Feeds:
Entradas
Comentarios

Archive for the ‘EL RENACIMIENTO’ Category

Hay que destacar las escuelas alemana y flamenca. En la primera destaca Durero que fue pintor y grabador. Es un gran dibujante  dotado de gran fuerza y expresividad. Realiza series grabadas en madera como la Vida de la Virgen a la que sigue otras en cobre. En sus obras son evidentes la influencia flamenca e italiana. Hay que destacar también a Lucas Cranach y a Hans Holbein que junto al primero pueden considerarse  los mejores retratistas del siglo XVI.

Flandes inicia con Brueghel un tipo de pintura de género no exenta de contenidos morales, y  tiene en Patinir un precursor del paisaje.

ESPAÑA  La pintura española inició el nuevo lenguaje renacentista a partir de los primeros años del siglo XVI  tomando como modelo la manera flamenca e Italiana.

La pintura flamenca se introdujo en la Península con la llegada de artistas  como Pedro de Campaña. Los modelos italianos llegaron a España también a través de artistas extranjeros y  de las estancias en Italia de artistas españoles. El centro más importante fue Valencia, con pintores como Fernando Llanos y  Juan de Juanes, quienes hicieron suyo el estilo de Leonardo y Rafael. En Castilla destacan Juan de Borgoña y Pedro Berruguete.

EL EXPOLIO. DENTRO VIDEO

Doménicos Theotokopulos, conocido como el Greco, nació en Gandia, Creta, pero muy joven se traslada  Venecia, aquí estudia con Tiziano, posteriormente marcha  a Roma donde conoce y asimila la obra de Miguel Ángel.

Características:

  1. Carácter subjetivo y antinaturalista de su pintura: trata de crear un arte artificial dedicado a expresar ideas abstractas sobre la belleza y que mostrara su ingenio y su calidad de artista intelectual.
  2.  Estilización de las figuras que él creía más bellas que las de tamaño natural. Influencia de Miguel Ángel en anatomías de sólidos volúmenes. Distorsiones de los contornos: largos, más sinuosos y ondulantes, ” FIGURA SERPENTINATA”
  3.  Escorzos acrobáticos (ángeles), para demostrar su virtuosismo.
  4. Evita la perspectiva y sitúa los temas en un espacio indefinido que aparece aislado de los elementos naturalistas por un telón de nubes.
  5.  Uso arbitrario de luces y sombras: utiliza cuidadas gradaciones de luz para situar los distintos planos: alternancias de luz y sombras.
  6.  El color es esencial en su estilo, incluso como recurso expresivo (igual que los venecianos), pero también utiliza colores estridentes manieristas: amarillos, verdes chillones fogosos rojo o anaranjados y azules.
  7. Pinceladas también influidas por los Venecianos: retocaba las figuras una y otra vez para que el acabado fuera aparentemente espontáneo, como apunte.
  8.  Aunque es muy antinaturalista, intenta imitar la naturaleza en retratos y en la representación de texturas y calidades. Esto supone un contraste muy manierista: así subrayaba la distancia de su arte  con la naturaleza.
  9. Influencias: bizantinas en el antinaturalismo y el alargamiento de las figuras; venecianas en el colorido; Miguel Angel en sus anatomías rotundas y en el predominio de la figura humana que ocupa todo el espacio; Manierismo: distorsión, anticlasicismo, teatralidad, irrealidad

 Pinta temas fundamentalmente religiosos que enlazan con el espíritu de la Contrarreforma, aunque no faltan retratos de personajes toledanos y solo un paisaje y un tema mitológico

En 1577 lo encontramos ya en Toledo, había intentado, sin éxito, entrar a formar parte del grupo de artistas que decoraban El Escorial, pero el lienzo de San Mauricio no gusta al monarca y se le cierra las  puertas, pero no tarda en formar clientela en Toledo, donde pasará el resto de su vida.

San Mauricio y la Legión Tebana

El capítulo español  del Greco se abre con el retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo, para el que pinta  los grandes lienzos de la Trinidad y la Asunción. En el primero nos deja ve su admiración por Miguel Ángel: la grandiosidad del cuerpo del Salvador, su belleza clásica, su sentido escultórico. Los colores plenos, la manera de contraponerlos y el importante papel que desempeña el morado y el amarillo  dicen cómo se ha transformado la paleta veneciana. En la Asunción el sentido clásico desaparece, los vestidos ya no son medios de subrayar las formas  del cuerpo, sino fundamentalmente valores  cromáticos.

A esta primera época corresponde el llamado Sueño de Felipe II, que conmemora la batalla de Lepanto.

el Sueño de Felipe II

En el Expolio, el escenario casi desaparece totalmente y salvo la túnica carmesí y el acero de la armadura del capitán, todo se reduce a una galería de cabezas rebosantes de expresión. Dos años mas tarde pinta San Mauricio y la Legión Tebana, aquí en vez de centrarse en el martirio del santo centra su interés en las palabras del sato a sus compañeros diciéndoles que entreguen su vida con mansedumbre. Los colores son fríos, claros y luminosos.

En 1586 se le encarga el Entierro del Conde de Orgaz, vemos como renuncia a los amplios escenarios venecianos y desentendiéndose del fondo desarrolla la escena en primer plano, imagina una larga fila de personajes que no dejan ante sí más que el espacio  indispensable. Vestidos todos ellos de negro, forman una superficie muerta coronada por un friso luminoso de rostros puntiagudos enmarcados por blancas lechuguillas. Sobre ese fondo negro hace

El Entierro del Señor de Orgaz

concentrar nuestra mirada en las ricas vestiduras  de los dos santos. En la parte alta del lienzo en el fondo de gloria, el Todopoderoso con la Virgen y el Bautista reciben el alma del señor de Orgaz que en forma de niño es llevado por un ángel.

Otras obras suyas  son la Resurrección, el Calvario, el Bautismo.

