EL BARROCO EUROPEO

ARQUITECTURA

FRANCIA

Contexto histórico-artístico

Durante el reinado de Luis XIII y Luis XIV se llevaron  a cabo las mas importantes obras del Barroco Francés, especialmente porque este último se ocupó de que la corte se trasladara a Versalles, para lo cual se encargó de concentrar allí a los más destacados artistas del momento.  Durante su reinado se crearon la Academia de Pintura y Escultura y mas tarde la de Música y Danza. Éstas se encargaron de establecer unas pautas que debían seguirse y crear un gusto uniformado que representase a Francia y se

SALON DE LOS ESPEJOSVERSALLES
SALON DE LOS ESPEJOS
VERSALLES

identificase con ella . Todo ello formaba parte de un estudiado plan de trasfondo político: Se trataba de poseer fábricas que produjesen objetos artísticos, de tal modo que no fuese necesario traerlos del extranjero y que garantizasen la suficiencia de Francia en este sentido.

La arquitectura y las artes en general, están más enfocadas a lo civil que a lo religioso, asi entre los años 1635-40 se sientan las bases de un estilo marcado por el Clasicismo y bastante más sobrio decorativamente hablando, que el Barroco de otros lugares.

Jacques Lemercier  planifica las ampliaciones del Louvre  que le habían sido encargadas anteriormente a Bernini.  Para el cardenal Richelieu su mayor protector hizo la Iglesia de la Sorbona y en 1646 la cúpula de Val-de- Grâce, obra en la que sería sustituido por Mansart.

IGLESIA DE LA SORBONA
IGLESIA DE LA SORBONA

Louis Le Vau remodela el Palacio de Versalles, llevando acabo la fachada del jardín que sería  derribada años mas tarde por Mansart. A él se debe la fachada del Louvre en el que intervino también Perrault.

Jules Hardouin-Mansart realiza el salón de los espejos del palacio de Versalles y en el año 1680 inicia la iglesia de los Inválidos de París, cuya cúpula estilizada y elegante contrarresta el efecto horizontal de los órdenes.

INGLATERRA

Durante el siglo XVII la situación política de Inglaterra se caracterizó por la inestabilidad. Con el gobierno de Cronwell el desarrollo de las artes fue casi inexistente, hay que esperar a la Restauración para conocer una cierta recuperación.

La arquitectura  barroca en Inglaterra demostró una tendencia clara hacia el Clasicismo y un interés especial por las formas palladianas, que volverán a recuperarse en el Neoclasicismo.

SAN PABLOLONDRES
SAN PABLO
LONDRES

Iñigo Jones tiene el mérito de llevar a Inglaterra  el Clasicismo frente a la pervivencia de lo Gótico, fuertemente arraigado en este país, está profundamente influido por Palladio. Formó parte de una de las primeras comisiones encargadas de la  restauración de la catedral  de San Pablo., que finalmente  acometería Wren.

ALEMANIA Y AUSTRIA

Las  manifestaciones artísticas se ven coartadas por la guerra de los treinta años, hacia 1660-70  se comienza a producir una  cierta recuperación. La penetración del estilo en este país se debe a la construcción de numerosas iglesias jesuíticas inspiradas en el Barroco romano y a la llegada de artistas italianos a  Baviera.

SAN CARLO BORROMENOVIENA
SAN CARLO BORROMENO
VIENA

Fischer von Erlach construyó la iglesia de San Carlo Borromeo de Viena. La estilizada cúpu7la precedida de un pórtico marca una clara línea ascendente. Está flanqueada por dos columnas que recuerdan a la de Trajano.

ESCULTURA BARROCA EN FRANCIA

Sus temas son mitológicos y cortesanos predominantemente, el estilo personal de Bernini no tuvo demasiado  poder sobre ellos, sólo Pierre Puget en el Milón y la Crotona que se conserva en el Louvre demuestra esta influencia, representa a un atleta cuya mano quedó atrapada en un árbol por lo que murió devorado por un león.

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APOLO Y LAS NINFAS
GIRARDON

Durante el reinado de Luis XIV  se decoraron muchos de los grandes palacios que había mandado construir, como  el de Versalles, este proyecto fue llevado por Girardón que hizo muchas de las esculturas que decoran los jardines del palacio. La más célebres de todas ellas es la de Apolo y las Ninfas, obra de gran clasicismo. Antonio de Coysevox era más creativo e independiente aunque estaba muy influenciado por el mundo clásico.

