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EL BARROCO EUROPEO

ARQUITECTURA

FRANCIA

Contexto histórico-artístico

Durante el reinado de Luis XIII y Luis XIV se llevaron  a cabo las mas importantes obras del Barroco Francés, especialmente porque este último se ocupó de que la corte se trasladara a Versalles, para lo cual se encargó de concentrar allí a los más destacados artistas del momento.  Durante su reinado se crearon la Academia de Pintura y Escultura y mas tarde la de Música y Danza. Éstas se encargaron de establecer unas pautas que debían seguirse y crear un gusto uniformado que representase a Francia y se

SALON DE LOS ESPEJOSVERSALLES

SALON DE LOS ESPEJOS
VERSALLES

identificase con ella . Todo ello formaba parte de un estudiado plan de trasfondo político: Se trataba de poseer fábricas que produjesen objetos artísticos, de tal modo que no fuese necesario traerlos del extranjero y que garantizasen la suficiencia de Francia en este sentido.

La arquitectura y las artes en general, están más enfocadas a lo civil que a lo religioso, asi entre los años 1635-40 se sientan las bases de un estilo marcado por el Clasicismo y bastante más sobrio decorativamente hablando, que el Barroco de otros lugares.

Jacques Lemercier  planifica las ampliaciones del Louvre  que le habían sido encargadas anteriormente a Bernini.  Para el cardenal Richelieu su mayor protector hizo la Iglesia de la Sorbona y en 1646 la cúpula de Val-de- Grâce, obra en la que sería sustituido por Mansart.

IGLESIA DE LA SORBONA

IGLESIA DE LA SORBONA

Louis Le Vau remodela el Palacio de Versalles, llevando acabo la fachada del jardín que sería  derribada años mas tarde por Mansart. A él se debe la fachada del Louvre en el que intervino también Perrault.

Jules Hardouin-Mansart realiza el salón de los espejos del palacio de Versalles y en el año 1680 inicia la iglesia de los Inválidos de París, cuya cúpula estilizada y elegante contrarresta el efecto horizontal de los órdenes.

INGLATERRA

Durante el siglo XVII la situación política de Inglaterra se caracterizó por la inestabilidad. Con el gobierno de Cronwell el desarrollo de las artes fue casi inexistente, hay que esperar a la Restauración para conocer una cierta recuperación.

La arquitectura  barroca en Inglaterra demostró una tendencia clara hacia el Clasicismo y un interés especial por las formas palladianas, que volverán a recuperarse en el Neoclasicismo.

SAN PABLOLONDRES

SAN PABLO
LONDRES

Iñigo Jones tiene el mérito de llevar a Inglaterra  el Clasicismo frente a la pervivencia de lo Gótico, fuertemente arraigado en este país, está profundamente influido por Palladio. Formó parte de una de las primeras comisiones encargadas de la  restauración de la catedral  de San Pablo., que finalmente  acometería Wren.

ALEMANIA Y AUSTRIA

Las  manifestaciones artísticas se ven coartadas por la guerra de los treinta años, hacia 1660-70  se comienza a producir una  cierta recuperación. La penetración del estilo en este país se debe a la construcción de numerosas iglesias jesuíticas inspiradas en el Barroco romano y a la llegada de artistas italianos a  Baviera.

SAN CARLO BORROMENOVIENA

SAN CARLO BORROMENO
VIENA

Fischer von Erlach construyó la iglesia de San Carlo Borromeo de Viena. La estilizada cúpu7la precedida de un pórtico marca una clara línea ascendente. Está flanqueada por dos columnas que recuerdan a la de Trajano.

ESCULTURA BARROCA EN FRANCIA

Sus temas son mitológicos y cortesanos predominantemente, el estilo personal de Bernini no tuvo demasiado  poder sobre ellos, sólo Pierre Puget en el Milón y la Crotona que se conserva en el Louvre demuestra esta influencia, representa a un atleta cuya mano quedó atrapada en un árbol por lo que murió devorado por un león.

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APOLO Y LAS NINFAS
GIRARDON

Durante el reinado de Luis XIV  se decoraron muchos de los grandes palacios que había mandado construir, como  el de Versalles, este proyecto fue llevado por Girardón que hizo muchas de las esculturas que decoran los jardines del palacio. La más célebres de todas ellas es la de Apolo y las Ninfas, obra de gran clasicismo. Antonio de Coysevox era más creativo e independiente aunque estaba muy influenciado por el mundo clásico.