También es un gran retratista como lo demuestran los realizados a Julio Clovio, a Fray Hernando de Paravicino, o el del caballero con la mano en el pecho

el bautismo de Cristo

Anuncios

Read Full Post »

Las raíces del arte pictórico renacentista del Quattrocento hay que buscarlas en Giotto, aunque el verdadero renovador e introductor de la pintura renacentista fue el florentino Masaccio, que adopta una tradición radicalmente opuesta a la tradición gótica, su obra La Trinidad recoge las leyes de la perspectiva matemática, este autor resume el nuevo espíritu pictórico en los frescos de la Capilla Brancaci

CARACTERÍSTICAS GENERALES

  • Interés por la figura humana, por la representación del espacio, por la luz. Aplican la perspectiva a sus composiciones que se caracterizan  por su estructura armoniosa y equilibrada. Por la idealización.
  • Desarrollo del cuadro de gran tamaño y de la pintura mural. En la pintua de caballete se sigue utilizando la tabla como soporte y la técnica del temple, solo en la segunda mitad del siglo por influencia flamenca se introduce el óleo, especialmente en Venecia.
  • Temas: religiosos, mitológicos, retratos.  
  • Se dá gran importancia al dibujo,  composiciones geométricas, normalmente se utiliza la composición  piramidal o triangular

ESCUELA FLORENTINA

FRAY ANGÉLICO; Educado dentro de la tradición del gótico internacional, representa una continuidad del espíritu religioso medieval que se reviste de las formas nuevas con un uso de las perspectivas, de los elementos decorativos y arquitectónicos clásicos. Ej. La Anunciación, La Coronación de la Virgen. Su luz es serena, sus colores suaves pasteles, de tonos planos, apenas matizados por las sombras indispensables.

PAOLO UCELLO: Analiza los objetos a través de la luz, de la perspectiva y el movimiento, reduce los objetos a formas geométricas básicas que aparecen individualizadas por una luz fuerte e irreal. Sus obras reflejan un universo fantástico, una gran  teatralidad. Ej. San Jorge y el dragón, la Batalla de San Romano  

ANDREA DEL CASTAGNO: Le preocupa la correcta representación anatómica, sus figuras son monumentales parecen salir del marco y avanzar hacia el espectador. Ej. La Última Cena

PIERO DELLA FRANCESCA: Sus personajes tienen unas formas monumentales y majestuosas. Ej. Los frescos de San Francisco de Arezzo

GUIRLANDAIO

A partir de 1460  la pintura florentina adquiere un carácter suntuoso y refinado, los contactos con la pintura flamenca introducen un gusto por lo burgués, por lo concreto, aunque interpretado con una mayor dignidad clásica, así tenemos a GUIRLANDAIO Y SANDRO BOTICELLI, este último vinculado al círculo neoplatónico de los Medici, dotando a sus obras de unos valores simbólicos que se comprenden desde estos presupuestos filosóficos. Cultiva el desnudo y dota a sus personajes de suaves rostros delicados y melancólicos, creando un prototipo de belleza femenino donde se plasma el idealizado amor platónico. Ej. Nacimiento de Venus, La Primavera, Virgen del Magnificat  

ESCUELA DEL NORTE: PADUA, UMBRÍA Y VENECIA

En Padua destaca Andrea Mantegna, tiene obsesión por lo grandioso, sus figuras aparecen como labradas en piedra, gran dominador del  recurso de la perspectiva recurre con frecuencia al  artificio de  usar un punto de vista bajo con lo que las figuras aparecen más monumentales. Inicia el juego de perspectivas fingidas en la decoración de los techos que tendrá amplios ecos en el Barroco ej. La Cámara de los Esposos y Cristo Muerto

En Venecia destacan los Bellini, esta escuela se distingue por la importancia del color, le gusta representar el ambiente de la calle, de los canales, las grandes fiestas, el mundo cotidiano.

Fundamental en la pintura veneciana es Antonello di Mesina, que introdujo el óleo y funde lo minucioso flamenco con el sentido clásico de la forma

En Umbria destaca Perugino, que es el creador de tipos muy personales, un tanto blandos y sentimentales, ordenados de modo claro y simétrico. Fue el maestro de Rafael, destaca la Entrega de Llaves a San Pedro.

CINQUECCENTO

En este periodo se consolidaron algunas técnicas como la pintura al óleo y nuevos soportes  como la tela. Se utilizó el claroscuro, definiendo el contorno de las figuras a través de zonas iluminadas y otras sombreadas. Ello hizo que los artistas se cuestionaran el uso de la perspectiva líneal mientras  Leonardo introdujo el sfumato y la perspectiva aérea.

LA VIRGEN DE LAS ROCAS. DENTRO VIDEO

LEONARDO DA VINCI Su método se basa en la observación de la naturaleza, en su “Tratado de Pintura” sostiene que la  perspectiva en la pintura se plasma  de tres formas: disminuyendo el tamaño de las figuras, disminuyendo las cantidades y  disminuyendo los colores, el resultado es la perspectiva aérea.

Funde  el movimiento y la luz que concibe como una lenta fusión del negro y el blanco, surge así el claroscuro.

Todo esto se tradujo en una pérdida de importancia del dibujo en beneficio del color, por ello suaviza los contornos por medio de la técnica del sfumato que no es otra cosa que difuminarlos y efectuar un estudio del claroscuro más preciso. Añade fondos paisajísticos que son evocadores y misteriosos.

DENTRO VIDEO

Obras suyas son La Última Cena donde desecha  la tradicional técnica al fresco porque requería una gran rapidez en la ejecución de la obra que no permitía un estudio profundo de cada detalle. Experimenta una técnica de su invención mezclando óleo y temple. La humedad y la disolución del pigmento cromático usado por los pintores desfiguran el mural ya a mediados del XVI. Representa el momento en que Jesús pronuncia las palabras “Uno de vosotros me traicionará” y convierte la pintura en un estudio de las reacciones psicológicas de los 12 apóstoles a éstas palabras. Realiza asimismo magníficos retratos como el de Beatriz del Este, La dama del Armiño, La Gioconda. Pinta cuadros religiosos como La Virgen de las Rocas, La Virgen y Santa Ana. Inicia los frescos de la batalla de Anghiari.  