PINTURA BARROCA EN EUROPA

FLANDES

Peter Paul Rubens

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EL DESCENDIMIENTO

Pintor, diplomático, dotado de un estilo personal que el que distinguimos la preferencia por los colores cálidos, las anatomías femeninas generosas de pieles nacaradas, características también de la pintura veneciana. Cultivó con igual maestría la pintura religiosa que la mitológica de la que se desprende una extraordinaria sensualidad.

Fue  un hábil retratista, como podemos ver en su propio autorretrato y en los de El duque de Lerma y de Helena Fourment.

De los cuadros de temática religiosa destaca el Descendimiento de la cruz, en le que la luz se concreta en el cuerpo de Cristo y en la sábana con que se le va envolver, al tiempo que describe una clara línea diagonal que se convierte en el eje compositivo del cuadro. En La Anunciación la Virgen  retrocede atemorizada ante la presencia del ángel, envuelto por un paño rojo que parece flotar, dando sensación de ingravidez.

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LAS TRES GRACIAS

En pintura mitológica destaca Las Tres Gracias, el Rapto de las Sabinas, y El Rapto de las hijas de Leucipo

Antonio Van Dyck

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RETRATO DE CARLOS I

Es uno de los mejores retratistas del barroco flamenco, trabajó en Inglaterra como retratista de Carlos I. Sus retratos se caracterizan porque supo recoger todo el refinamiento, el distanciamiento y la elegancia de los personajes a los que representó: Retrato de Carlos I en  cacería en donde se nos muestra el monarca dando un paseo seguido de su caballerizo y su caballo. Representa texturas de telas con una fidelidad asombrosa y da al retratado una elegancia y una serenidad no exenta de la naturalidad que pocos retratistas consiguieron.

Jacob Jordaens,

Se interesó por lo popular. Fue el encargado de llevar la decoración de la Torre de la Parada. Una de sus obras maestras es la de Los tres Músicos ambulantes en la que observamos la ejecución abocetada pero segura.

HOLANDA

REMBRANDT VAN RIJN

Es una de las grandes figuras de la pintura universal, es un autor tan polifacético que lo vamos a desarrollar según los campos que cultivó.

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LECCION DE ANATOMIA

Demostró una gran destreza en el retrato, en especial el colectivo. En aquella época las compañías y las agrupaciones tenían la costumbre de encargar a los artistas retratos en los que aparecieran los miembros que las integraban, así destaca La Lección de Anatomía del doctor Tulp, y la Ronda de Noche. Rembrandt se autorretrato más de 100 veces bien sólo o con su esposa, así le vemos evolucionar, envejecer, el denominador común de todos ellos es la plácida mirada al tiempo que penetrante que atrapa al espectador, le involucra y le interroga. Juega con los contrastes lumínicos pero sin la violencia de Caravaggio.

Obras de carácter mitológico tenemos el Rapto de Ganímades y Danae. También cultivó obras de carácter religioso ya que era un gran conocedor de la cultura biblíca y judía, deteniéndose especialmente en los ropajes y en los entornos

Hizo algunas naturalezas muertas como El Buey Desollado donde se adelanta al Impresionismo no sólo por la técnica de pincelada suelta y pastosa sino por la intención, ya que pinta varias veces el mismo tema para analizar como variaba en función de la luz.

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LAS REGENTES DEL ASILO DE HARLEEN

Pintor del Harlem, es un gran retratista fue autor de muchos de los retratos de grupo que se ejecutaron en esta ciudad: Las Regentes del asilo de los ancianos de Harleen. Su estilo es rápido, colorista y abocetado.

Veermer de Delf

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VISTA DE DELF

Maneja la luz con gran maestría sobre todo en los interiores de los que sabe recoger la sensación de intimidad y placidez de la refinada vida burguesa. Plasma la realidad de una manera casi fotográfica y absolutamente objetiva. Obras suyas son La bordadora y el oficial, y la Vista de Delf, obra que algunos consiedran como una de las creaciones más bellas de la historia del arte.

