del neoimpresionismo.
EL POSTIMPRESIONISMO
Alrededor de 1880 surgen una serie de pintores que revisan el impresionismo, y lo toman como punto de partida para llegar a una evolución personal que tendrá gran transcendencia en la pintura del siglo XX: Cézanne, Tolouse-Lautrec, Gaugin y Van Gogh
Paul Cézanne: Se inicia en el impresionismo, es compañero de Pisarro, pero en su obra se percibe una tendencia a la pincelada ancha y cuadrada que desembocará en un gusto por las formas geométricas en las que descompone todos los elementos. Es el más obvio precursor del cubismo. Si tomamos como ejemplo La Mujer de la Cafetera, observamos que la figura de la mujer, la taza y la cafetera están reducidas a sus volúmenes primarios, a formas geométricas que preludian los retratos precubistas de Picasso.. No está tan interesado en la captación del natural como en la elaboracón y en el análisis de la obra en el taller del artista. Obras suyas son: Autorretrato Los Jugadores de cartas y Bodegón con manzanas y naranjas
Henri Toulouse-Lautrec La ruptura de de las dos piernas en un accidente de caballo fue lo que impidió el normal crecimiento y desarrollo de las extremidades inferiores de su cuerpo. Es el creador de cartel publicitario, famosos son los que hace para el Moulin Rouge.
Al contrario que a los impresionistas apenas le interesó el paisaje, prefirió ambientes cerrados, iluminados por luz artificial que le permitían jugar con los colores y encuadres de forma subjetiva. Le atraía la gestualidad de los cantantes y comediantes y le gustaba ridiculizar la hipocresía de la sociedad. El mundillo del vicio y la extravagancia fue un refugio para Lautrec quien se sentía rechazado por su minusvalía. Se consideraba a si mismo como un pintor social: entre sus obras destacamos Autorretrato ante el espejo, bailando en el Moulin Rouge, La Goulue, La Toilette, La pelirroja con blusa blanca
Paul Gaugin: Iniciado dentro de la corriente impresionista evoluciona hacia el sintetismo y el simbolismo, conviritiendose en una de las figuras mas influyentes del siglo XIX. En su visión después del sermón en 1888 observamos los colores planos, simbólicos, y el uso de la línea contorneando las figuras como en el arte de las vidrieras
Su interés por el primitivismo le hizo ir a Tahiti, sin embargo aquí no encontró el paraiso perdido que había imaginado, la influencia occidental era fuerte en la isla y tras varios contratiempos decide volver a Francia donde los problemas económicos le persiguieron, decide abandonar de manera definitiva el país y se instala de manera definitiva en las Islas Marquesas donde encontró una civilización primitiva y no contaminada por occidente, y a pesar de los problemas de salud realizó las últimas obras de su vida. Obras. Cristo amarillo, visión después del sermón, ¿cuando te vas a casar?, Mujeres de Tahiti, El caballo blanco
VICENT VAN GOGH: Es uno de los pintores que mas ha influenciado la pintura en el siglo XX. Su agitada biografía está íntimamente unido a sus obras artísticas, toda su vida ha quedado reflejada en las cartas que enviaba a su hermano Theo. Nació en Holanda y era hijo de un pastor protestante, vive en Londres y se traslada mas tarde a la Haya.. En estos primeros años su interés se centra en los mas pobres, los mineros, la Biblia. Tras la muerte de su padre se dirige a Amberes y finalmente a Paris, donde se pone en contacto con el mundo artístico del momento. Se dirige a Arlés en la Provenza, allí se siente deslumbrado por el sol que constituye una fuerza regeneradora para él, lo mismo que los intensos colores y la exuberancia del paisaje. Vivió con Gaugin durante un tiempo, aunque pronto los diferentes y difíciles caracteres de ambos artistas hacen que aparezcan divergencias en diciembre del 88 tienen lugar el famoso incidente de la oreja. En el 89 ingresa en un psiquiátrico, permanecerá aquí un año, lo abandonará para irse a Auvers-sur-Oise done el doctor Gachet ha aceptado tomarlo bajo su cargo. El 27 de junio del 90 muere a consecuencia de un disparo en el corazón.
De entre sus primeras obras las mas representativas son Los comedores de patatas en donde demuestra hasta que punto estaba influido por el realismo de la escuela holandesa, por el claroscuro y por la temática de carácter social.
Sentía una profunda fascinación al igual que le sucedía a Rembrandt por su propio rostro. Es uno de los pintores que en mas ocasiones se ha retratado. Así podemos averiguar su situación psicológica y su evolución artística. A medida que pasa el tiempo su paleta se aclara, su pincelada se hace más vigorosa y emplea más cantidad de masa pictórica.
De igual modo los paisajes nos revelan su estado mental. Existen algunos serenos y plácidos como el de la Llanura del Crau. Otros como Los dos cipreses demuestran la inestabilidad psíquica del pintor, los cipreses se agitan como si de llamas se tratase y el cielo y el suelo se nos aparecen inestables.
Las naturalezas muertas son otro de los temas importantes de su producción. Uno de los más conocidos es el de los Girasoles e el que demuestra un gran dominio en el manejo del amarillo uno de los colores mas importantes en su obra al que atribuía un significado místico. Los girasoles simbolizan el ardiente sol del sur de Francia, han dejado de ser simples flores para convertirse en masas ardientes, pura energía y luz.
Las personas que le rodearon también fueron retratadas, El doctor Gachet, el tio Tanguy. Su última obra Campo de trigo con vuelo de cuervos demuestra en el momento en que lo pinto no existía paz en su interior, es el reflejo de la angustia que le llevó al suicidio.
La capacidad para expresar a través de su agitada pincelada y de sus intensos colores es lo que le convirtió en el origen de una corriente surgida poco tiempo despúes: El Expresionismo. Convirtió la pintura en una forma de liberación, de catarsis para toda su angustia interior, un mecanismo de expresión fundamental.
Su pincelada es corta, vigorosa, en forma de coma, los contornos se nos presentan temblorosos, amplias áreas de colores planos que nos remiten a las estampas japonesas y edificios y espacios interiores inestables como reflejo de su propia inestabilidad psíquica.
ESPAÑA
El impresionismo llegó como una bocanada de aire fresco que rompe con el ambiente decimonónico imperante.
Darío Regoyos y Valdés: Toma del impresionismo su interés por la luz, la atmósfera y su interés por el paisaje. Está mas cerca del puntillismo que del impresionismo propiamente dicho: Atardecer en Irún.
Joaquín Sorolla: Su origen valenciano le convierte en un gran conocedor de la luz mediterránea que protagoniza constantemente sus cuadros, especialmente aquellos que pinta durante su veraneo en jávea.En ningún momento abandonó su interés por el costumbrismo y los temas sociales: ¿Y dicen que el pescado es caro? Paseo a la orilla del mar, Niños bañándose.
LA ESCULTURA A FINALES DEL SIGLO XIX impresionista
Auguste Rodin: Es el escultor mas valorado desde Bernini. Estaba interesado en investigar todas las facetas del ser humano, aislado o en grupo, así como todos los aspectos de la escultura: el volumen, el espacio el movimiento, la masa etc. Su primer gran éxito llega con La edad del bronce. En 1880 le encargaron unas puertas para el museo de Artes decorativas que jamás se llegó a construir: “Las puertas del infierno”. En ellas la figura de Dante sentado y meditabundo srá el punto de partida para unade sus obras mas conocidas : El Pensador de fuerte anatomía.. En ellas se observa una fuerte influencia de Miguel Angel, su terribilitá, su técnica de no finito. Obras suyas son El Beso, y los burgueses de Calais.

LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX

La arquitectura neoclásica fue la protagonista del primer tercio del siglo XIX,  para luego cambiar de rumbo, la mentalidad romántica resucita los estilos ya desaparecidos, pero tomando como referencia no el mundo clásico sino la Edad Media. La exaltación nacionalista contribuye a ello, hay que buscar el mejor estilo que caracteriza a un pueblo y así surge el Neogótico, el Neomudejar, el Neorrománico. Junto a este revival debemos hablar de eclecticismo, consistente en mezclar diferentes periodos artísticos en una misma obra en un intento de fusionar  lo mejor o lo mas representativo de cada uno de ellos. Hay un gusto también por lo lejano o lo exótico como lo indio o lo japonés.

La sociedad tiene nuevas necesidades para lo cual se construyen nuevos tipos de edificios:  Estaciones de ferrocarril, Bibliotecas, museos, mercados…

Aparecen nuevos materiales que contribuyeron a dar un giro a la arquitectura: el hierro colado, el vidrio, el cemento armado, pero que son  encubiertos con las formas tradicionales de arquitectura.

LA ARQUITECTURA HISTORICISTA Y SUS PRINCIPALES OBRAS  

El historicismo es la corriente que se desarrolla en Europa durante gran parte del siglo XIX. En ella se tendía a una revalorización de estilos del pasado especialmente medievales, el motivo es la necesidad de los pueblos en buscar sus raíces en el curso de la historia. El gótico fue el estilo que tuvo más aceptación, especialmente en Inglaterra.

Los planteamientos de Jhon Ruskin  que consideraba que el edificio es como un ser humano que se vá deteriorando con el paso del tiempo y que el hombre no debe intervenir en este proceso y de Eugene Viollet-Le- Duc que opina todo lo contrario, hay que realizar reconstrucciones ideales de los edificios, influyen poderosamente en este periodo.

Jhon  Nash  demuestra interés no sólo en el Gótico sino también por la India. Una de sus más importantes obras es el Pabellon Real de Brighton, edificio en el que se funden elementos góticos, indios e islámicos.

James Wyatt y Augustus Pugin son  otros dos famosos arquitectos ingleses.

LA ARQUITECTURA DE LOS NUEVOS MATERIALES. EL NACIMIENTO DE LAS NUEVAS TIPOLOGIAS ARQUITECTÓNICAS

La revolución industrial requería una nueva arquitectura y con ella unos nuevos materiales que solucionaran los problemas que se iban planteando. Es un tipo de arquitectura  racionalista ya que la forma se identifica con la función: estaciones de tren,  puentes etc. Los progresos técnicos han dado como resultado nuevos materiales: hierro fundido, vidrio, cemento armado. Sus ventajas son muchas: gran producción, bajo costo, facilidad de transporte debido a que se realizan en módulos prefabricados, se podían cubrir amplios espacios con menos puntos de apoyo. Pero estos nuevos materiales son en la mayoría de las veces enmascarados con viejas formas, asi la mayoría de las iglesias serán neogóticas, las bibliotecas de tipo neoclásicas, las óperas neobarrocas, las plazas de toro neomudejares….  Entre edificios historicistas destaca el Parlamento de Londres obra de Charles Barry de Pugin

 Henry Labrause realizó la sala de lecturas de la biblioteca nacional de Paris, en ella vemos como livianas cúpulas de cristal se levantan  sobre arcos y columnas metálicas, muy finas que proyectan una sombra mínima.

Tambien en este periodo se levantaron algunos teatros y óperas entre las que sobresalen por su belleza el de la ópera de Paris, que realiza  Charles Garnier.  

LAS EXPOSICIONES UNIVERSALES

Para la realización de estas Exposiciones se construyen arquitecturas efímeras que una vez terminada la misma se desmonta asi para la de 1851 Sir Josph Paxton realizó el Crystal Palace: realizado en cristal y hierro, con la misma estructura que un invernadero tuvo un gran reconocimiento.

Para la de Paris de 1889 Gustave Eiffel levanto la Torre Eiffel: estructura de 330m de altura, realizado con hierro forjado y colado y no se revistió de ningún otro material. Se sustenta sobre arcos parabólicos y no tiene ninguna funcionalidad, por lo que interpretamos esta obra como una exaltación a la nueva arquitectura y un intento  por extraer todas las cualidades estéticas posibles a un material como el hierro.

LA ESCUELA DE CHICAGO

Mientras que esto pasaba en Europa, en Estados Unidos surge una nueva corriente que va a revolucionar el mundo de la arquitectura y que va a sentar las bases de la arquitectura moderna.

En Chicago se produce un pavoroso incendio en 1871 que va a calcinar prácticamente la ciudad, esto lleva que se convoque un concurso donde participan los más importantes arquitectos del momento para levantar de nuevo la ciudad. De aquí saldrán los primeros rascacielos

El creador de esta escuela es William Le Baron Jenney, que tenía un estudio en Chicago de donde saldrán los mas importantes proyectistas del momento. Le Baron aportó toda una serie de innovaciones técnicas: incorporo nuevos métodos de cimentación,  utiliza el cemento armado, los edificios están constituidos por esqueletos de acero que permiten aumentar notablemente la altura y abrir grandes ventanales que preludian la utilización del muro-cortina.