RAFAEL: A pesar de su breve existencia es quizá el artista que representa mejor que nadie la perfección del clasicismo. En su juventud la influencia de Perugino es fundamental así vemos como usa modelos de gran delicadeza y con un ordenación compositiva simétrica y en planos paralelos (Los desposorios de la Virgen). Despues de una estancia en Florencia que le  pone en contacto con Leonardo asimila su composición triangular y equilibrada y el delicado sfumato que incorpora a sus cuadros de Madonas. Por último al instalarse en Roa entra en contacto con Miguel Angel y transforma aún más su estilo dotándolo de una grandiosidad nueva ej. Los frescos de las estancias vaticanas como son  La Escuela de Atenas, el Incendio del Borgo.

Su pintura se puede clasificar de amable y colorista, en sus composiciones se observa una gran grandiosidad, crea el gran cuadro de altar y  plasma en sus retratos la psicología y personalidad del retratado.

Por último, en sus últimas obras, los Cartones de Tapices de los Hechos de los Apostoles y la Gran Transfiguración que deja inacabado muestra ya rasgos del nerviosísimo y crispación del manierismo.

BÓVEDA CAPILLA SIXTINA

MIGUEL ANGEL:

Sintiéndose escultor es lógico que en su pintura tuviera gran importancia el dibujo anatómico y el volumen, desdeñando el paisaje y el colorido, y atendiendo sobre todo a construir figuras poderosas en actitudes con frecuencia difíciles que le permiten alardes de escorzos y de movimientos. La síntesis de todo ello se encuentra en los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina donde finge un espacio inexistente y encuadra las escenas con falsas arquitecturas. Ya en su madurez recibe el encargo de completar la capilla con el Juicio Final en el testero. La perfección clásica y el equilibrio que mostraba en el techo cede  paso aquí a un desbordamiento dinámico y a una violencia pesimista que puede considerarse ya manierista, donde se observa unos volúmenes netos bien delimitados y violentos escorzos.

Escuela veneciana

Se caracteriza esta escuela por el predominio del color, es una pintura elegante y cortesana que exalta la riqueza y en sus composiciones se da importancia a los temas secundarios a los que se concede tanto o más importancia que al principal.

GIORGIONE  Discípulo de  Bellini, representa un giro radical en la pintura, técnicamente su revolución consistió  en prescindir del dibujo previo Ej. La Tempestad, es ya una obra de la nueva manera, en la que el contenido poético y hermético va unido a la renuncia del proyecto previo, manifestándose como una corriente vital. Las mismas ideas de espontaneidad, de transmisión de la propia experiencia de la vida se encuentra en el Concierto Campestre, la Venecia Dormida o los Tres filósofos.

LA BACANAL. DENTRO VIDEO

TIZIANO

Es su discípulo, su obra se caracteriza por la riqueza de colores, el dinamismo en sus composiciones, sus primeras obras fueron influidas por Giorgone como en Amor Sacro, Amor Profano, donde el sentido mítico del temase realza con un paisaje natural en el que se juega con los contrastes de luz y color, para evolucionar hacia un periodo de síntesis clasicista plena de emoción poética: La Bacanal, La Asunción dei Frari. Domina el color, es un gran retratista (retrato de Carlos V), al igual que domina las representaciones de temas religiosos y mitológicos. :

MANIERISMO

Tradicionalmente el manierismo ha gozado de una mala consideración que no tiene consistencia alguna.

LA ASUNCIÓN. TIZIANO

Características:

  • Renuncia al equilibrio moderado del clasicismo. Destruye o modifica la proporción, la medida , exalta la extravagancia y el capricho.
  • Se  abandona el lenguaje sencillo: los temas y las composiciones son muy complejas y desequilibradas que las hacen de difícil entendimiento para el público, ya que el estilo es intelectual y elitista.
  • Las formas se alargan y estilizan, los cielos se vuelven tormentosos, los colores vivos y acuosos.

Destacan autores  como Andrea del Sarto, Il Parmigiano etc.  Entre los autores de este periodo destacan:

IL CORREGIO:  Su pintura es exquisita  y delicada, alardea de la perspectiva y usa el claroscuro ej. La Adoración de los Pastores

TIZIANO: Sus obras de madurez están inmersas en este estilo, aunque en Venecia tendrán una mayor carga de sensualidad y menos intelectualización.

VERONÉS:  Es un gran colorista prefire la gama fría y clara: gris plata, azules, amarillos en vez de los tonos cálidos de Tiziano, concibe grandes composiciones en escenarios arquitectónicos de gran aplitud, adelantándose así  a la escenografía barroca EJ. Las Bodas de Canaán

TINTORETTO:  Es el único de los venecianos que presenta algo de la inquietud y tensión del manierismo, recoge de Miguel Angel el gusto por las anatomías plenas y las actitudes difíciles, y lo coordina con el gusto veneciano por el color y  el paisaje.

 

Read Full Post »

Predomina el tema religioso ante todo, rechazando lo profano y lo pagano que queda relegado a una función decorativa en el mejor de los casos.

Lo religioso, por evidente tradición gótica, va a mantener un gusto por lo expresivo, directo y realista que sólo en muy limitados casos va a dar cabida a la “belleza ideal” de los italianos.

La presencia de escultores italianos a comienzos del XVI  contribuyó de manera esencial a dar un cambio de rumbo a las formas plásticas adoptando maneras italianas. Doménico Fancelli   realiza el Sepulcro del Infante Don Juan en la Iglesia de Santo Tomás de Ávila y más tarde el de los Reyes Católicos en la catedral de Granada.