Jacob Ruysdel

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MOLINO DE WIJ

Es uno de los paisajistas mejores de del pintura holandesa. En sus paisajes la línea del horizonte está  bastante baja y los cielos nublados. Uno de sus más bellos cuadros es el Molino de Wij.

LA PINTURA FRANCESA:

 EL NATURALISMO

En Francia nos encontramos dos corrientes diferentes, por un lado el Naturalismo, que sigue el influjo de Caravaggio y por otro el Clasicismo de los Carraci.

Jean de Boulogne, es uno de los más importantes, de Caravaggio aprendió a jugar con los contrastes de luz y sombra. Sus protagonistas son personajes populares.

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MAGDALENA PENITENTE

El pintor más destacado de esta corriente en Francia es George La Tour, con claro oscuros muy destacados asi tenemos La Magdalena penitente y la Adoración de los Pastores, en la cual refleja con verdadera maestría  la rusticidad y la simplicidad de los campesinos cuyos rostros son rescatados de la oscuridad gracias a la cálida luz de una vela.

CORRIENTE CLASICISTA:

Nicolás Poussin

Es el máximo exponente de la pintura clasicista en Francia, es un gran seguidor de la pintura de Rafael. Sus obras son complejas  y muy estudiadas hasta su más mínimos detalles. Esta complejidad se acentua en los temas mitológicos –La Bacanal– que es el género en el que mejor se supo desenvolver. El paisaje se convierte en protagonistas de sus cuadros, es un paisaje idealizado, en el que predominan las colosales arquitecturas clásicas bañadas por una luz dorada. En ellas abundan las líneas rectas y las composiciones sencillas que contribuyen a crear una sensación de equilibrio.

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LA BACANAL

Este interés por el paisaje culmina con la figura de Claudio de Lorena, a él se debe una nueva forma de entender el paisaje, especialmente en las horas del ocaso y del amanecer con una luz decadente que descubre arquitecturas clásicas pero menos ordenadas que las de Poussin,, la figura del ser humano queda empequeñecida ante la grandiosidad de la naturaleza y se convierte en algo accesorio

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EL BARROCO EN ESPAÑA

EL BARROCO EN ESPAÑA: arquitectura, escultura y pintura

El barroco alcanza un gran desarrollo en España como país que se convierte en la punta de lanza de los países que luchan contra la reforma protestante. El arte está al servicio de la fe católica reflejando el lujo y la fantasía. En España las condiciones son muy favorables: enorme poderío económico de la Iglesia Católica y el control de la moral católica por parte del Estado y de la Iglesia a través de la Inquisición.

ARQUITECTURA

Nuestro país vivirá desde inicios del siglo XVII una situación de crisis, derivada en parte del mal gobierno de sus monarcas, que dejaron el poder en manos de sus validos (Duque de Lerma, Conde-Duque de Olivares), situación que repercute negativamente en el arte con una víctima clara, la arquitectura, pues al ser esta la más costosa también  es la que con más facilidad se resiente de las penurias económicas. Se construye poco, lentamente y con muchas interrupciones. Serán obras modestas, la mayor parte religiosas, de poca envergadura, y pobres materiales, mampostería, ladrillo y yeso. Si acaso se cuidan las apariencias, utilizando piedra en las fachadas. Por otro lado las nuevas aportaciones serán escasas, manteniendo por lo general las soluciones clasicistas de finales del XVI. Podemos distinguir:

El estilo herreriano. Se desarrolla en la primera mitad del XVII. Características: Estilo basado en el colosalismo y monumentalidad, sobrio que aporta el sentido estático y ordenado, de austeridad decorativa. Destaca Juan Gómez de Mora autor de la Plaza Mayor de Madrid en 1617, la Cárcel de Corte (Ministerio

de Asuntos Exteriores), y la iglesia de las Bernardas de Alcalá de Henares. Otras

  • obras importantes son el Palacio del Buen Retiro de Alonso Carbonell y la iglesia de los Jesuitas (Iglesia de San Isidro)de Francisco Bautista.

El pleno barroco. Se desarrolla en la segunda mitad del XVII. Características: coinciden con las del periodo en general.