PINTURA BARROCA EN EUROPA

FLANDES

Peter Paul Rubens

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EL DESCENDIMIENTO

Pintor, diplomático, dotado de un estilo personal que el que distinguimos la preferencia por los colores cálidos, las anatomías femeninas generosas de pieles nacaradas, características también de la pintura veneciana. Cultivó con igual maestría la pintura religiosa que la mitológica de la que se desprende una extraordinaria sensualidad.

Fue  un hábil retratista, como podemos ver en su propio autorretrato y en los de El duque de Lerma y de Helena Fourment.

De los cuadros de temática religiosa destaca el Descendimiento de la cruz, en le que la luz se concreta en el cuerpo de Cristo y en la sábana con que se le va envolver, al tiempo que describe una clara línea diagonal que se convierte en el eje compositivo del cuadro. En La Anunciación la Virgen  retrocede atemorizada ante la presencia del ángel, envuelto por un paño rojo que parece flotar, dando sensación de ingravidez.

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LAS TRES GRACIAS

En pintura mitológica destaca Las Tres Gracias, el Rapto de las Sabinas, y El Rapto de las hijas de Leucipo

Antonio Van Dyck

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RETRATO DE CARLOS I

Es uno de los mejores retratistas del barroco flamenco, trabajó en Inglaterra como retratista de Carlos I. Sus retratos se caracterizan porque supo recoger todo el refinamiento, el distanciamiento y la elegancia de los personajes a los que representó: Retrato de Carlos I en  cacería en donde se nos muestra el monarca dando un paseo seguido de su caballerizo y su caballo. Representa texturas de telas con una fidelidad asombrosa y da al retratado una elegancia y una serenidad no exenta de la naturalidad que pocos retratistas consiguieron.

Jacob Jordaens,

Se interesó por lo popular. Fue el encargado de llevar la decoración de la Torre de la Parada. Una de sus obras maestras es la de Los tres Músicos ambulantes en la que observamos la ejecución abocetada pero segura.

HOLANDA

REMBRANDT VAN RIJN

Es una de las grandes figuras de la pintura universal, es un autor tan polifacético que lo vamos a desarrollar según los campos que cultivó.

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LECCION DE ANATOMIA

Demostró una gran destreza en el retrato, en especial el colectivo. En aquella época las compañías y las agrupaciones tenían la costumbre de encargar a los artistas retratos en los que aparecieran los miembros que las integraban, así destaca La Lección de Anatomía del doctor Tulp, y la Ronda de Noche. Rembrandt se autorretrato más de 100 veces bien sólo o con su esposa, así le vemos evolucionar, envejecer, el denominador común de todos ellos es la plácida mirada al tiempo que penetrante que atrapa al espectador, le involucra y le interroga. Juega con los contrastes lumínicos pero sin la violencia de Caravaggio.

Obras de carácter mitológico tenemos el Rapto de Ganímades y Danae. También cultivó obras de carácter religioso ya que era un gran conocedor de la cultura biblíca y judía, deteniéndose especialmente en los ropajes y en los entornos

Hizo algunas naturalezas muertas como El Buey Desollado donde se adelanta al Impresionismo no sólo por la técnica de pincelada suelta y pastosa sino por la intención, ya que pinta varias veces el mismo tema para analizar como variaba en función de la luz.

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LAS REGENTES DEL ASILO DE HARLEEN

Pintor del Harlem, es un gran retratista fue autor de muchos de los retratos de grupo que se ejecutaron en esta ciudad: Las Regentes del asilo de los ancianos de Harleen. Su estilo es rápido, colorista y abocetado.

Veermer de Delf

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VISTA DE DELF

Maneja la luz con gran maestría sobre todo en los interiores de los que sabe recoger la sensación de intimidad y placidez de la refinada vida burguesa. Plasma la realidad de una manera casi fotográfica y absolutamente objetiva. Obras suyas son La bordadora y el oficial, y la Vista de Delf, obra que algunos consiedran como una de las creaciones más bellas de la historia del arte.