JUAN DE JUNI EL ENTIERRO DE CRISTO

Pietro Torrigiano aplica las formas italianas a las necesidades españolas y desarrolla efectos expresivos destinados a conmover al fiel como en su San Jerónimo Penitente, aspecto que tendrá gran influencia en la posterior escultura española

Dentro del panorama de los escultores españoles que desarrollan el modelo italiano está Vasco de Zarza  que realizó la Tumba del Tostado.

Uno de los más importantes introductores de la estética renacentista a pesar de  su corta carrera fue Bartolomé Ordoñez.  Su formación y sucesivas estancias en Italia le proporcionaron un conocimiento directo de la plástica florentina y romana cuyos recursos formales aplicará en sus obras como son los relieves de Barcelona con temas del Juicio Final y Martirio de Santa Eulalia. No pudo concluir el sepulcro de Felipe el Hermoso y Juana la Loca.

SACRIFICIO DE ISAAC. BERRUGUETE

SEPULCRO DE LOS REYES CATÓLICOS

El periodo central del siglo XVI  conoce el momento de máximo esplendor de la escultura renacentista española especialmente castellana gracias a la labor de Alonso de Berruguete y Juan de Juni.

Berrugete se educó en Italia de donde le provienen distintas influencias (Donatello, Miguel Angel). A partir de esta base creará un estilo personal, nervioso, apasionado, fuertemente expresivo en el ue pueden encontrarse ya  en fecha muy temprana elementos manieristas, en su gusto por lo inestable y por un canon de proporciones extremadamente alargadas y formas serpentinatas: Sillería del Coro de la Catedral de Toledo  

SEPULCRO DEL TOSTADO

 Juan de Juni nace en Borgoña  representa un estilo distinto, su afán de perfección, la lentitud de su trabajo y su gusto por las formas amplias, anchas y musculosas, de tono miguelangelesco caracterizan el estilo que sin duda debe mucho a la tradición borgoñona de realismo dramático: Entierro de Cristo de la  catedral de Segovia.    

 

 

SAN SEBASTIAN. BERRUGUETE

Read Full Post »

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Junto a la inspiración de los modelos de la antigüedad hay que tener presente la persistente influencia de los maestros góticos en la estética florentina del cuatroccento. Del gótico se hereda el arte del retrato de carácter realista, los perfiles suaves y alargados del gótico internacional y el naturalismo narrativo, mientras que de la antigüedad se toma la preferencia por determinados materiales escultóricos: bronce y mármol. La preocupación por la anatomía del cuerpo humano como base esencial de la belleza mediante el estudio de las proporciones, además del análisis de los gestos y actitudes como medios expresivos del contenido anímico que da vida a las figuras, aspectos, que en diverso grado, también han sido objeto de estudio en los tiempos medievales. No existe pues una ruptura con el inmediato pasado, sino una evolución, que partiendo de las formas características del gótico internacional conducen al idealismo de la escultura clásica.

La necesidad de inspirarse en la antigüedad obligó a inspirarse en camafeos, medallas etc a los artistas florentinos ya que la propia Florencia carece de monumentos importantes donde inspirarse directamente.

Se hacen esculturas de bulto redondo pensando en su contemplación desde diversos puntos de vista, se crea el relieve narrativo de carácter pictórico ue debido a un sabio manejo de la perspectiva multiplica los planos.

Surge la estatua ecuestre, inspirada en la antigüedad, la representación de niños y adolescentes y se prodiga el tipo de busto-retrato donde el artista busca la caracterización mediante la idealización de los rasgos 

SACRIFICIO DE ABRAHAN. DENTRO VIDEO

GHIBERTI: Es el iniciador de la escultura florentina. Ejecuta las dos puertas del BAPTISTERIO DE FLORENCIA..  en las primeras, vence en el concurso a Brunellesqui y a Jacob de la Quercia con el tema del SACRIFICIO DE ABRAHAN, distribuidas aún a modo gótico, con 28 medallones lobulados. Muestra una perfección en la anatomía de los personajes. En las segundas puertas, las llamadas DEL PARAISO le vemos emplear un nuevo lenguaje formal: las divide en 10 grandes recuadros rectangulares, con escenas de compleja composición, con muchos

NOÉ BORRACHO. PUERTAS DEL PARAISO

personajes que se mueven en un amplio espacio, tratados de modo casi pictórico, dando gran volumen a los elementos del primer término y apenas cuerpo a los de lejanía, aplicando al relieve recursos de la perspectiva, ordenado la composición en planos que valoran la luz y la sombra.

PUERTAS DEL PARAISO

JACOB DE LA QUERCIA: Le  interesa sobre todo la expresividad del cuerpo humano, con un gusto por las formas hercúleas y monumentales, constituyendo  un anticipo del cinquecento  romano especialmente de Miguel Angel . Suyas son la Tumba de Hilaria del Carreto y la Fuente Gaia de la Plaza de Siena.

DONATELLO: Es el escultor más importante de este periodo, su estilo oscila entre la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza y el cultivo de un cierto expresionismo, que apoyado en la realidad acentúa los valores dramáticos.

Su motivo fundamental es el hombre, sometido a un proceso de idealización, desde la infancia como los relieves de la Cantoria de la catedral de Florencia y Prato hasta la vejez en el Zuccone. Pero son las figuras juveniles las más típicas del artista como su David, donde nos da señales de su maestría en el dominio del bronce

 
 
 
 
 
 
 
 

DAVID DE DONATELLO

VERROCHIO: Seguidor de Donatello y maestro de Leonardo, al ser también pintor, es un virtuoso de la técnica de fundición y el conocimiento de la anatomía del cuerpo humano, su obra  más importante es la

MAGDALENA PENITENTE. DONATELLO

CONDONTIERO GATTAMELATA

escultura ecuestre del Condontiero Colleoni , donde se capta la morfología del caballero  y se muestra con perfección la anatomía del caballo.