Obras: En Granada, Alonso Cano crea en la fachada de la catedral de Granada busca un efecto de profundidad al hundir tres grandes arcos. En Castilla la familia Churriguera da nombre al “churrigueresco”, consistente en una decoración exacerbada,Jose Benito realizó  una obra de envergadura en el conjunto de El Nuevo Batzan. Suyo fue también el Palacio de Goyeneche  en la calle Alcalá. En Salamanca Joaquin hace el Colegio Anaya y Alberto la gran Plaza Mayor, en línea de la de Madrid, cuadrada y cerrada, porticada con arcos de medio punto, centrando el conjunto el Ayuntamiento, obra de García de Quiñones.

En Madrid trabajó Pedro de Ribera, quizá el más importante arquitecto de principios del XVIII, autor del Hospicio de San Fernando,  el Cuartel del Conde Duque en estos edificios crea un tipo de portada-retablo de gran difusión, y el Puente de Toledo.

En Toledo Narciso Tomé ejecuta en la catedral el Transparente, compleja obra de un barroquismo cercano al Rococó, síntesis de escultura y arquitectura, dedicado a la exaltación de la Eucaristía.

En Galicia la Fachada del Obradoiro en la catedral de Santiago de Compostela fue proyectada por Casas Novoa.

En Cádiz la catedral es obra de Vicente Acero.

La arquitectura palacial de los Borbones.

Con la nueva dinastía borbónica penetran las tendencias arquitectónicas que estaban de moda en Francia y se impone un Barroco Clasicista, presente en el Palacio de la Granja en Segovia, el de Aranjuez, el de Riofrío y el Pardo.

El Palacio Real se levanta por iniciativa de Felipe V, para sustituir al antiguo  alcazar incendiado, continuándolo más tarde Carlos III quien introdujo algunos cambios. Trabajaran en él también arquitectos italiano: Felipe Juvara, sustituido tras su muerte por Sachetti y Sabattini. Se repetirá en la planta la tradicional disposición de los antiguos Alcázares medievales: cuadrada, en torno a un gran patio central con cuatro torres en las esquinas. De los exteriores destaca su grandiosidad y elegancia, articulando sus fachadas con pilastras y columnas de orden colosal sobre un cuerpo bajo a modo de basamento y como remate estatuas.

ESCULTURA

Está realizada fundamentalmente en madera policromada. Se inspira en la realidad, es por tanto una escultura realista. Este realismo queda patente en las ricas vestiduras, en la utilización de cabello natural, ojos y lágrimas de cristal. Además destaca por su expresionismo que da rienda suelta a los sentimientos: dolor, angustia, muerte y éxtasis.

Su temática será casi exclusivamente religiosa. Los temas mitológicos y profanos estarán prácticamente ausentes. Su objetivo es despertar la devoción en los fieles.  Destaca el campo de la imaginería: figuras exentas para las iglesias y conventos así, como “pasos” para las procesiones de Semana Santa. Es ahora cuando aparecen las cofradías y hermandades que canalizan la religiosidad del pueblo.

Se distinguen dos escuelas:

a)      La escuela castellana: realismo violento y exagerado. Se plasma el dolor y la crueldad algo que se refleja en la abundancia de sangre. Son obras dinámicas y fuertemente expresivas. Las figuras presentan un fuerte modelado. Sus centros más importantes y activos de la escuela castellana son Madrid y Valladolid. Destaca el escultor Gregorio Fernández. Su arte, de cuidada técnica, se inspira en el estudio del natural. En su temática predominan el sentido patético y doloroso de la imagen religiosa. Podríamos definir su realismo como patético pero sin caer en la vulgaridad. Destaca su obra “Cristo Yacente” del Pardo donde realismo es la característica principal. los pasos procesionales “La Quinta Angustia”, “El Cireneo” “La Verónica”

En Madrid los monumentos dedicados a los reyes son obras italianas importadas, es el caso de la  ecuestre de Felipe III obra del manierista Juan de Bolonia, y la de Felipe IV de Pietro Tacca donde colaboraron Martínez Montañés y Velázquez, y cuyos cálculos matemáticos fueron realizados por Galileo.

La escuela andaluza: hace más hincapié en la belleza y en melancolía dentro del dramatismo que caracteriza al barroco español. Es más sosegada, buscando siempre la belleza correcta. Huye así de la exageración de la escuela castellana. Estamos ante un realismo idealizado que se caracteriza por la serenidad. El modelado de las figuras es suave y se aprecia la belleza y el equilibrio.

