ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Junto a la inspiración de los modelos de la antigüedad hay que tener presente la persistente influencia de los maestros góticos en la estética florentina del cuatroccento. Del gótico se hereda el arte del retrato de carácter realista, los perfiles suaves y alargados del gótico internacional y el naturalismo narrativo, mientras que de la antigüedad se toma la preferencia por determinados materiales escultóricos: bronce y mármol. La preocupación por la anatomía del cuerpo humano como base esencial de la belleza mediante el estudio de las proporciones, además del análisis de los gestos y actitudes como medios expresivos del contenido anímico que da vida a las figuras, aspectos, que en diverso grado, también han sido objeto de estudio en los tiempos medievales. No existe pues una ruptura con el inmediato pasado, sino una evolución, que partiendo de las formas características del gótico internacional conducen al idealismo de la escultura clásica.

La necesidad de inspirarse en la antigüedad obligó a inspirarse en camafeos, medallas etc a los artistas florentinos ya que la propia Florencia carece de monumentos importantes donde inspirarse directamente.

Se hacen esculturas de bulto redondo pensando en su contemplación desde diversos puntos de vista, se crea el relieve narrativo de carácter pictórico ue debido a un sabio manejo de la perspectiva multiplica los planos.

Surge la estatua ecuestre, inspirada en la antigüedad, la representación de niños y adolescentes y se prodiga el tipo de busto-retrato donde el artista busca la caracterización mediante la idealización de los rasgos 

SACRIFICIO DE ABRAHAN. DENTRO VIDEO

GHIBERTI: Es el iniciador de la escultura florentina. Ejecuta las dos puertas del BAPTISTERIO DE FLORENCIA..  en las primeras, vence en el concurso a Brunellesqui y a Jacob de la Quercia con el tema del SACRIFICIO DE ABRAHAN, distribuidas aún a modo gótico, con 28 medallones lobulados. Muestra una perfección en la anatomía de los personajes. En las segundas puertas, las llamadas DEL PARAISO le vemos emplear un nuevo lenguaje formal: las divide en 10 grandes recuadros rectangulares, con escenas de compleja composición, con muchos

NOÉ BORRACHO. PUERTAS DEL PARAISO

personajes que se mueven en un amplio espacio, tratados de modo casi pictórico, dando gran volumen a los elementos del primer término y apenas cuerpo a los de lejanía, aplicando al relieve recursos de la perspectiva, ordenado la composición en planos que valoran la luz y la sombra.

PUERTAS DEL PARAISO

JACOB DE LA QUERCIA: Le  interesa sobre todo la expresividad del cuerpo humano, con un gusto por las formas hercúleas y monumentales, constituyendo  un anticipo del cinquecento  romano especialmente de Miguel Angel . Suyas son la Tumba de Hilaria del Carreto y la Fuente Gaia de la Plaza de Siena.

DONATELLO: Es el escultor más importante de este periodo, su estilo oscila entre la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza y el cultivo de un cierto expresionismo, que apoyado en la realidad acentúa los valores dramáticos.

Su motivo fundamental es el hombre, sometido a un proceso de idealización, desde la infancia como los relieves de la Cantoria de la catedral de Florencia y Prato hasta la vejez en el Zuccone. Pero son las figuras juveniles las más típicas del artista como su David, donde nos da señales de su maestría en el dominio del bronce

 
 
 
 
 
 
 
 

DAVID DE DONATELLO

VERROCHIO: Seguidor de Donatello y maestro de Leonardo, al ser también pintor, es un virtuoso de la técnica de fundición y el conocimiento de la anatomía del cuerpo humano, su obra  más importante es la

MAGDALENA PENITENTE. DONATELLO
CONDONTIERO GATTAMELATA

escultura ecuestre del Condontiero Colleoni , donde se capta la morfología del caballero  y se muestra con perfección la anatomía del caballo.

