EL BARROCO EN ESPAÑA

EL BARROCO EN ESPAÑA: arquitectura, escultura y pintura

El barroco alcanza un gran desarrollo en España como país que se convierte en la punta de lanza de los países que luchan contra la reforma protestante. El arte está al servicio de la fe católica reflejando el lujo y la fantasía. En España las condiciones son muy favorables: enorme poderío económico de la Iglesia Católica y el control de la moral católica por parte del Estado y de la Iglesia a través de la Inquisición.

ARQUITECTURA

Nuestro país vivirá desde inicios del siglo XVII una situación de crisis, derivada en parte del mal gobierno de sus monarcas, que dejaron el poder en manos de sus validos (Duque de Lerma, Conde-Duque de Olivares), situación que repercute negativamente en el arte con una víctima clara, la arquitectura, pues al ser esta la más costosa también  es la que con más facilidad se resiente de las penurias económicas. Se construye poco, lentamente y con muchas interrupciones. Serán obras modestas, la mayor parte religiosas, de poca envergadura, y pobres materiales, mampostería, ladrillo y yeso. Si acaso se cuidan las apariencias, utilizando piedra en las fachadas. Por otro lado las nuevas aportaciones serán escasas, manteniendo por lo general las soluciones clasicistas de finales del XVI. Podemos distinguir:

El estilo herreriano. Se desarrolla en la primera mitad del XVII. Características: Estilo basado en el colosalismo y monumentalidad, sobrio que aporta el sentido estático y ordenado, de austeridad decorativa. Destaca Juan Gómez de Mora autor de la Plaza Mayor de Madrid en 1617, la Cárcel de Corte (Ministerio

de Asuntos Exteriores), y la iglesia de las Bernardas de Alcalá de Henares. Otras

  • obras importantes son el Palacio del Buen Retiro de Alonso Carbonell y la iglesia de los Jesuitas (Iglesia de San Isidro)de Francisco Bautista.

El pleno barroco. Se desarrolla en la segunda mitad del XVII. Características: coinciden con las del periodo en general.

Obras: En Granada, Alonso Cano crea en la fachada de la catedral de Granada busca un efecto de profundidad al hundir tres grandes arcos. En Castilla la familia Churriguera da nombre al “churrigueresco”, consistente en una decoración exacerbada,Jose Benito realizó  una obra de envergadura en el conjunto de El Nuevo Batzan. Suyo fue también el Palacio de Goyeneche  en la calle Alcalá. En Salamanca Joaquin hace el Colegio Anaya y Alberto la gran Plaza Mayor, en línea de la de Madrid, cuadrada y cerrada, porticada con arcos de medio punto, centrando el conjunto el Ayuntamiento, obra de García de Quiñones.

En Madrid trabajó Pedro de Ribera, quizá el más importante arquitecto de principios del XVIII, autor del Hospicio de San Fernando,  el Cuartel del Conde Duque en estos edificios crea un tipo de portada-retablo de gran difusión, y el Puente de Toledo.

En Toledo Narciso Tomé ejecuta en la catedral el Transparente, compleja obra de un barroquismo cercano al Rococó, síntesis de escultura y arquitectura, dedicado a la exaltación de la Eucaristía.

En Galicia la Fachada del Obradoiro en la catedral de Santiago de Compostela fue proyectada por Casas Novoa.

En Cádiz la catedral es obra de Vicente Acero.

La arquitectura palacial de los Borbones.

Con la nueva dinastía borbónica penetran las tendencias arquitectónicas que estaban de moda en Francia y se impone un Barroco Clasicista, presente en el Palacio de la Granja en Segovia, el de Aranjuez, el de Riofrío y el Pardo.

El Palacio Real se levanta por iniciativa de Felipe V, para sustituir al antiguo  alcazar incendiado, continuándolo más tarde Carlos III quien introdujo algunos cambios. Trabajaran en él también arquitectos italiano: Felipe Juvara, sustituido tras su muerte por Sachetti y Sabattini. Se repetirá en la planta la tradicional disposición de los antiguos Alcázares medievales: cuadrada, en torno a un gran patio central con cuatro torres en las esquinas. De los exteriores destaca su grandiosidad y elegancia, articulando sus fachadas con pilastras y columnas de orden colosal sobre un cuerpo bajo a modo de basamento y como remate estatuas.