A diferencia de la escuela castellana continúan usando la técnica del estofado: se utiliza un fondo de oro, pan de oro sobre la imagen.Encima se aplica color, para posteriormente raspar el color aplicadosobre la superficie de oro haciendo salir los dibujos. Este oro matizabalos colores dándoles una elegancia y suntuosidad mayor que en Castilla.

El escultor Martínez Montañés reúne las características de la escuela andaluza. Sus imágenes son más dulces y serenas. Destacan sus grandes paños que dan grandiosidad a la imagen. Su policromía bien equilibrada dista mucho del cromatismo desgarrador de la escultura castellana. Destaca su obra “Cristo de la Clemencia” en el que quedan patentes la serenidad y clasicismo.

Juan de Mesa fue su discípulo, desarrolló un estilo muy personal donde mezcla el equilibrio y el patetismo, es el caso del Cristo de la Agonía.

Alonso Cano es el principal representante de la escuela andaluza en Granada, se caracteriza por el clasicismo, gracia y delicadeza, como muestra la Inmaculada facistol de Granada.

Pedro de Mena fue su discípulo, pero se alejará del maestro para recrear personajes de un hondo misticismo, como la Magdalena Penitente.

A mediados de siglo se abandonan las formas serenas y equilibradas, por otras de sentido dinámico y sobrio realismo de influencia berninesca, José de Arce, Pedro Roldán, y su hija Luisa llamada “La Roldana” son sus representantes.

En Murcia destacará Salzillo en el siglo XVIII que crea pasos con grupos. Su estilo ya rococó se inspira en las figuras de barro de los belenes napolitanos

PINTURA

A parte de compartir las características del barroco, distinguimos una predilección por un equilibrado naturalismo y una composición sencilla; un predominio de la temática religiosa y una ausencia de sensualidad; así mismo utilizan la técnica del tenebrismo.

Primera mitad del siglo XVII. Se desarrolla el naturalismo “equilibrado”, entendiendo por “equilibrado” el acercamiento a lo más desagradable de una manera filosófica. En Valencia trabajaron Ribalta, formado en El Escorial, autor de Aparición del ángel a San Francisco de dosis naturalistas; y Ribera que se trasladó a Roma y finalmente se instalará en Nápoles, se caracteriza por la influencia del naturalismo tenebrista de Caravaggio, como muestra en El martirio de San Felipe, no obstante se ha superado la visión de este artista como un pintor de lo grotesco. Otras obras suyas serían el “Sueño de Jacob” “El martirio de San Bartolomé” “La mujer barbuda” “El niño romano”

En Sevilla se formaron Zurbarán, pintor también naturalista de obras sobre todo religiosas, se le recuerda principalmente por sus series monacales, donde se apoya en el uso del blanco y prescinde la mayoría de las veces de fondos arquitectónicos. Como por ejemplo la serie del monasterio de San Pablo en Sevilla o las del Monasterio de Guadalupe, tampoco  no olvidar sus reflexivos bodegones,

 Alonso Cano clasicista, cuya obra está llena de gracia y delicadeza, crea un tipo femenino que se repetirá  con gran éxito en sus inmaculadas. De época madrileña  es el famoso “Milagro del Pozo”.

Segunda mitad del siglo XVII. La pintura de este periodo vive la influencia flamenca (Rubens y Van Dick), se hace más dinámica y colorista. En Madrid destaca la labor de Antonio Pereda y sus Vanitas tipo especial de bodegón en el que encontramos relojes, flores marchitas, libros rotos, calaveras,… los pintores de Corte Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello, continuadores de la obra de Velázquez e influenciados por el retratoaristocrático y detallista de Van Dick.

Claudio Coello (El triunfo de San Agustín)y Francisco Rizzi van a ser los máximos representantes del barroco decorativo.

En Sevilla trabajaron Murillo, que  plasmó una religiosidad familiar y tierna, su mayor preocupación lo constituye el colorido y no presta atención a la investigación plástica que tanto atareó a Zurbarán y Velázquez.. En su juventud se inició en el tenebrismo época, a la que pertenecen los cuadros con el ambiente de golfillos y mendigos como por ejemplo “Niños comiendo uvas

Los numerosos encargos y su gran éxito hicieron que se encasillara en las representaciones y no avanzara. Obras suyas muy divulgadas son “La Familia del Pajarillo” numerosas vírgenes y niños: “El buen Pastor” ; y Juan Valdés Leal hombre de personalidad violenta, que le lleva a insistir en temas macabros, Finis Gloriae Mundi.