CINQUECENTTO

MIGUEL ANGEL: Florentino de nacimiento  inicia su formación en la línea donatelliana consiguiendo en la  un exquisito relieve de carácter pictórico. Un viaje a Bolonia le pone en contacto con Della Quercia, que marcará su estilo y un viaje a Roma enriquece su concepto de lo grandioso de la forma, donde labra La Piedad del Vaticano, soberbia obra de volúmenes puros y cerrados con un acabado refinadísimo. Sorprende la juventud de la Virgen, donde ha querido expresar no la madre doliente y madura sino la virginidad eterna y sin edad. (1495)

MADONNA DE LA ESCALERA. MIGUEL ANGEL

Madonna de la Escalera

LA PIEDAD DE MIGUEL ANGEL. DENTRO VIDEO

En 1503 esculpe el David, que contrasta por su desnudo heroico, su tensión, y su mirada agresiva con los davides victoriosos de serena y reposada gracia del Quatroccento.

DAVID DE MIGUEL ANGEL

Desde 1501  viene trabajando en el sepulcro de Julio II  su “pesadilla”. Concebido primero  como una montaña de mármol exenta bajo la cúpula de San Pedro, con más de 40 figuras de tamaño colosal, hubo de irse reduciendo hasta que cuando se coloca en San Pedro in Víncole  sólo es una tumba retablo donde de su mano encontramos el   famoso Moisés, obra capital de fuerza contenida y grandiosidad terrible y las figuras de Lía y Raquel. Para el mismo sepulcro fue labrando esclavos, figuras de prisioneros que alegorizaban el sometimiento de toda Italia a Julio II, donde aplica la técnica del no

EL MOISES DE MIGUEL ANGEL

acabado en algunas ocasiones, sus cuerpos giran en el espacio mostrándonos la angustia existencial y el patetismo que ha de ser la nota distintiva de su arte a partir de 1520.

Mientras  concibe esta obra se descubre el Laoconte en las termas de Tito. Advierte que el clasicismo  no es sinónimo de serenidad o reposo equilibrado, sino que la pasión, el movimiento, la agitación psíquica son también formas expresivas utilizadas en el mundo clásico, y de este modo el espíritu pasional de la escultura helenística se va a convertir en el mejor medio de expresión miguelangelesca.

LA PIEDAD DE FLORENCIA. MIGUEL ANGEL

A partir de 1520 se observa una mayor preferencia en su obra por la línea serpentinata o helicoidal, con una cierta  acentuación del movimiento ascendente al que contribuye el alargamiento del canon de las figuras  que llega a alcanzar las  12 cabezas.

Entre 1520-34  labra los Sepulcros de Lorenzo y Julián de Medici en Florencia. Se concibe de forma piramidal, con nicho en la pared rectangular. En el sepulcro de Lorenzo alegoriza la vida intelectual, y nos representa a Lorenzo ensimismado en su melancolía que constituye el contrapunto a la acción de Julián, joven guerrero de altivez imperial. Les acompañan recostados sobre los sarcófagos las figuras del día y la noche, el crepúsculo y la aurora.

LA PIEDAD RONDANINI. MIGUEL ANGEL

La última etapa de su actividad escultórica se  caracteriza por el intenso dramatismo que imprime a sus obras, reflejo de su angustiado espíritu. Los cuerpos se alargan, se estilizan se agitan y la técnica exalta el procedimiento del “no acabado” valorando el aspecto misterioso de las formas inconcretas del esbozo. Se da paso a la configuración de uno de los aspectos de la estética manierista , en cuanto la representación responde a la concepción mental que toma de la naturaleza  los elementos básicos, deformándolos con una finalidad expresiva. Corresponde a este periodo dos grupos de Piedad: la Piedad de Florencia, con una composición piramidal  que  nos ofrece el cuerpo de Cristo, estilizado en su anatomía y la Piedad Rondanini, que está inacabada.

MANIERISMO

CELLINI: Magnífico orfebre, aplica a la escultura de gran tamaño el concepto minucioso de esta técnica, según podemos apreciar en el Perseo. Rehúye de las formas macizas y  cultiva la elegancia lineal con formas más esbeltas y helicoidales como JUAN DE BOLONIA  en su  Mercurio.

PERSEO CON LA CABEZA DE LA MEDUSA.

MERCURIO. JUAN DE BOLONIA. MANIERISMO

Read Full Post »

El inicio del Renacimiento en España se liga íntimamente al devenir histórico-político de la monarquía de los Reyes Católicos. Sus figuras son las primeras en salir de los planteamientos medievales que fijaban un esquema feudal de monarca débil sobre nobleza poderosa y levantisca. Los Reyes Católicos aúnan las fuerzas del incipiente estado y se alían con las principales familias de la nobleza para mantener su poder. Una de estas familias, los Mendoza, utiliza el nuevo estilo como distinción de su clan. Poco a poco, la estética novedosa se introduce en el resto de la corte y el clero, mezclándose con estilos puramente ibéricos, como el arte nazarí, el Gótico y las tendencias flamencas.  La asimilación de elementos dio lugar a una personal interpretación del Renacimiento que se dio en llamar Plateresco. Para la introducción de esta nueva tendencia, se importaron artistas secundarios de Italia, se envían aprendices a los talleres italianos, se traen diseños, plantas arquitectónicas, libros y grabados, cuadros, etc., de los cuales se copian personajes, temas y composición.

La arquitectura renacentista se puede dividir en 3 etapas:

  • EL PLATERESCO (1500-1530). Es un estilo que hace de puente desde las últimas realizaciones del gótico hasta la consolidación de las formas clásicas (renacentistas). La decoración afecta a toda la fachada arquitectónica que se caracteriza por:

    FACHADA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA. DENTRO VIDEO

  • La profusión decorativa: columnas abalaustradas, medallones, emblemas heráldicos etc.
  • Por el empleo del grutesco: decoración en bajorrelieve con temática de figuras humanas entrelazadas con animales y tallos formando figuras fantásticas.
    •  Aparece la fachada-retablo que se desarrollan verticalmente con decoración en bajorrelieve.