Otro elemento decisivo que permitió el nacimiento del rascacielo es la aparición del ascensor creado por Otis en 1864.

Richardson valora sobre todas las cosas la funcionalidad, y pretende que el edificio se adapte a la función para la que había sido concebido. Los almacenes Marshall de Chicago.

Henry Sullivan construye en Chicago el Auditorio con capacidad para mas de 4000 personas. Tambien realiza los Almacenes Carson en Chicago.

EL MODERNISMO

Es un movimiento que surge a finales del siglo XIX en Europa y que afecta principalmente a la arquitectura y a las artes decorativas. En Francia se le llamó Art  Nouveau, en Italia Liberty, En Gran Bretaña Modern Style, en Alemania Jugendstil y en Austria Sezessionstil. 

El origen de este  movimiento está vinculado  a William Morris que creó Arts and Crafs (Artes y oficios) como reacción a la Revolución Industrial, los productos que salían de la industria eran feos  e impersonales, la consecuencia de la producción artesanal de los objetos fue un encarecimiento de los precios, siendo pues el modernismo un estilo de la burguesía urbana y cosmopolita, lejos del alcance de la mayor parte de las clases populares.

El modernismo busca la belleza aplicada a todos los órdenes de la vida, afectando no sólo a la arquitectura, escultura y pintura, sino que también se realizaron bellísimos objetos que forman parte de la vida cotidiana como son las vajillas, el mobiliario, los jarrones, la ropa y las joyas.

Se buscaba el arte total, la unificación de todas las manifestaciones artísticas y que éstas quedasen englobadas bajo la arquitectura, en la que no se renunció el empleo de los nuevos materiales que la R. Industrial había aportado. Lo que los  modernistas buscaban era una alianza entre arte e industria

En la arquitectura modernistas hay dos tendencias por un lado surge una arquitectura mas expresiva en la que se prefiere la línea cura y las formas ondulantes: Bélgica y Francia mientras que existe otra tendencia en la que se prefiere la línea recta, la simplificación y la geometrización que la aproximan a la arquitectura racionalista: Gran Bretaña y Austria.

MODERNISMO ONDULANTE: FRANCIA Y BÉLGICA

Predominio de la línea curva y exaltación de los valores expresivos sobre cualquier cosa.

Victor Horta es quien mejor encarna el Modernismo en Bélgica, realizó  la Casa Tassel en Bruselas, también  la Casa Solvay y la Casa del pueblo realizada para albergar las oficinas del sindicato socialista. En ellas consiguió transmitir al exterior la forma y los volúmenes del interior del edificio, poner de manifiesto la estructura del edificio, su fachada es ondulante y utiliza de forma masiva el hierro y el vidrio en la misma

Hector Guimard es el arquitecto más interesante de Francia construyó las entradas del metro parisino.

MODERNISMO RACIONALISTA: GRAN BRETAÑA Y AUSTRIA

Predominio de la línea recta.

Charles Mackinstosh en Glasgow realiza una obra de líneas puras y limpias en la que el preominio de la geometría es total, sin que ello suponga un detrimento de la creatividad: la escuela de Artes de esta ciudad.

En Austria Otto Wagner y Joseph Olbrich trabajan, el primero realizó la casa de las Mayólicas, para el la arquitectura debía ser racional, adecuarse a la función para la que es concebida y separarse de la tradición. Olbrich realiza el edificio de la Sezession en Viena donde vemos una cúpula calada y dorada hecha de láminas metálicas

GUSTAVA KLIMT: pintor modernista

Su obra se puede etiquetar dentro de esta corriente estética, la cumbre de su estilo es la decoración del Palacio Stocklet en Bruselas para la que realizó el Arbol de la vida . Realizó  Las Tres edades de la mujer, El Beso en ellos vemos como emplea materiales muy ricos que  cuida con esmero y en donde los elementos decorativos ocupan un lugar preponderante.

EL MODERNISMO ESPAÑOL

Cataluña es el lugar en que el modernismo alcanzó una mayor fuerza e interés aunque esto no quiere decir que no aparezcan relevantes ejemplos modernistas en  otros lugares.

LLuis Domenech i Montaner  Hizo El Castells des Tres Dragons, hoy museo de zoología, el edificio está dentro del estilo neogótico pero bastante racionalista y severo. Realizó el Palacio de la Música donde pretende reflejar la esencia cultural de Cataluña. Está decorado con elementos vegetales que recuerdan al modernismo de Horta, juega con la curva y la contracurva, con las posibilidades expresivas de los nuevos materiales como el vidrio y el hierro

Joseph María Puig i Cadafalch   combina en una misma arquitectura el románico, el mudéjar, el barroco, el plateresco y el gótico. Entre sus más importantes obras está la Casa Amatller.

Otros autores son Joan Martorell y Jujol i Gibert.

Antonio Gaudí es él más importante, su  originalidad rebasa nuestras fronteras conviertiéndolo en uno delos arquitectos españoles más conocidos.

Sus primeras obras se desarrollan dentro del historicismo, destaca de este periodo La Casa Vicens donde se funde la influencia mudéjar y oriental y comienza a preocuparse por dar a cada material el tratamiento oportuno, y también está  el capricho de Comillas que recuerda a un minarete musulmán.

En 1886 comienza a construir el Palacio Güel  y en el 89 el Palacio episcopal de Astorga, de estilo neogótico, también es neogótico la Casa Botines en León.

Entre 1900-1917 comienza a interesarse por las formas orgánicas, es en este periodo cuando inicia el Parque Güell, aquí vemos emplear a la entrada colosales columnas pétreas que se disponen muy próximas unas a otras, inclinadas. Emplea también cubiertas  bulbosas y originales chimeneas.

En la Casa Batlló recubre la fachada con Trencadís, que es una técnica consistente en emplear fragmentos rotos de cerámica para disponerlos libremente sobre una superficie con la finalidad de obtener efectos decorativos. Más adelante realiza la Casa Milá también conocida como La Pedrera, donde ensaya soluciones constructivas de gran originalidad: se cambiaron los muros de carga por columnas de piedra y ladrillo por el entramado metálico, elementos ambos que permiten crear una planta libre de formas ondulantes.