LA PINTURA BARROCA ITALIANA

PINTURA ITALIANA

Encontramos dos direcciones fundamentales: el naturalismo y el clasicismo. El poder del absolutismo monárquico y la contrarreforma católica se verán reflejados en las  pinturas de los palacios y de las iglesias: grandes telas, techos pintados que multiplican ópticamente las proporciones y el lujo de los recintos.

El realismo va a ser un principio. Destacan pintores como Rembrandt, Rubens, Caravaggio…

CARACTERÍSTICAS:

a) Realismo: se plasma la vida en su totalidad reflejando el dolor, la vejez, la tristeza, la fealdad.

b) Aparecen nuevos temas y con frecuencia el paisaje es el argumento exclusivo del cuadro. Bodegones, naturalezas muertas…

c) Predominio del color sobre el dibujo: la mancha de pintura define la forma.

d) Profundidad continua: Representación del espacio mediante la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, sfumatto, en un intento por captar la “atmósfera”.

e) Hegemonía de la luz: se plasma pictóricamente la luz. En consecuencia la sombra juega un papel muy importante, especialmente en el estilo tenebrista. La forma se subordina a la luz que cambia en función de su intensidad.

f) Composición asimétrica y diagonal: se pierde la simetría. Se prefiere el desequilibrio. Las figuras y formas se cortan para sugerir que la escena continúa más allá del cuadro.

g) Movimiento: obtenido mediante las composiciones en diagonal por las cuales se obtiene dinamismo; las figuras son desequilibradas e inestables. Aparecen escorzos y ondulaciones que dan vida y ritmo al cuadro.

h) Las técnicas se diversifican. Hay frescos, óleos sobre lienzos, sobre tabla…

 

CARAVAGGIO Y EL NATURALISMO

Entre los pintores barrocos italianos destaca Caravaggio: su pintura parte delTenebrismo. Esta técnica consiste en presentar los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta,como un foco de teatro, que hace más evidentes los gestos y los objetos, trayéndolos hacia un primer plano. En este estilo se aprecia como un foco de luz elevada y único, que normalmente cruza en diagonal la escena pintada y resalta ciertos aspectos mientras esconde en la penumbra otros. Ya no se trata de una luz suave, sino de violentos contrastes de luces y sombras. Caravaggio pinta la realidad sin someter a sus modelos a ningún proceso de idealización.

Sus personajes religiosos, santos, vírgenes, ángeles son personas de la calle, incluso de los bajos fondos. A veces retratados con excesiva vulgaridad dando la sensación de falta de respeto a algunas de sus obras y, escandalizando a la sociedad de su época.

Obras suyas son La vocación de San Mateo, La negación de San Pedro, La muerte de la Virgen en este último usó como modelo a una joven ahogada en el Tíber.

 

LOS CARRACCI Y EL CLASICISMO.

La escuela romano-boloñesa de la que los Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale) son los máximos representantes del clasicismo del XVII, consistente en el naturalismo idealizado al igual que en el Renacimiento del XVI, aunque prefiera el uso de tipos bellos aunque no necesariamente idealizados. Annibale Carracci fue el más destacado, trabajó en la decoración del Palacio Farnesio en Roma, destaca la representación de Paris y Mercurio. Otras figuras en esta tendencia: El Domenichino y Guido Reni.

 

EL BARROCO DECORATIVO.

Se supera el naturalismo y el clasicismo y se impone una pintura dinámica y hedonista. Esta tendencia va a iniciar una tradición en la decoración de los techos de las iglesias y palacios de finales del XVII y parte del XVIII, con falsas arquitecturas que permite que floten ingrávidos los seres celestiales con la perspectiva axonométrica. Pietro da Cortona fue el primero, y destacaron Pozzo decorador del Palacio de Liechtenstein y Lucas Jordán.

 

ESCULTURA BARROCA ITALIANA

ESCULTURA ITALIANA

Características:

Es una escultura en movimiento en contraste con el equilibrio y reposo del Renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia fuera.

 

Las figuras adoptan posiciones teatrales y los gestos son más expresivos.