      DETALLE UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

Importantes ejemplos son en Toledo, la Fachada del Hospital de Santa Cruz de autor anónimo, al igual que la Fachada de la Universidad de Salamanca. Que muestra a manera de enorme tapiz en piedra, una decoración a la italiana en la que, junto a elementos puramente ornamentales se desarrolla un complejo programa iconográfico de características humanísticas que presenta a la Universidad como el “templo del saber”.

Estas soluciones híbridas se dan también en el convento de la Iglesia de San Sebastián cuya fachada es realizada por Juan de Álava y el colegio de los Irlandeses. Diego de Siloé  realiza en Burgos la Escalera Dorada de la catedral, decorada con grutescos, columnas abalaustradas, arcos y herrajes dorados.

ESCALERA DORADA CATEDRAL DE BURGOS

En 1526 se publica en Toledo la obra de Diego Sagredo, las “Medidas del Romano” que es el punto de partida de la regulación de las artes plásticas llevándolas hacia el Purismo

  • EL PURISMO. El renacimiento imperial (1527-1563). Durante el reinado del emperador Carlos V el arte se inclinó hacia gustos más clásicos debido a la mayor influencia italiana. Se utilizan bóvedas de cañón con casetones y cúpulas y arcos de medio punto. Disminuye hasta eliminarla la decoración típica del plateresco. Se trata de una arquitectura más sobria. El programa imperial de exaltación nacional quería difundir una imagen más clasicista.  

Alonso de Covarrubias es uno de los arquitectos  que mejor representa esta evolución. Iniciado en el Plateresco, se encaminó en la década de los treinta hacia forma más clásicas y severas. Su obra más representativa  es la que traza en Toledo: El Hospital Tavera, la Puerta de la Bisagra y la fachada del Alcazar.Otro autor importante es Gil de Hontañón que ensaya en sus obras diferentes soluciones arquitectónicas que a veces conectan con la tradición como es el caso de las catedrales de Segovia y Salamanca en las que reinterpreta de forma espléndida  las formas góticas o bien nuevas tipologías como el Palacio de Monterrey de Salamanca y la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares.

En Andalucía será donde las formas puristas alcancen su mayor significación en Granada, desde 1527 está Diego de Siloé, que termina la Catedral proyectada en forma gótica por Enrique Egás, de la que hará al transformarla tan radicalmente uno de los monumentos más representativos del clasicismo español.

CATEDRAL DE GRANADA

Pedro Machuca construye en el recinto de la Alhambra el Palacio de Carlos v. Andres de Vandelvira realiza el  San Salvador de  Úbeda donde introduce el uso sistemático de bóvedas vaídas.       

PALACIO DE CARLOS V. DENTRO VIDEO

3.  ESTILO HERRERIANO. bajo renacimiento. (último tercio del siglo XVI). Con la subida al trono

de Felipe II, el Clasicismo se implanta oficialmente

EL ESCORIAL

como un vehículo de propaganda imperial. El proyecto más importante es el Escorial construido por Herrera. Este arquitecto es el creador de un nuevo estilo, el estilo herreriano o escurialense, que se caracteriza por la ausencia decorativa, la búsqueda de proporciones matemáticas entre los elementos constructivos, el empleo del orden gigante, el predominio de las líneas horizontales y cubiertas exteriores de pizarra. Estas características las encontramos en el “El Escorial”, simbiosis de monasterio, palacio y templo además de Panteón Real.

PALACIO DE CARLOS V

El Escorial realizado por Juan Herrera es un conjunto monacal, palacio y templo. Se concibió como una gran espacio rectangular articulado por diversos patios de distintas dimensiones, que iban ordenando sus funciones, y centrado por el eje de la basílica y su atrio, que definía su entrada principal. Uno de sus rasgos es la austeridad clasicista que impregna todo el edificio, despojando a la piedra de todo ornamento. Busca así, la esencia de la arquitectura potenciando al máximo su monumentalidad y grandeza de la construcción.

PUERTA DE LA BISAGRA. TOLEDO

FACHADA UNIVERSIDAD ALCALÁ DE HENARES

Read Full Post »

La nueva visión del mundo cristaliza en el Urbanismo. La ciudad gótica crece sin ordenamiento previo; en el Renacimiento se trata de que la ciudad sea producto de la planificación. El plan urbano obedece a esquemas geométricos ortogonales o radioconcéntricos. Durante esta época no surgieron nuevas ciudades en Europa. Las novedades urbanísticas se plantean en la remodelación de los centros urbanos de las grandes ciudades. Los edificios (ayuntamientos, lonjas, palacios…) financiados por la burguesía, los monarcas y la Iglesia, cambiaron la fisonomía del centro de las ciudades. En general prima la idea de predominio del edificio sobre el entorno; se crea un escenario urbano para acoger la obra arquitectónica (o escultórica). En el Renacimiento se escribieron tratados teóricos sobre la ciudad ideal, estos proyectos si se van a llevar a cabo en América, donde se construyeron ciudades con criterios de regularidad y de ordenación racional de la trama urbana.

La arquitectura renacentista supone una ruptura con la arquitectura medieval. Se organiza en torno a dos principios:

1.  Utilización de elementos constructivos de la antigüedad: bóvedas de cañón con casetones, cúpulas de media naranja, entablamentos, arcos de medio punto, columnas y pilastras con los órdenes clásicos….Pero utilizados libremente especialmente en lo decorativo como los grutescos.

2. Consecución de la unidad espacial: se entiende el edificio como resultado de un cálculo matemático. En la estructura y en la planta se buscan efectos de calculada y matemática perfección. Todo el edificio se basa en buscar la proporción matemática de sus elementos. Se busca la claridad de los espacios, contrapuesta con la coloreada penumbra gótica. Para lograr esa claridad en los espacios se utilizan diferentes modelos de plantas, centralizadas y longitudinales, cúpulas semiesféricas u ojivales. La arquitectura renacentista es racionalista y consecuencia de ello es que el edificio ideal es simétrico en todos sus ejes.