En la Iglesia de la colonia Güel vemos vastas columnas monolíticas que recuerdan al arte prehistórico confiriendo  al conjunto un encanto rústico.

La Sagrada Familia fue un encargo de la asociación de devotos de San José, está inacabada. Las influencias del gótico son innegables pero también es cierto que en  ella se refleja el estilo personal del autor.

FRANCISCO DE GOYA

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES
Nace en Fuendeteodos en 1746, inicia su forma ión en el taller de José Luzan donde fue condiscípulo de los Bayeu. Formándose en un estilo dentro aún del último barroco.
Con 20 años viene a Madrid para participar en un concurso de la Academia de San Fernando, donde pasó desapercibido, lo vuelve a intentar dos años después sin éxito. Marcha a Italia sin beca, va a Roma, donde envía a la Academia de Parma para otro certamen un cuadro, hoy perdido sobre Anibal pasando los Alpes, que le valdría una mención especial.
Aquellos primeros fracasos no tuvieron importancia acabará siendo miembro de la propia Academia de San Fernando llegando incluso a obtener el nombramiento de subdirector de pintura de la misma.
De vuelta en Zaragoza recibe su primer encargo conocido, la decoración al fresco de la bóveda del coreto del Pilar, que le procurara otros encargos como el ciclo mural de la Cartuja de Aula Dei.
Casa con Josefa Bayeu y por mediación de su cuñado entra a formar parte del grupo de pintores de cartones de la Real Fábrica de Tapices.
Llegará a alcanzar fama y reconocimiento pero no todo seran triunfos, enfermo, sólo y perseguido se verá obligado a salir de España instalándose en Burdeos donde morirá en 1823.
CARACTERÍSTICAS
No fue un artista precoz, pero si longevo y a lo largo de su vida, su arte y su técnica no dejaron de evolucionar profesivamente siendo especialmente fecundo en la vejez. Si comparamos sus primeras obras con las últimas parecen dos artistas diferentsx.
Trata todos los temas: religiosos, populares, infantiles, bélicos, taurinos, retratos, fantásticos. Es el suyo un arte de contrastes pasando con facilidad de la fiesta al aquelarre, de lo real a lo fantástico.
Se aleja del Neoclasicismo imperante del que nunca llegó a hacerse realmente eco, su espíritu estaba mas cerca del tradicional naturalismo hispano. Para él la esencia de la pintura está en el color
CARTONES PARA TAPICES
Sus primeros bocetos con escenas de caza y pesca son torpes en la composición y sus motivos infantiles y escenas galantes aparecen envueltas en un costumbrismo académico.Pero enseguida multiplicara los personajes, las postura y los ademanes poniendo ya de manifiesto su originalidad para enfocar temas populares. El baile de San Antonio, Niños inflando una vejiga, La riña en la Venta Nueva, el Parasol, El pelele, La gallina ciega, La Pradera de San Isidro….
PINTURA RELIGIOSA
Es un género que cultivará de vez en cuando, destaca Cristo crucificado, la bóveda de El Pilar con el tema La Virgen reina de los Mártires. Y los frescos de la Ermita de San Antonio de la Florida
RETRATOS
Se convierte en el retratista de moda y obtiene muy desiguales resultados. Los hay desde elegantes y distinguidos hasta sinceros y despiadados. Los primeros son estáticos y fríos, y a partir del año 1800 de mayor penetración psicológica, dejando entrever laopinión que le merecía el modelo así como algunos rasgos de su carácter: Jovellanos, Juan de Villanueva, Carlos III, Carlos IV.
En retratos colectivos destaca el del Infante d. Luis y su Familia y el de los duques de Osuna.
Sentirá especial predilección por los retratos femeninos como el de la Duquesa de Alba, la Marquesa de Chinchón. La Marquesa de Pontejos,
Incluimos en este apartado el de las dos Majas, la desnuda y la vestida, ambas en el Prado, muchas veces se ha dicho que podría tratarse de la Duquesa de Alba, el porqué de dos versiones casi gemelas una con ropa y otra sin ella no se sabe, mientras que la vestida es de factura muy suelta, el de la desnuda es mas precisa y apretada.
La familia real fue también inmortalizada por Goya, pero que sus modelos sean monarcas no le cohíbe en expresar lo que piensa de ellos… Carlos III, Carlos IV, Maria Luisa y el de la Familia de Carlos IV donde emulando a Velazquez se autorretrata en el conjunto.
LOS DUQUES DE OSUNA
Fueron unos de los clientes mas fieles , para su casa en la Alameda llamada “El Capricho” pintó un conjunto de 7 obras sobre temas del campo, pèro los mas sobresalients fueron las pinturas realizadas para el gabinete de la duqesa sobre asuntos de brujas (un tema del que las mentes ilustradas se reían pero que estaba muy arraigado en el pueblo): Aquelarre o vuelo e Brujas.
LOS GRABADOS
Conservamos más de un millar de grabados, la mayor parte de su producción agrupadas en series aunque también tenemos láminas sueltas.
• Los caprichos: Fue la primera colección de grabados preparada para ser vendida como conjunto. Utiliza el aguafuerte y el aguatinta combinados. Son una buena muestra de la sociedad corrompida ante la que Goya manifesta su espíritu más crítico: la mala educación, la lujuria, la gula…
• Los desastres de la guerra: No es una crítica al hecho histórico de la invasión, sino lo que censura es la guerra en si y la violencia que desata. No hay héroes ni grandes batallas son personajes, y escenas anónimas.
• La tauromaquia
• Los disparates Es la más difícil de interpretar porque no está terminada ni ordenada.
LA GUERRA DE LA INDEPENDENCIA
Son dos cuadros históricos donde los protagonistas son el pueblo llano que pelea y sufre, no hay grandes generales ni personajes.
La carga de los Mamelucos o el dos de mayo: la escena de lucha se sitúa en la Puerta del Sol, es un choque confuso donde funde en una masa compacta a los caballos y a los hombres de uno y otro bando, sobre un fondo de rostros borroso desdibujados, de extraordinaria ejecución.
El tres de mayo o los fusilamientos de la Montaña de Principe Pio: es un nocturno, contrastando la oscuridad con el potente foco de luz que arranca de un farol en el suelo, luminosidad que se vuelve violencia al incidir sobre la camisa blanca del hombre que, con los brazos en alto se dispone a ser fusilado.
LAS PINTURAS NEGRAS DE LA QUINTA DEL SORDO
La sordera le hará apartarse poco a poco del mundo que le rodea, viejo, enfermo y perseguido se retira a una casa que tiene en la ribera del Manzanares conocida como la quinta del sordo y allí deja libre a su espíritu pinta : la lucha a garrotazos, los viejos comiendo sopas, aquelarre, Saturno devorando a sus hijos.
LOS ÚLTIMOS AÑOS EN BURDEOS
En 1823 se desplaza a Burdeos y allí sigue pintando de esta época es la lechera de Burdeos donde vemos como vuelve a recuperar los colores claros y luminosos.
TRASCENDENCIA DE GOYA
Casi todos los movimientos pictóricos posteriores en mayor o menor medida beben de su obra: Delacroix, Coubert, Picassso.