ESCULTURA

Está realizada fundamentalmente en madera policromada. Se inspira en la realidad, es por tanto una escultura realista. Este realismo queda patente en las ricas vestiduras, en la utilización de cabello natural, ojos y lágrimas de cristal. Además destaca por su expresionismo que da rienda suelta a los sentimientos: dolor, angustia, muerte y éxtasis.

Su temática será casi exclusivamente religiosa. Los temas mitológicos y profanos estarán prácticamente ausentes. Su objetivo es despertar la devoción en los fieles.  Destaca el campo de la imaginería: figuras exentas para las iglesias y conventos así, como “pasos” para las procesiones de Semana Santa. Es ahora cuando aparecen las cofradías y hermandades que canalizan la religiosidad del pueblo.

Se distinguen dos escuelas:

a)      La escuela castellana: realismo violento y exagerado. Se plasma el dolor y la crueldad algo que se refleja en la abundancia de sangre. Son obras dinámicas y fuertemente expresivas. Las figuras presentan un fuerte modelado. Sus centros más importantes y activos de la escuela castellana son Madrid y Valladolid. Destaca el escultor Gregorio Fernández. Su arte, de cuidada técnica, se inspira en el estudio del natural. En su temática predominan el sentido patético y doloroso de la imagen religiosa. Podríamos definir su realismo como patético pero sin caer en la vulgaridad. Destaca su obra “Cristo Yacente” del Pardo donde realismo es la característica principal. los pasos procesionales “La Quinta Angustia”, “El Cireneo” “La Verónica”

En Madrid los monumentos dedicados a los reyes son obras italianas importadas, es el caso de la  ecuestre de Felipe III obra del manierista Juan de Bolonia, y la de Felipe IV de Pietro Tacca donde colaboraron Martínez Montañés y Velázquez, y cuyos cálculos matemáticos fueron realizados por Galileo.

La escuela andaluza: hace más hincapié en la belleza y en melancolía dentro del dramatismo que caracteriza al barroco español. Es más sosegada, buscando siempre la belleza correcta. Huye así de la exageración de la escuela castellana. Estamos ante un realismo idealizado que se caracteriza por la serenidad. El modelado de las figuras es suave y se aprecia la belleza y el equilibrio.

A diferencia de la escuela castellana continúan usando la técnica del estofado: se utiliza un fondo de oro, pan de oro sobre la imagen.Encima se aplica color, para posteriormente raspar el color aplicadosobre la superficie de oro haciendo salir los dibujos. Este oro matizabalos colores dándoles una elegancia y suntuosidad mayor que en Castilla.

El escultor Martínez Montañés reúne las características de la escuela andaluza. Sus imágenes son más dulces y serenas. Destacan sus grandes paños que dan grandiosidad a la imagen. Su policromía bien equilibrada dista mucho del cromatismo desgarrador de la escultura castellana. Destaca su obra “Cristo de la Clemencia” en el que quedan patentes la serenidad y clasicismo.

Juan de Mesa fue su discípulo, desarrolló un estilo muy personal donde mezcla el equilibrio y el patetismo, es el caso del Cristo de la Agonía.

Alonso Cano es el principal representante de la escuela andaluza en Granada, se caracteriza por el clasicismo, gracia y delicadeza, como muestra la Inmaculada facistol de Granada.

Pedro de Mena fue su discípulo, pero se alejará del maestro para recrear personajes de un hondo misticismo, como la Magdalena Penitente.

A mediados de siglo se abandonan las formas serenas y equilibradas, por otras de sentido dinámico y sobrio realismo de influencia berninesca, José de Arce, Pedro Roldán, y su hija Luisa llamada “La Roldana” son sus representantes.

En Murcia destacará Salzillo en el siglo XVIII que crea pasos con grupos. Su estilo ya rococó se inspira en las figuras de barro de los belenes napolitanos

PINTURA

A parte de compartir las características del barroco, distinguimos una predilección por un equilibrado naturalismo y una composición sencilla; un predominio de la temática religiosa y una ausencia de sensualidad; así mismo utilizan la técnica del tenebrismo.