Proporción geométrica y equilibrio con el fin de crear un espacio unitario. Debe existir una relación proporcional entre las partes y el todo. Se aprecia una tendencia a la horizontalidad, frente a la verticalidad del gótico.

3. Libertad ornamental. El muro recupera su función tectónica (de soporte) aunque recubierto con mármoles de colores o aparejo rústico. Predomina la libertad decorativa y fantasía como en los “grutescos”: decoración a partir de seres fantásticos humanos, vegetales y animales, completamente entrelazados.

CÚPULA DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES. BRUNELLESQUI. DENTRO VIDEO

La arquitectura del Cuattrocento (siglo XV): destaca como arquitecto Brunelleschi aunque también es escultor y pintor. Brunelleschi realiza una arquitectura basada en los principios de medida, orden y proporción. Es un arquitecto pero también un científico que cultiva las matemáticas, música, filosofía… Es un típico representante del artista del Renacimiento. Entre sus obras se encuentran el “Hospital de los inocentes”, la “Iglesia de San Lorenzo” Ésta última obra es considerada la piedra angular de la arquitectura renacentista. La catedral era de estilo gótico y estaba formada en su presbítero por un octógono que permanecía sin cerrar, la solución gótica hubiera sido realizarlo con una bóveda estrellada, pero Brunellesqui eleva una cúpula sobre un tambor a la manera todavía de los cimborrios góticos y llega a una ingeniosa solución técnica:  une dos cúpulas una interior semiesférica y otra exterior apuntada y hace que esta última contrarreste los empujes de la primera. Una linterna ilumina el óculo de la clave sin  dejarlo abierto.

IGLESIA DE SAN LORENZO. BRUNELLESQUI

CAPILLA PAZZI. BRUNELLESQUI

 y la “Cúpula de Santa María de las Flores” en Florencia.

Otro arquitecto representativo es Alberti con obras como “Santa María la fachada se alza como un arco de triunfo coronado por un frontón, el interior es  de nave única con capillas entre los contrafuertes y crucero sobresaliente  con cúpula en el crucero. Todo ello se halla sujeto a un sistema de módulos y proporciones.

SANTA MARÍA NOVELLA. ALBERTI. DENTRO VIDEO

Novella” y el “Palacio de Rucellai.”En “San Andrés”

La arquitectura del Cinquecento (siglo XVI): desde finales del siglo XV la importancia artística va pasando de Florencia a Roma, agrupándose en torno a la Corte pontificia de Julio II y León X. A Roma llegan artistas procedentes de diferentes lugares atraídos por la actividad artística y el mecenazgo papal. En arquitectura se desarrollará un estilo solemne y monumental basado en la medida y el equilibrio. Un papado humanista hace del clasicismo su cultura oficial con la intención de transmitir la grandeza de la Iglesia. El Cinquecento es un período de Renacimiento pleno, pero que apenas dura las dos primeras décadas del siglo XVI. Sigue existiendo un modelo antropocéntrico que empapa todas las obras tanto en arquitectura como en escultura, y se potencia el carácter científico y de investigación de la obra de arte. Destaca Bramante arquitecto que representa el clasicismo arquitectónico del Cinquecento, con obras como “Claustro de Santa María de la Paz” y “San Pedro in Montorio”.En el observamos una  planta circular, una renuncia a la ornamentación, un riguroso estudio de las proporciones, en este templete recoge el ideal del templo grecorromano pero coronado por una cúpula.

SAN PIETRO IN MONTORO. BRAMANTE. DENTRO VIDEO

Julio II decidió construir de nuevo la basílica de  San Pedro en el Vaticano y pidió trazas a diversos arquitectos entre ellos Bramante

PLANTA SAN PEDRO VATICANO. BRAMANTE. DENTRO VIDEO

quien diseño,  una planta admirable en su simetría y unidad con una exquisita ordenación de espacios, es como la culminación de  las teorías platonizantes sobre el templo centralizado. A su muerte le sucederá Rafael

PLANTA SAN PEDRO. RAFAEL

PLANTA SAN PEDRO. MIGUEL ANGEL

CÚPULA DE SAN PEDRO

que vuelve a la planta de cruz latina. A la muerte de Rafael le sucede Sangallo, que adopta un compromiso entre la planta de cruz griega y la latina: consistía en añadir una enorme  fachada entre dos altas torres que formaban un cuerpo separado del principal que era en forma de cruz griega.

SAN PEDRO. MIGUEL ANGEL

La arquitectura del manierismo: a partir del 1530 se abandona la severidad, la claridad y el equilibrio del clasicismo. Aparecen elementos de tensión y se rompe el sentido unitario del Cinquecento. El vocabulario clásico se empleará de modo libre y caprichoso: ruptura de ritmos, órdenes gigantes, gran desarrollo del entablamento, frontones inacabados, alternancia de elementos formales, esculturas en cornisas…

El primer arquitecto en romper el lenguaje clásico será Miguel Ángel, arquitecto, escultor y pintor será quien inicie estas nuevas formas, sometiendo los elementos clásicos a una interpretación personal. Miguel Ángel se siente ante todo escultor y trata a la arquitectura como si de una escultura se tratase; utiliza las formas clásicas con plena libertad.

Algo que va a reflejar en la “Basílica de San Pedro” del Vaticano donde transforma el proyecto inicial de Bramante y construye la cúpula que cubre el crucero. Realiza otras obras como “La Biblioteca Laurentiana” y la “tumba de Julio II”. Otros arquitectos manieristas importantes son Vignola y Palladio.  De Palladio es la famosísima Villa Rotonda de  Vicenza, posiblemente  no haya habido un edificio más imitado. No cabe una simetría más pura y completa, una mayor perfección de los órdenes clásicos.