Jacob Ruysdel

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MOLINO DE WIJ

Es uno de los paisajistas mejores de del pintura holandesa. En sus paisajes la línea del horizonte está  bastante baja y los cielos nublados. Uno de sus más bellos cuadros es el Molino de Wij.

LA PINTURA FRANCESA:

 EL NATURALISMO

En Francia nos encontramos dos corrientes diferentes, por un lado el Naturalismo, que sigue el influjo de Caravaggio y por otro el Clasicismo de los Carraci.

Jean de Boulogne, es uno de los más importantes, de Caravaggio aprendió a jugar con los contrastes de luz y sombra. Sus protagonistas son personajes populares.

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MAGDALENA PENITENTE

El pintor más destacado de esta corriente en Francia es George La Tour, con claro oscuros muy destacados asi tenemos La Magdalena penitente y la Adoración de los Pastores, en la cual refleja con verdadera maestría  la rusticidad y la simplicidad de los campesinos cuyos rostros son rescatados de la oscuridad gracias a la cálida luz de una vela.

CORRIENTE CLASICISTA:

Nicolás Poussin

Es el máximo exponente de la pintura clasicista en Francia, es un gran seguidor de la pintura de Rafael. Sus obras son complejas  y muy estudiadas hasta su más mínimos detalles. Esta complejidad se acentua en los temas mitológicos –La Bacanal– que es el género en el que mejor se supo desenvolver. El paisaje se convierte en protagonistas de sus cuadros, es un paisaje idealizado, en el que predominan las colosales arquitecturas clásicas bañadas por una luz dorada. En ellas abundan las líneas rectas y las composiciones sencillas que contribuyen a crear una sensación de equilibrio.

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LA BACANAL

Este interés por el paisaje culmina con la figura de Claudio de Lorena, a él se debe una nueva forma de entender el paisaje, especialmente en las horas del ocaso y del amanecer con una luz decadente que descubre arquitecturas clásicas pero menos ordenadas que las de Poussin,, la figura del ser humano queda empequeñecida ante la grandiosidad de la naturaleza y se convierte en algo accesorio

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EL ROCOCO

Nace en Francia  a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.

Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable de la nobleza.

Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.

Arquitectura:

La arquitectura no presenta innovaciones estructurales, centrándose en la mayoría de las veces en la decoración de interiores, sobre todo en Francia.

La edificación que representa más claramente  el gusto de la época es el “hotel” o casa aristocrática con jardín, situada en el centro de la ciudad y que potencia los espacios intimos y confortables con  exuberancia decorativa. Las salas se iluminan con tapizados atrevidos y coloristas.  Y el diseño del mobiliario y de los pequeños objetos decorativos cobra mucha relevancia.

Las formas decorativas que más se utilizaron están basadas en líneas curvas y sinuosas, cuyo desarrollo parece no acabar. Su motivo principal es la “rocalla“,( una forma ameboide formada por hojarasca, flores y conchas, que a menudo se utiliza para enmarcar asimétricamente cuadros, frescos, espejos, encuadernaciones ) u los temas exóticos de inspiración chinesca, que bien en relieve de porcelana o bien en seda tapizan el interior de algunas salas temáticas de los palacios

ESCULTURA

Tiene su centro neurálgico en la Europa Central, los materiales son  los mismos que en la etapa anterior aunque aparecenk otros nuevos como el plomo con apariencia de bronce, la madera marmoleada.

Para las pequeñas esculturas –figuras de belenes u orbras ornamentales- se usan además de la madera, la arcilla, el plomo y el estuco, mientras que para los objetos agradables se utiliza la  porcelana.

En España destaca Salzillo autor de pasos de Semana Santa  y de figuras de belenes y narciso Tomé autor del transparente de la  Catedral de Toledo

PINTURA

Los temas  preferidos son la dulce y femenina mujer, el amor terrenal, escenas de fiestas, reuniones de sociedad en jardines etc. Watteau inicia la ruptura con el academicismo, a través de temas galantes y escenas protagonizadas por actores de teatro.

La pintura solía ser de pequeño formato, destacan  Watteau con “Embrque a Citrea” Fragonad con “El Columpio”.

En Italia hay que destacar la presencia de pintores “vedustisti” o de paisajes urbanos como Canaletto y Guardi en Venecia.