NEOCLASICISMO EN ESPAÑA

NEOCLASICISMO EN ESPAÑA

Son los reyes los que sustentan esta renovación artística, sirviéndose de una institución, la Academia de Bellas Artes de San Fernando, que promueve a la vez que ejerce el control sobre las artes. Poco a poco se instaura el reformismo ilustrado contando para sus proyectos renovadores con la ayuda de notables ilustrados españoles como Aranda, Campomanes, Floridablanca.

 El proceso de introducción en España de las corrientes neoclásicas tiene en común con el resto de Europa el profundo análisis que se hace de las fuentes del clasicismo, el interés por la arqueología,  la crítica de la tradición y el rechazo del último barroco.

En estos años sobresale el arquitecto Ventura Rodriguez (1718-1785), notable por la cantidad de obras que construye y por el control que sobre la arquitectura de toda España ejerció desde la Academia y desde el Consejo de Castilla. Obras suyas son la remodelación de la basílica del Pilar de Zaragoza y de un clasicismo más riguroso son los planos de la fachada de la catedral de Pamplona (1783), telón tras el que se oculta el primitivo edificio gótico. A él pertenecen también los diseños arquitectónicos de las fuentes monumentales del Salón del Prado.

Con la llegada de Francesco Sabatini (1721-1797), que llegó de Nápoles con Carlos III con la misión de atender la política reformista del rey en el campo de la arquitectura, Ventura Rodríguez se vio relegado en el favor real. Sabatini trazó la escalera principal del Palacio Real de Madrid e intervino en la edificación de obras monumentales para Madrid, representativas del poder real, como la PUERTA DE ALCALÁ(1764-1776), que conmemoraba la entrada de Carlos III en la capital, el edificio de la Real Casa de la Aduana de Madrid (1761-1769), hoy Ministerio de Hacienda, en la calle de Alcalá, y el Hospital General (1781), actual MUSEO REINA SOFÍA iniciado por Rodríguez, todo dentro del diseño racionalizado del Barroco clasicista que había conocido en Nápoles. La actividad de Sabatini cubrió el campo de la arquitectura civil y de la ingeniería militar; dirigió numerosas obras en toda España, como  la fábrica de armas de Toledo o el trazado de la nueva población de San Carlos en la Isla del León (Cádiz).

JUAN DE VILLANUEVAes el arquitecto que mejor refleja la consecución y codificación de un auténtico lenguaje neoclásico, fue autor, en elREAL SITIO DEL ESCORIAL, de las casas de Oficios frente al monasterio y también de las Casitas deARRIBAy deABAJO, edificaciones de aspecto totalmente clasicista. Incluidas en el programa cultural de corte ilustrado del gobierno de Carlos III están tres de las obras más emblemáticas de Villanueva: el MUSEO DEL PRADO, EL JARDÍN BOTÁNICO Y EL OBSERVATORIO ASTRONÓMICO. El hoy Museo del Prado estaba pensado como Academia de Ciencias o Gabinete de Historia Natural y se inició en 1785; su arquitectura de formas clásicas perfectamente depuradas, integrada por volúmenes independientes conectados entre sí, es una muestra del modo neoclásico de combinar formas puras.

ESCULTURA NEOCLÁSICA

.Los materiales preferidos serán el mármol blanco y el bronce. En cuanto a la temática, predominan los temas profanos.

Comienza a tomar entidad la estatuaria monumental (los monumentos conmemorativos y las decoraciones escultóricas de los edificios).

La Corona es el principal cliente de la época, y los Borbones pusieron de moda la figura del escultor de cámara, que el que coordina las iniciativas y encargos reales.

Francisco Gutierrez realiza la Fuente de la Cibeles, y Pascual de Pena la fuente de Neptuno ambas en el paseo del Prado. Tambien destaca Alvarez de Cubero con “La defensa de Zaragoza” y Antonio Solá con “el Daoiz y Velarde”  en la plaza del dos de mayo.

PINTURA

Antón Raphael Mengs realizó decoraciones para algunas de las bóvedas del Palacio, predominando en todas ellas un dibujo preciso y una falta de expresividad; colaboró en el Palacio Salvador Maella que también hizo decoraciones para los palacios deAranjuez , El Pardo y El Escorial; su estilo  es distante y su colorido algo estridente.

Pero el cambio en España lo protagonizó Francisco de Goya, su obra se moverá entre un neoclasicismo personal y un romanticismo crítico. La influencia de Goya fue tan grande que es la responsable que este estilo apenas tuviera penetración en nuestro país.

Entre los artistas extranjeros que vienen a trabajar a España destaca Giandomenico Tiepolo que pinta algunas estancias del Salón del Trono del Palacio Real de Madrid

NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO

CONTEXTO HISTÓRICO-ARTÍSTICO

La revolución francesa y la  revolución industrial marcaron los últimos años del siglo XVIII y la totalidad del siglo XIX. La Revolución Francesa supuso el triunfo de la burguesía y el fin del Antiguo Régimen, mientras que la Industrial favoreció la aparición de la nueva figura del proletario. 

El siglo XIX es un siglo de cambios, de revoluciones, nacionalismo y liberalismo van de la mano en este periodo. El primero comienza su andadura a principios del siglo XIX tras las invasiones napoleónicas, se desarrolla con fuerza en la década de los 20, con la independencia de Grecia y Bélgica y   culmina con las unificaciones  de Alemania e Italia.