CINQUECENTTO

MIGUEL ANGEL: Florentino de nacimiento  inicia su formación en la línea donatelliana consiguiendo en la  un exquisito relieve de carácter pictórico. Un viaje a Bolonia le pone en contacto con Della Quercia, que marcará su estilo y un viaje a Roma enriquece su concepto de lo grandioso de la forma, donde labra La Piedad del Vaticano, soberbia obra de volúmenes puros y cerrados con un acabado refinadísimo. Sorprende la juventud de la Virgen, donde ha querido expresar no la madre doliente y madura sino la virginidad eterna y sin edad. (1495)

MADONNA DE LA ESCALERA. MIGUEL ANGEL

Madonna de la Escalera

LA PIEDAD DE MIGUEL ANGEL. DENTRO VIDEO

En 1503 esculpe el David, que contrasta por su desnudo heroico, su tensión, y su mirada agresiva con los davides victoriosos de serena y reposada gracia del Quatroccento.

DAVID DE MIGUEL ANGEL

Desde 1501  viene trabajando en el sepulcro de Julio II  su “pesadilla”. Concebido primero  como una montaña de mármol exenta bajo la cúpula de San Pedro, con más de 40 figuras de tamaño colosal, hubo de irse reduciendo hasta que cuando se coloca en San Pedro in Víncole  sólo es una tumba retablo donde de su mano encontramos el   famoso Moisés, obra capital de fuerza contenida y grandiosidad terrible y las figuras de Lía y Raquel. Para el mismo sepulcro fue labrando esclavos, figuras de prisioneros que alegorizaban el sometimiento de toda Italia a Julio II, donde aplica la técnica del no

EL MOISES DE MIGUEL ANGEL

acabado en algunas ocasiones, sus cuerpos giran en el espacio mostrándonos la angustia existencial y el patetismo que ha de ser la nota distintiva de su arte a partir de 1520.

Mientras  concibe esta obra se descubre el Laoconte en las termas de Tito. Advierte que el clasicismo  no es sinónimo de serenidad o reposo equilibrado, sino que la pasión, el movimiento, la agitación psíquica son también formas expresivas utilizadas en el mundo clásico, y de este modo el espíritu pasional de la escultura helenística se va a convertir en el mejor medio de expresión miguelangelesca.

LA PIEDAD DE FLORENCIA. MIGUEL ANGEL

A partir de 1520 se observa una mayor preferencia en su obra por la línea serpentinata o helicoidal, con una cierta  acentuación del movimiento ascendente al que contribuye el alargamiento del canon de las figuras  que llega a alcanzar las  12 cabezas.

Entre 1520-34  labra los Sepulcros de Lorenzo y Julián de Medici en Florencia. Se concibe de forma piramidal, con nicho en la pared rectangular. En el sepulcro de Lorenzo alegoriza la vida intelectual, y nos representa a Lorenzo ensimismado en su melancolía que constituye el contrapunto a la acción de Julián, joven guerrero de altivez imperial. Les acompañan recostados sobre los sarcófagos las figuras del día y la noche, el crepúsculo y la aurora.

LA PIEDAD RONDANINI. MIGUEL ANGEL

La última etapa de su actividad escultórica se  caracteriza por el intenso dramatismo que imprime a sus obras, reflejo de su angustiado espíritu. Los cuerpos se alargan, se estilizan se agitan y la técnica exalta el procedimiento del “no acabado” valorando el aspecto misterioso de las formas inconcretas del esbozo. Se da paso a la configuración de uno de los aspectos de la estética manierista , en cuanto la representación responde a la concepción mental que toma de la naturaleza  los elementos básicos, deformándolos con una finalidad expresiva. Corresponde a este periodo dos grupos de Piedad: la Piedad de Florencia, con una composición piramidal  que  nos ofrece el cuerpo de Cristo, estilizado en su anatomía y la Piedad Rondanini, que está inacabada.

MANIERISMO

CELLINI: Magnífico orfebre, aplica a la escultura de gran tamaño el concepto minucioso de esta técnica, según podemos apreciar en el Perseo. Rehúye de las formas macizas y  cultiva la elegancia lineal con formas más esbeltas y helicoidales como JUAN DE BOLONIA  en su  Mercurio.

PERSEO CON LA CABEZA DE LA MEDUSA.
MERCURIO. JUAN DE BOLONIA. MANIERISMO
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