TIPOLOGÍAS URBANAS

PALACIOS: Tienen forma cúbica rematados por molduras y cornisas horizontales que separan los tres pisos estructurados en tres órdenes: toscano o dórico, jónico y corintio. La fachada, en la que destaca la poca importancia que se da a la portada principal, presenta numerosas  ventanas que aligeran la sensación de macizo. Se suele utilizar un almohadillado grueso en la parte inferior y más ligero en las dos plantas superiores. Otra caracterisca importante del palacio italiano es la organización interna del edifico alrededor de un patio central. Ej. El palacio Rucellai obra de Alberti y el palacio Medici-Ricardi de Michelozzo

LAS VILLAS: Una tipología arquitectónica propia del siglo XVI fue la casa de campo de origen romano. Su desarrollo alcanzó el máximo esplendor en las villas suburbanas de Palladio, en los alrededores de Vicenza entre ellas destaca Villa Rotonda

VILLA ROTONDA. PALLADIO. DENTRO VIDEO

HOSPITALES:  El de los inocentes en Florencia obra de Brunellesqui y el de Milán de  Filarete

TEATROS: Sobresale el teatro Olimpico de Vicenza obra de Palladio

TEATRO VICENZA

Read Full Post »

CONTEXTO HISTÓRICO-CULTURAL

El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto, más allá de lo puramente artístico como ha querido verse.

Históricamente, el Renacimiento fue contemporáneo de la Era de los descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Esta «Era» marca el comienzo de la expansión mundial de la cultura europea, con los viajes portugueses y el descubrimiento de América por parte de los españoles, lo cual rompe la concepción medieval del mundo, fundamentalmente teocéntrica. El fenómeno renacentista comienza en el siglo XIV se trata de un proceso que hunde sus raíces en la alta Edad Media y va tomando forma gradualmente.

El desmembramiento de la cristiandad con el surgimiento de la Reforma Protestante, la introducción de la imprenta , entre 1460 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura fueron uno de los motores del cambio. El determinante, sin embargo, de este cambio social y cultural fue el desarrollo económico europeo, con los primeros atisbos del capitalismo mercantil. En este clima cultural de renovación, que paradójicamente buscaba sus modelos en la Antigüedad Clásica surge el Renacimiento en Italia.

LOCALIZACIÓN Y EVOLUCIÓN ARTÍSTICA:

1ª ETAPA: tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia. La capital es Florencia

2ª ETAPA: , afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecento, y su dominio artístico queda referido al Clasicismo o Renacimiento pleno, que se centra en el primer cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras del Renacimiento en las artes: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista. La capital es Roma

3ª ETAPA:  Este periodo desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el Manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI. Este término fue acuñado en el siglo XX para diferenciar el periodo del arte europeo (1530-1590) entre el Renacimiento y el Barroco. Se caracteriza por la distorsión de las figuras, la creación de espacios irreales y la utilización de colores muy claros o muy vivos. Su temática es preferentemente fantástica o esotérica  así como también  se dan temas eróticos y cortesanos. La plástica y la arquitectura se vuelve caprichosa, extraña, conceptualmente críptica. Su público es la aristocracia que busca obras en las que destaque la elegancia formal, el virtuosismo en la ejecución y la búsqueda de una belleza artificiosa. Se trata en definitiva de un arte frívolo, refinado, lujoso, teatral, decadente y sensual.

 Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el Gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI. Fuera de Italia, el desarrollo del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel de verdaderos transmisores de esta nueva manera.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

  • Es un arte naturalista: Se imita  a la naturaleza, pero seleccionando lo más bello que ofrece, encontrándonos una tendencia hacia la idealización.
  • Amor a la belleza: Según las teorías platónicas la belleza física refleja la belleza espiritual. Pero esta belleza idealizada se fundamenta en la proporción numérica y en la armonía matemática. Esto ya era utilizado en la antigüedad pero es reedescubierto por los maestros del renacimiento.
  • La perspectiva: Es la representación racional del espacio con el fin de construir la realidad natural; es pues una representación tridimensional, ilusionista, pudiendo conseguirse a través de la perspectiva lineal o geométrica y la perspectiva aérea.

En la perspectiva lineal  el espacio es concebido de forma unitaria en donde las diversas partes se distribuyen simétricamente respecto a una línea media, y en el que los objetos y las figuras se sitúan en función de su distancia a un punto único, el punto de fuga, en el que convergen todas las líneas. Según sea esta distancia mayor o menor, aumentará o disminuirá el tamaño del objeto representado.

La gran revolución llegará con Leonardo Da Vinci, cuando en su tratado “De Pintura” introduzca una percepción espacial fundada no sobre  una concepción geométrica sino sobre la base de la observación y la experimentación de la realidad. Formula así la perspectiva aérea que ya no aspira a degradar los objetos en tamaño sino en nitidez en un intento de captar la atmósfera que se interpone entre ellos (sfumato) 

  • El arte se somete a las leyes de las matemáticas como se traduce en la adopción de tres principios:
    • Particular concepción de la proporción
    • Perspectiva
    • Predominio de aspectos lineales y geométricos. Así vemos utilizar en sus composiciones esquemas simétricos y apiramidados y en arquitectura las trazas serán geométricas
    • Visión antropocéntrica del mundo:  el arte se realiza a la medida del hombre, siendo el hombre el módulo que sirve de referencia a las construcciones artísticas..Por útimo mencionaremos el nuevo papel del artista, se le considera un creador, tiene ya un status social, se reivindica así para la pintura, la arquitectura y la escultura el rango de artes liberales (como la óptica, la geometría o las matemáticas).
    • El Renacimiento surge en Italia en el siglo XV mientras que el resto de Europa continúa el gótico. Las razones son varias: persistencia de la tradición clásica, mecenazgo de sus múltiples cortes principescas, y una burguesía rica y ávida de cultura.
    • Focos renacentistas en Italia: Florencia, Nápoles, Roma, Venecia, Umbría, Padua y Ferrara son los más destacados.

Read Full Post »