Con respecto a las ideas liberales vemos como cobran fuerza a lo largo del siglo XIX, las  revoluciones  de 1820  es un intento de no perder los principios liberales que se establecieron en muchos países tras las invasiones napoleónicas. La revolución de 1830 culmina con el establecimiento de Luis Felipe de Orleans, “el rey burgués”.

La revolución de 1848 comienza en Francia y en pocos días se extiende por Europa, en cada país tendrá matices diferentes: lucha por la  unificación en Alemania e   Italia, en Francia traerá la proclamación de la II República, y aunque es un fracaso, lo cierto es que sienta las bases para el triunfo del liberalismo más adelante.

Paralelo a estos movimientos hay un movimiento social muy importante, el de los trabajadores que viven condiciones muy duras en la nueva sociedad industrial, esto traerá  movimientos reivindicativos como son el socialismo, el anarquismo  y el desarrollo de los sindicatos entre los trabajadores como intento de paliar sus condiciones de vida.

Roma se la puede considerar como el principal foco del Neoclasicismo y durante el periodo romántico fue también el centro artístico del movimiento “Nazareno” de origen alemán.

Paris tuvo relativa importancia durante el neoclasicismo  aunque es a partir de mediados del siglo XIX cuando se va a a convertir en un centro de obligada referencia artística.

Los límites entre neoclasicismo y romanticismo son poco claros, el término romanticismo surge  en Francia y se emplea como oposición a la pintura neoclásica. En cierto modo el Romanticismo del siglo XIX fue una transformación del neoclasicismo.

NEOCLASICISMO

CARACTERÍSTICAS GENERALES

El Neoclasicismo nació como reacción contra el hedonismo y la frivolidad del rococó. Su impulso inicial no vino de la mano de los artistas sino de los filósofos, los representantes de la Ilustración en Francia. Hombres como Diderot y Voltaire protestaron contra el relajamiento moral del estilo rococó y, por asociación, contra el régimen que lo había engendrado. Reclamaban un arte racional, moral y con principios. Pedían un arte dirigido por la razón y no por el sentimiento, en el que la perfección técnica dominara sobre la improvisación y la imaginación.
El arte neoclásico quiere ser arte moderno, comprometido a fondo con la problemática de su tiempo. Los arquitectos neoclásicos saben que un nuevo orden social exige un nuevo orden de la ciudad y todos sus proyectos se inscriben en un plano de reforma urbanística. La nueva ciudad deberá tener, como la antigua, sus monumentos; pero el arquitecto deberá preocuparse también del desarrollo social y funcional. Se construyen iglesias a modo de templos clásicos, pero también escuelas, hospitales mercados, aduanas, puertos, cuarteles, cárceles, almacenes, puentes, calles, plazas.
Los escultores y los pintores trabajan para la ciudad: estatuas, adornos, grandes representaciones históricas que sirvan de ejemplo a los ciudadanos. Y prefieren sobre todo el retrato

 El Neoclasicismo no está  íntimamente unido a la ideología revolucionaria, aunque se dé el caso de que  es el arte del tiempo de la revolución y del Imperio napoleónico. Aunque también es cierto que es en Estados Unidos donde tendrá una gran vigencia

 Al ideal barroco de la técnica «virtuosa» le sucede el ideal neoclásico, de la técnica rigurosa. Es la época del Academicismo, es decir la necesidad de ajustarse a unas normas establecidas por las Academias.  A la vez que refleja el rechazo del decorativismo rococó, considerado una manifestación del gusto decadente de la nobleza.

ARQUITECTURA

Rechaza todo tipo de ornamentaciones superfluas y busca versiones simplificadas de los modelos griegos romanos y egipcios. Las columnas  sustituyeron a los pilares y los muros se dejan lisos o simplemente se recubren con sencillos motivos en estuco.

En cuanto a tipos de edificios se acentúa la construcción de numerosos edificios de tipo público como bibliotecas, mercados, museos, pórticos etc.

El clasicismo oficial estuvo representado en una construcción parisina  LA MADELAINE de Pierre Vignon levantada como templo de la gloria y finalmente convertida en iglesia. También se levantaron columnas conmemorativas y arcos de triunfo al modo romano: Columna de Vendome  y el Arc de la Étoile  ambos de Chalgrin ambos en Paris.

En Alemania destaca las obras de Leo von Klenze entre las que sobresalen los Propileos y la Gliptoteca en Munich

En Estados Unidos el Capitolio de Washington,  obra de grandes proporciones y coronada por una gran cúpula.

ESCULTURA

El cambio del barroco al neoclasicismo fue lento, sustituyéndose el dinamismo propio del Barroco por el equilibrio y la proporcionalidad basándose en  modelos de la antigüedad grecorromana.. Los modelos se copiaban a la perfección, no se tomaban como punto de referencia como hacía el Renacimiento,  por ese motivo este arte fue pronto estéril.

La temática es la mitológica preferentemente, los materiales el mármol y el bronce.

Los géneros más cultivados son el retrato, el monumento público y el monumento funerario. Un cambio sustancial fue que la monarquía, la nobleza y la iglesia dejaron de ser los únicos clientes siendo sustituidos por una burguesía del gusto mas prosaicos. Destacan Thorvaldsen con  Jasón y el Vellocino de oro y sobre todo Antonio  Canova  con el Beso, el retrato  de Paolina Bonaparte y el Mausoleo de la duquesa María Cristina.

Pintura

La principal fuente de inspiración del artista debía ser la naturaleza, pero como esta es imperfecta se debía escogerse de ella lo mejor, sin dar cabida a la fealdad o a la imperfección. Las obras, pues, debían ser realistas, pero idealizadas. Los personajes debían desarrollar musculaturas perfectas y proporciones canónicas, semejantes a las de las esculturas clásicas griegas. Los escenarios arquitectónicos debían recrear el pasado clásico de forma veraz. Los paisajes naturales habían de ser bellos y tranquilos.

Falta de expresividad. Los sentimientos no debían ser mostrados o si se mostraran debían ser contenidos y fríos. Cuando había que aportar pasión a la escena, algunos pintores utilizarán recursos teatrales, gesticulaciones grandilocuentes con los brazos, que todos entendían como parte del mensaje trascendente con el que se quería ennoblecer la escena. Pero, la mayor parte de las veces, los rostros adoptaban una actitud contenida e impasible, no importando cuán intenso fuese el sentimiento que podía dominar en el tema, puesto que así conservaban esa belleza ideal, sin que el dolor o la alegría deformara sus rasgos.