Primera mitad del siglo XVII. Se desarrolla el naturalismo “equilibrado”, entendiendo por “equilibrado” el acercamiento a lo más desagradable de una manera filosófica. En Valencia trabajaron Ribalta, formado en El Escorial, autor de Aparición del ángel a San Francisco de dosis naturalistas; y Ribera que se trasladó a Roma y finalmente se instalará en Nápoles, se caracteriza por la influencia del naturalismo tenebrista de Caravaggio, como muestra en El martirio de San Felipe, no obstante se ha superado la visión de este artista como un pintor de lo grotesco. Otras obras suyas serían el “Sueño de Jacob” “El martirio de San Bartolomé” “La mujer barbuda” “El niño romano”

En Sevilla se formaron Zurbarán, pintor también naturalista de obras sobre todo religiosas, se le recuerda principalmente por sus series monacales, donde se apoya en el uso del blanco y prescinde la mayoría de las veces de fondos arquitectónicos. Como por ejemplo la serie del monasterio de San Pablo en Sevilla o las del Monasterio de Guadalupe, tampoco  no olvidar sus reflexivos bodegones,

 Alonso Cano clasicista, cuya obra está llena de gracia y delicadeza, crea un tipo femenino que se repetirá  con gran éxito en sus inmaculadas. De época madrileña  es el famoso “Milagro del Pozo”.

Segunda mitad del siglo XVII. La pintura de este periodo vive la influencia flamenca (Rubens y Van Dick), se hace más dinámica y colorista. En Madrid destaca la labor de Antonio Pereda y sus Vanitas tipo especial de bodegón en el que encontramos relojes, flores marchitas, libros rotos, calaveras,… los pintores de Corte Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello, continuadores de la obra de Velázquez e influenciados por el retratoaristocrático y detallista de Van Dick.

Claudio Coello (El triunfo de San Agustín)y Francisco Rizzi van a ser los máximos representantes del barroco decorativo.

En Sevilla trabajaron Murillo, que  plasmó una religiosidad familiar y tierna, su mayor preocupación lo constituye el colorido y no presta atención a la investigación plástica que tanto atareó a Zurbarán y Velázquez.. En su juventud se inició en el tenebrismo época, a la que pertenecen los cuadros con el ambiente de golfillos y mendigos como por ejemplo “Niños comiendo uvas

Los numerosos encargos y su gran éxito hicieron que se encasillara en las representaciones y no avanzara. Obras suyas muy divulgadas son “La Familia del Pajarillo” numerosas vírgenes y niños: “El buen Pastor” ; y Juan Valdés Leal hombre de personalidad violenta, que le lleva a insistir en temas macabros, Finis Gloriae Mundi.

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LA PINTURA BARROCA ITALIANA

PINTURA ITALIANA

Encontramos dos direcciones fundamentales: el naturalismo y el clasicismo. El poder del absolutismo monárquico y la contrarreforma católica se verán reflejados en las  pinturas de los palacios y de las iglesias: grandes telas, techos pintados que multiplican ópticamente las proporciones y el lujo de los recintos.

El realismo va a ser un principio. Destacan pintores como Rembrandt, Rubens, Caravaggio…

CARACTERÍSTICAS:

a) Realismo: se plasma la vida en su totalidad reflejando el dolor, la vejez, la tristeza, la fealdad.

b) Aparecen nuevos temas y con frecuencia el paisaje es el argumento exclusivo del cuadro. Bodegones, naturalezas muertas…

c) Predominio del color sobre el dibujo: la mancha de pintura define la forma.

d) Profundidad continua: Representación del espacio mediante la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, sfumatto, en un intento por captar la “atmósfera”.

e) Hegemonía de la luz: se plasma pictóricamente la luz. En consecuencia la sombra juega un papel muy importante, especialmente en el estilo tenebrista. La forma se subordina a la luz que cambia en función de su intensidad.

f) Composición asimétrica y diagonal: se pierde la simetría. Se prefiere el desequilibrio. Las figuras y formas se cortan para sugerir que la escena continúa más allá del cuadro.

g) Movimiento: obtenido mediante las composiciones en diagonal por las cuales se obtiene dinamismo; las figuras son desequilibradas e inestables. Aparecen escorzos y ondulaciones que dan vida y ritmo al cuadro.

h) Las técnicas se diversifican. Hay frescos, óleos sobre lienzos, sobre tabla…

 

CARAVAGGIO Y EL NATURALISMO

Entre los pintores barrocos italianos destaca Caravaggio: su pintura parte delTenebrismo. Esta técnica consiste en presentar los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta,como un foco de teatro, que hace más evidentes los gestos y los objetos, trayéndolos hacia un primer plano. En este estilo se aprecia como un foco de luz elevada y único, que normalmente cruza en diagonal la escena pintada y resalta ciertos aspectos mientras esconde en la penumbra otros. Ya no se trata de una luz suave, sino de violentos contrastes de luces y sombras. Caravaggio pinta la realidad sin someter a sus modelos a ningún proceso de idealización.