 

Aparecen las composiciones en aspa, los paños flotantes en el viento y la gesticulación expresiva de brazos y manos. Los giros en espiral y escorzos dan dinamismo a las obras.

 

Para conseguir un efecto de riqueza es frecuente la combinación de varios materiales, fundamentalmente el bronce y el mármol; la luz resbala sobre las superficies lisas y descubre la

calidad de la carne o la transparencia de las telas.

 

Es una escultura naturalista que expresa emociones.

 

En muchas ocasiones se buscará la policromía: en Italia usando mármoles de diversos colores y en España y Alemania con la madera pintada.

Los materiales son mármol, bronce y madera.

Temática. Es esencialmente religiosa, aunque cada vez más se abren a escenas mitológicas y al retrato que representa fielmente los rasgos del personaje

 

Bernini. Es la personalidad dominante, su inspiración provenía de los modelos helenísticos, sentido dinámico y sobrio realismo, su David (COMENTARIO DE LA OBRA NO ESTUDIARcontrasta por su movimiento y fuerza expresiva con el sentido clásico y estático del de Donatello o el de Miguel Ángel, es una estatua realizada entre 1623 y 1624. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda. A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos,  en comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura delBarroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo).

Apolo y Dafne representa el mito de Dafne, (COMENTARIO NO ESTUDIAR nombre que en griego significa laurel. Era una ninfa hija del dios-río Peneo que transcurre por la región de Tesalia. El dios Apolo, afectado por una de las flechas de Eros, la amaba, pero ella no le correspondía y le esquivaba. En una ocasión Apolo la persiguió, y ella huyó hacia las montañas para evitarlo; entonces ella se encomendó al dios del río Peneo, que la transformó en un laurel. De sus pies iban saliendo raíces y sus extremidades se convertían en frondosas ramas del árbol que desde ese momento fue el consagrado al dios Apolo y pasó a representarlo. La transformación la relata Ovidio en sus Metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel. Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, el Rapto de Proserpina, la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.

Éxtasis de Santa Teresa, la expresión de la Santa en pleno arrebato místico, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco.

Algunos críticos modernos han apuntado a que las experiencias religiosas que derivan en una especie de síncope apuntan más a amor físico velado que a encuentros espirituales,  en particular, la postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa

La unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia. Los efectos son teatrales.

Destacar también  la fuente de los Cuatro ríos de la piazza Navona, Cátedra de San Pedro, y extraordinarios retratos como el de Luis XIV.

Alessandro Algardi. Formado en el clasicismo boloñés de la pintura de los Carraci, es mucho más clásico pero no exento de la influencia barroca de Bernini, destaca su decoración escultórica de la iglesia de San Pablo en Bolonia con La decapitación de San Pablo, arquitectura y escultura se unen en el Barroco.

ARQUITECTURA BARROCA ITALIANA

ARQUITECTURA BARROCA ITALIANA

 

  • Frente  a la armonía, equilibrio y sentido estético que había primado en la arquitectura renacentista aparece ahora un gusto por los contrastes, tanto cromáticos (utilizando diversos materiales: piedra, mármol, ladrillo, metal)  como lumínicos (potenciando los claros oscuros), se impone ahora un interés por el movimiento tanto en plantas como en alzados, como también en elementos constructivos aislados.
  • Las plantas de los edificios pierden ahora sus formas tradicionales ahora son ovales, mixtilíneas, siguen utilizándose la forma longitudinal y central pero ahora con un predominio de la línea curva: plantas elípticas, , circulares y mixtas.
  • Respecto a los muros se quiebran y se ondulan, se rompen los entablamentos y los frontones, hay un apogeo de lo curvo, de los entrantes y salientes, de la columna salomónica.
  • La decoración ocupa un lugar destacado hasta el punto de no dejar un hueco libre (horror vacui ), se produce una simbiosis entre arquitectura, escultura y pintura.
  • El material más utilizado es la piedra, no obstante en diversos edificios y en especial  en los interiores  se utilizan marmoles de diferentes colores
  • El arco utilizado es el de medio punto y las bóvedas de cañon y de aristas, pero también aparecen las bóvedas estrelladas y se multiplican las cúpulas
  • La cúpula, uno de los máximos exponentes del Renacimiento, seguirá usándose en su apariencia externa pero en  su interior quedará oculta su superficie semiesférica pura por la profusión de figuras que parecen ascender al infinito.
  • Las fachadas de las iglesias se hacen mas movidas y ricas: cóncavas y convexas, con profusión de claro oscuros  que se relacionan con el espacio urbano y que se edifican teniendo en cuenta el angulo desde el cual van a ser contempladas, las fachadas se llenan de esculturas, las columnas se desprenden del muro y hay un mayor efecto de movimiento