Las composiciones eran concebidas de forma geométrica, equilibrada y estática. Cuando en un grupo había que establecer una relación de movimiento, resultaba mesurado y con posturas muy estudiadas. No hay temas anecdóticos que distraigan del motivo principal. Todo acontece en primer plano trasmitiendo rápidamente y sin duda el mensaje.

La luz era clara y fría, ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría en la obra una sensualidad que se rechazaba en la estética neoclásica. No se renuncia al claroscuro, que sigue utilizándose por algunos autores, porque la luz intensa dirigida permitía aclarar aún más la prioridad compositiva, dejando en penumbra lo más secundario.

Técnicamente, la factura era impecable; es decir, la superficie del cuadro parecía esmaltada porque difícilmente se apreciaban las pinceladas.

Predomina el dibujo, la forma, sobre el color. Los colores son pálidos, convencionales, y el dibujo es el objetivo prioritario del pintor. Contornos bien definidos, bellas líneas y cuidado del detalle… buscando una semejanza con la escultura.

Todo ello daba como resultado una estética distante del espectador.

Jacques-Louis David o Ingres hicieron coetáneo el carácter heroico del pasado de Roma con la Revolución francesa. Con Napoleón Bonaparte la pintura se convirtió en un arte al servicio de la propaganda del Imperio y del emperador.

El representante máximo de la pintura neoclásica es el francés David. Cultivó la pintura de tema clásico, inspirada en los relieves grecorromanos, de los que copió la simetría, la falta de profundidad y la ordenación en figuras paralelas.

En el Juramento de los Horacios realizada en 1784 y considerada posteriormente como el manifiesto del neoclasicismo pictórico, describe el juramento que los tres hermanos Horacios hacen delante de su padre para luchar por Roma frente a los tres hermanos Curiaceos. Formalmente deriva del mundo romano; en la composición se presenta con claridad los dos grupos distintos: el de los Horacios dispuestos en paralelo según la técnica del relieve romano, el del padre que da las armas, y el grupo de mujeres cuya desolación contrasta con la actitud arrogante de los protagonistas. Todo tiene un carácter teatral, con la arquitectura del fondo en arcos de medio punto y columnas dóricas marcando la perspectiva. El elemento cromático está subordinado al dibujo y al modelado escultórico de las formas. Se trató del primer encargo oficial de David por parte del primer ministro de Bellas Artes consiguiendo el máximo reconocimiento por ella en el Salón francés.

El Rapto de las Sabinas, muestra el afán conciliador de éstas entre los romanos y los sabinos. Cuando estalló la Revolución, David se apartó totalmente de la política. Nombrado superintendente de Bellas Artes, suprimió la Academia y sometió al arte a una dictadura personal. Se mostró enemigo implacable del arte Rococó. De este período destacan el Juramento de la pelota y La muerte de Marat en la que se impone la fuerza de la emoción por encima del clasicismo. Presenta la muerte del héroe en un tono sobrio y sereno, eliminando todo lo accesorio primando la austeridad.

Cuando  Napoleón llegó al poder, David fue nombrado pintor de Cámara (1804-1816). Respondiendo a la petición de su emperador, se dedicó a la creación de un nuevo estilo imperial, ejemplo perfecto del cual es la Coronación del Emperador, en un marco de lujo inherente a la corte. Representa el momento en el que el nuevo emperador se dispone a coronar a Josefina en presencia del Papa. Es una galería de retratos de personajes con una composición que se transforma en fastuosa y abigarrada y con tonalidades cálidas.

Ingres fue discípulo de David. Su vida artística fue muy larga y su obra fue revalorizada y recuperada por las vanguardias (Matisse) .Sus cuadros son enormes y de gran frialdad, apostando por la línea (por la “forma correcta academicista”)Algunas de sus más afamadas obras son Apoteosis de Homero (1808). Es una de las obras más representativas de la teoría neoclásica. Sigue el modelo de la Escuela de Atenas de Rafael.

Otros autor es Anton Rafael  Mengs.

ROMANTICISMO

No es sólo un estilo artístico sino también una actitud vital que afecta al arte, a la literatura, a la música y a otros ámbitos de la vida. Sus raíces ideológicas se hallan en los grandes pensadores del siglo XVIII, especialmente en Rousseau y en la filosofía alemana ligada al nacimiento del nacionalismo.

Aplicado al arte el término romántico nace en contraposición al cálculo y la armonía de las encorsetadas normas neoclásicas, es un nuevo orden  sustentado en la exaltación vitalista y en la necesidad de explorar nuevos campos: exotismo oriental, conflictos bélicos, análisis psicológicos, cementerios, bandidos, costumbres populares, exaltaciones nacionalista y religiosas, pasiones amorosas, viajes y aventuras, suicidio, locura, tempestad, etc.

Fue un movimiento eminentemente pictórico en el que se pueden distinguir los siguientes rasgos generales:

  • Diversidad frente a la uniformidad, exaltación del individuo y de las tradiciones nacionales.
  • Aspiración a la libertad individual y nacional, idea que conecta con las revoluciones burguesas.
  • Historicismo como búsqueda de las raíces nacionales en el pasado
  • Entiende y siente la naturaleza desde el aspecto sensible y desde el religioso, apoyándose en la  Edad Media.

El arte romántico también se fijó en el mundo musulman del norte de África y en el Mundo Oriental.

LA PINTURA ROMÁNTICA EN FRANCIA

Rechaza el clasicismo y la tradición del renacimiento clásico, interesándose por la pintura anterior a Rafael en la que hallaban la pureza de las formas y la espontaneidad que le faltaba al clasicismo.

Este concepto entre clasicismo y  romanticismo tuvo su fase más clara entre 1820-40, cuando se contrapusieron dos concepciones  pictóricas: la tendencia clasicista de Ingres que prefería el dominio de la línea y del dibujo con formas equilibradas por encima del color, y la romántica de Gericault y de Delacroix  que apostaron por un cromatismo vivo, que les serviría como lenguaje expresivo de la emoción y el sentimiento.

No obstante cabe destacar unas características comunes a todos los románticos:

  • Predominio del color sobre el dibujo y usar la luz para difuminar las figuras y acentuar los cromatismos
  • Dramatismos en las composiciones con gran preocupación por el movimiento y la complejidad compositiva
  • Técnica rápida con pinceladas sueltas y pastosas
  • Aparición de temas actuales: revoluciones, guerras, desastres. Y sobre todo la gran importancia del tema histórico y del paisaje.