Sus personajes religiosos, santos, vírgenes, ángeles son personas de la calle, incluso de los bajos fondos. A veces retratados con excesiva vulgaridad dando la sensación de falta de respeto a algunas de sus obras y, escandalizando a la sociedad de su época.

Obras suyas son La vocación de San Mateo, La negación de San Pedro, La muerte de la Virgen en este último usó como modelo a una joven ahogada en el Tíber.

 

LOS CARRACCI Y EL CLASICISMO.

La escuela romano-boloñesa de la que los Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale) son los máximos representantes del clasicismo del XVII, consistente en el naturalismo idealizado al igual que en el Renacimiento del XVI, aunque prefiera el uso de tipos bellos aunque no necesariamente idealizados. Annibale Carracci fue el más destacado, trabajó en la decoración del Palacio Farnesio en Roma, destaca la representación de Paris y Mercurio. Otras figuras en esta tendencia: El Domenichino y Guido Reni.

 

EL BARROCO DECORATIVO.

Se supera el naturalismo y el clasicismo y se impone una pintura dinámica y hedonista. Esta tendencia va a iniciar una tradición en la decoración de los techos de las iglesias y palacios de finales del XVII y parte del XVIII, con falsas arquitecturas que permite que floten ingrávidos los seres celestiales con la perspectiva axonométrica. Pietro da Cortona fue el primero, y destacaron Pozzo decorador del Palacio de Liechtenstein y Lucas Jordán.

 

ESCULTURA BARROCA ITALIANA

ESCULTURA ITALIANA

Características:

Es una escultura en movimiento en contraste con el equilibrio y reposo del Renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia fuera.

 

Las figuras adoptan posiciones teatrales y los gestos son más expresivos.

 

Aparecen las composiciones en aspa, los paños flotantes en el viento y la gesticulación expresiva de brazos y manos. Los giros en espiral y escorzos dan dinamismo a las obras.

 

Para conseguir un efecto de riqueza es frecuente la combinación de varios materiales, fundamentalmente el bronce y el mármol; la luz resbala sobre las superficies lisas y descubre la

calidad de la carne o la transparencia de las telas.

 

Es una escultura naturalista que expresa emociones.

 

En muchas ocasiones se buscará la policromía: en Italia usando mármoles de diversos colores y en España y Alemania con la madera pintada.

Los materiales son mármol, bronce y madera.

Temática. Es esencialmente religiosa, aunque cada vez más se abren a escenas mitológicas y al retrato que representa fielmente los rasgos del personaje

 

Bernini. Es la personalidad dominante, su inspiración provenía de los modelos helenísticos, sentido dinámico y sobrio realismo, su David (COMENTARIO DE LA OBRA NO ESTUDIARcontrasta por su movimiento y fuerza expresiva con el sentido clásico y estático del de Donatello o el de Miguel Ángel, es una estatua realizada entre 1623 y 1624. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda. A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos,  en comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura delBarroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo).

Apolo y Dafne representa el mito de Dafne, (COMENTARIO NO ESTUDIAR nombre que en griego significa laurel. Era una ninfa hija del dios-río Peneo que transcurre por la región de Tesalia. El dios Apolo, afectado por una de las flechas de Eros, la amaba, pero ella no le correspondía y le esquivaba. En una ocasión Apolo la persiguió, y ella huyó hacia las montañas para evitarlo; entonces ella se encomendó al dios del río Peneo, que la transformó en un laurel. De sus pies iban saliendo raíces y sus extremidades se convertían en frondosas ramas del árbol que desde ese momento fue el consagrado al dios Apolo y pasó a representarlo. La transformación la relata Ovidio en sus Metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel. Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, el Rapto de Proserpina, la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.

Éxtasis de Santa Teresa, la expresión de la Santa en pleno arrebato místico, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco.

Algunos críticos modernos han apuntado a que las experiencias religiosas que derivan en una especie de síncope apuntan más a amor físico velado que a encuentros espirituales,  en particular, la postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa

La unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia. Los efectos son teatrales.

Destacar también  la fuente de los Cuatro ríos de la piazza Navona, Cátedra de San Pedro, y extraordinarios retratos como el de Luis XIV.

Alessandro Algardi. Formado en el clasicismo boloñés de la pintura de los Carraci, es mucho más clásico pero no exento de la influencia barroca de Bernini, destaca su decoración escultórica de la iglesia de San Pablo en Bolonia con La decapitación de San Pablo, arquitectura y escultura se unen en el Barroco.