Gian Lorenzo Bernini. Fue uno de los formuladores del lenguaje arquitectónico Barroco, artista de gran fama que gozó del mecenazgo de los Papas.  Su  estilo es  solemne, clásico y dinámico.

Obra:

Sus obras más importantes fueron el Baldaquino de la Basílica de San Pedro (donde cubre el altar situado sobre la tumba del apóstol con  un templete de 4 columnas de fustes en espiral: inspiradas en la columna conservada en el Vaticano que se supone del templo de Salomón:  columnas salomónicas.), la Plaza de San Pedro del Vaticano, San Andrea del Quirinal y son famosossus proyectos de la Fachada del Louvre que no llegó a realizar, con el Palacio Barberini creó el prototipo de palacio barroco (articulado en forma de H yabierto a una plaza mediante zonas ajardinadas).

Plaza de San Pedroen Roma(COMENTARIO DE LA PLAZA NO HACE FALTA ESTUDIARLO de forma elíptica y con gran columnata. Las columnas nacen de la fachada de la basílica como dos grandes brazos que acogen a la Humanidad. Bernini toma como punto de partida un eje central y sobre él diseña una de las plazas más impresionantes de occidente. Traza dos brazos rectos desde los extremos de la fachada y que convergen hacia el eje, produciendo así, un engaño óptico que da mayor dimensión a la fachada principal. Estos dos brazos rectos están constituidos por una magnífica columnata dóricoromana que remata en un entablamento coronado por estatuas. Esta columnata se curva describiendo una elipse, y sitúa dos fuentes en sus extremos. La columnata curva consta de cuatro hileras de cuatro órdenes distintos y proporcionan un total de 296 columnas que, sobre el entablamento sostienen 140 estatuas de santos. No puede decirse que haya un punto único de observación, el bosque de columnas parece no acabarse nunca sea cual fuere el punto de vista elegido; La visión de la fachada de la basílica desde el eje central queda truncada por el gran obelisco situado en el centro de la elipse, un obelisco egipcio de 40 metros de altura, obligando a desplazar el punto de vista hacia los lados.

 

Borromini.Representa el polo opuesto de la vida y obra de Bernini, artista de desdichada vida fue el gran rival de Bernini, al no gozar del favor papal sus obras son encargos de órdenes menores y la riqueza de materiales es mucho menor. Su estilo es muy expresivo, concibe a los edificios como si fueran esculturas, predomina la línea curva. Utiliza las plantas y formas ornamentales más inverosímiles rompiendo con casi todas las reglas, sus obras son de gran originalidad

Obra:

Sus obras más importantes son San Carlino de las Cuatro Fuentes  donde los frontones se curvan, y toda la fachada se ondula, incluidos los entablamentos y las cornisas. No encontramos ninguna línea recta en todo el edificio; plasticidad y movimiento impregnan toda la obra y la  Iglesia de San Ivo della Sapienza.

 

  • Carlo Maderno. Continuador de las obras de la basílica de San Pedro cerrando su cúpula, también autor de la Basílica de Santa Susana.
  • Pietro de Cortona. Está más próximo a la línea clásica, Iglesia de los Santos Luca e

                Martina.

  • Los hermanos Rainaldi. También de sabor más clásico como muestra la Iglesia de San Agnese en Piazza Navona donde también participa Borromini.
  • Baltasar de Longheria. También representante de un barroco clasicista, Santa María de la Salud en Venecia.
  • Juvara. Sigue la misma línea que los predecesores, de barroco clasicista, con su Basílica de Superga, Castillo Stuninigi además de diseñador del palacio real de Madrid.
  • Guarino Guarini. Representa todo lo contrario, defensor del expresionismo y el predominio de lo curvilíneo, se hace realidad con la Capilla del Santo Sudario y Iglesia de Santo Spirito en Turín.