GERICAULT : Puede ser definido como un colorista que imprime a sus obras una gran energía y furor. Su obra más conocida es “La balsa de la medusa”, en ella recoge el motín y el naufragio de de una fragata francés frente de las costas de África. El artista recoge un episodio histórico que no sirve para exaltar ni enaltecer un momento de gloria, sino que prefiere plasmar en sus pinturas un hecho lamentable, trágico e incluso patético. Gericault estuvo siempre interesado  por los temas orientales asi como por los caballos, una de las pasiones de su vida. A esta temática corresponde “Oficial de Húsares a caballo”

Eugéne Delacroix: Su pintura es colorista y sensual. “La libertad guiando al pueblo” es una de sus principales obras, refleja en ella la insurrección de 1830 que tiene lugar en Paris y que pone fin a la restaurada monarquía borbónica, la Libertad es una figura que recuerda a la Victoria de Samotracia y que lleva en sus manos la bandera tricolor francesa. La escena se organiza de abajo a arriba

La pintura histórica tendrá una gran relevancia dentro del romanticismo. Delacroix es un gran cultivador de este género tal y como podemos comprobar en su obra “La matanza de Quios” donde rinde tributo a los griegos que en este momento están luchando por su independencia.

“La muerte de Sardanápalo” es una de sus más bellas creaciones en las que se narra el trágico momento que vivió el monarca asirio, el cual se vio obligado a matar a sus esposas y caballos antes de ver como eran asesinados por los persas.   

LA ESCUELA DE BARBIZÓN Y CAMILLE COROT

La escuela de Barbizón representa la pintura paisajística francesa, en ella encontramos a  Theodore Rousseau y a Jean Francois Millet. Para muchos autores supone esta escuela el antecedente más inmediato del impresionismo, puesto que pintan del natural, aspecto esencial de la pintura impresionista, es un arte muy próximo al realismo donde el paisaje armónico y sereno se convierte en el protagonista de sus composiciones.

Camille Corot: Nace en Paris, presenta ambientes íntimos y tranquilos que son acariciados por una luz dorada, sus paisajes son bucólicos, líricos y poéticos, su pincelada suelta. Es también un gran retratista. Entre sus obras tenemos La catedral de Chartres 

ROMANTICISMO ALEMAN

Uno de los elementos que confieren mayor unidad a la pintura romántica alemana es la fuerte irrupción de la religiosidad, algo que afectó a la mayor parte de los pintores alemanes de este momento

Los nazarenos   es una hermandad estético-religiosa que viviendo en comunidad quisieron regenerarse artísticamente volviendo el estilo de los primitivos cuatrocentistas destacan Frederich Overbeck, Peter Cornelius.

La pintura romántica alemana se separó de ellos y tuvo en David Friedrich el gran exponente del romanticismo alemán. Es el mejor representante de la interpretación del paisaje desee un punto de vista místico-religioso. En sus obras la naturaleza tiene connotaciones religiosas y la convierte en un símbolo de religiosidad. Representó sobre todo atardeceres y amaneceres en los que se recortan las siluetas de las ruinas que evocan el esplendor del pasado perdido   

LA DIVERSIDAD INGLESA

En pintura  el mundo   romántico se inició con la figura de Henri Füssli, precursor de una temática insólita con referencias a la alegoría animal que le  transportaban al mundo de los sueños, en los que hacía gala de una gran fantasía precursora del surrealismo. El sueño de una noche de verano. Las pesadillas. Otro autor  es Willian Blake, su pintura se basa en un dibujo potente y su paleta es tornasolada e irreal. Rechaza con fuerza el arte oficial.

El gran descubrimiento del romanticismo inglés fue percibir el valor y la importancia del contacto directo con la naturaleza. Los auténticos renovadores del paisajismo inglés fueron William Turner y John Constable, que captaron los nuevos valores de la naturaleza: luz, color, atmósfera… siendo auténticos precursores de los impresionistas.

John Constable: Capta  la naturaleza de la verde Inglaterra, la técnica que utiliza con mayor frecuencia es la acuarela. Maneja el color con gran agilidad aplicándolo en ocasiones directamente sobre el lienzo con la paleta. Es el gran pintor de las nubes y de las tormentas inminentes. La catedral de Salisbury. El Carro de Heno 

William Turner: Convirtió la naturaleza y los cambios de luz en el núcleo de su obra. La luz penetra en los objetos y los deshace, su pincelada es suelta, lo que da sensación de abocetamiento, es dorada su luz, siendo este el color que es protagonista en sus cuadros. Vista de la Ciudad de Venecia.  Lluvia, Vapor y velocidad.    

Los prerrafaelitas surgen a mediados del siglo XIX, tuvieron como referencia estilística el arte renacentista anterior a Rafael, en el que el dibujo asumió una gran importancia. En cuanto a temática se acercaron a la belleza suprema a las almas buenas y nobles. Dante, Rossetti, Millais, Hunt.

LA PINTURA REALISTA FRANCESA

En la década de 1850-60 surge en Francia un grupo de pintores que pretende reflejar la realidad social- en concreto la realidad del pueblo oprimido en un momento de ascenso de la burguesía- con la mayor fidelidad y simplicidad posible.

Uno de los pintores más representativos es Francois Millet que es el pintor de los campesinos, de los humildes conscientes de su situación ante la que ha sabido resignarse: Las espigadoras, El Ángelus

Gustave Coubert se identificó con el socialismo, desafió a la tradición y quiso que su obra fuera para el pueblo, sus  escenas son de la vida cotidiana que se desarrollan en el contexto rural que le es propio:, sus dos obras más importantes son el  Entierro  en Ornans y el Estudio del pintor.

Hónore Daumier  tenía un gran espíritu critico junto con un carácter satírico. Sus personajes son gente del pueblo e incluso marginales que viven en la mas absoluta miseria: El vagón de tercera

LA ESCULTURA DURANTE EL ROMANTICISMO Y EL REALISMO

La inexistencia de elementos cohesionadores en ésta  época  hace difícil realizar una clasificación de la escultura. Francois Rude hace los relieves del Arco de Triunfo de l’Etoile de Paris entre los que sobresale La marcha de los voluntarios también conocidos como la Marsellesa

 

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