 

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Con el nombre de arte cretomicénico se conocen las manifestaciones artísticas  de dos civilizaciones del Mediterráneo Oriental: la Minoica o cretense y la micénica.

Arte cretense o minóico

El palacio es su principal edificio, pensado como un conjunto de estancias inconexas entorno a un patio central. Uno de los elementos más característicos de estos edificios son las columnas de fuste troncocónico invertido de color rojo.Su capitel formado por un equino de moldura convexa y un ábaco cuadrado es un referente para el desarrollo del estilo griego.

La pintura al fresco recrea los muros del palacio, son escenas de la vida cotidiana y de la naturaleza, usan una rica gama cromática, las figuras contorneadas con una fina linea negra son representadas de perfil (influencia egipcia) pero muy movidas como se puede comprobar en el “Fresco de la Tauromaquia” del palacio de Cnosos.

En escultura sólo se conservan pequeñas estatuillas de marfil, bronce y arcilla.

Arte micénico

La construcción de grandes murallas, levantadas con piedras ciclópeas evidencian el caracter guerrero de esta sociedad. Destaca por este motivo el  recinto amurallado de Micenas donde se encuentra la Puerta de los Leones.

En el interior de esta ciudad destaca el palacio, que se articula como un conjunto perfectamenteordenado alrededor del megarón, que es una estancia de planta rectangular cerrada, domos a la que se antepone un pórtico con columnas y un vestíbulo, prodomos y que es el punto de partida del templo griego.

Importante fueron las tumbas, destaca “El tesoro de Atreo” con su falsa cúpula realizada por hiladas de aproximación., en su interior se han encontrado excelentes trabajos de orfebrería como la Máscara de Agamenón.

PINTURA EGIPCIA

Los temas representados por la pintura egipcia son los mismos que en los relieves escultóricos, y su forma de representación seigue sus mismas leyes. Así las figuras siempre preserntan la llamada ley de la frontalidad, es de cir, están de perfil pero con los hombros y los ojos de frente, apoyendo el cuerpo sobre ambos pies. Utilizan la perspectiva jerárquica,  es decir, que el personaje más relevante tiene un mayor tamaño.

Los colores fueron el negro, el blanco, el rojo, el vrde y el azul. Los colores son planos, sin tonalidades y las figuras planas, es decir bidimensionales.

La técnica era el temple opaco es decir la disolución de los pingmentos en agua de goma de cola y clara de huevo.

Trabajaban sobre paneles de madera o directamente en paredes o en estatuas.

Temática religiosa, costumbrista o de cacería.

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VELAZQUEZ

VELÁZQUEZ:

será el pintor más importante del barroco europeo. Su pintura resultó muy superior a la de sus contemporáneos en cuanto a técnica, composición e innovación. Nace en Sevilla e ingresa en la Corte de Felipe IV donde es nombrado pintor de cámara. Fiel al naturalismo que aplicará tanto a las personas reales como a los temas populares o mitológicos. Pero su naturalismo es amable, elegante, sin estridencias.

Su temática es variada: pintura mitología, histórica y religiosa, a la que hay que añadir paisaje y retratos.

Su técnica al óleo experimenta una evolución desde una pincelada fina, peinada,  de potentes volúmenes hacia otra en el que predomina la mancha de color

Su dominio de la perspectiva aérea hace que en sus cuadros se reflejen la atmósfera, el aire que envuelve a sus personajes. Pintaba además sin dibujo previo aplicando el color directamente sobre el lienzo.

Su estilo varía desde las primeras obras sevillanas inmersas en el tenebrismo  donde predominan los ocres, rojos y negros hasta su gran dominio de la perspectiva aérea donde vemos como su paleta ya se ha aclarado y donde los grises y platas son famosos.

Sus composiciones no poseen movimiento pero las figuras están dispuestas de tal manera que producen tensión y dinamismo en sus cuadros. No es un simple naturalista que refleja la realidad sino que la interpreta con gran maestría. Por ejemplo en las Meninas parece que está reflejando simplemente una escena que presencia, y sin embargo la escena es el producto de profundos estudios.

Distinguimos varias etapas:

a) Etapa Sevillana: aprende la técnica tenebrista; su pincelada es fina,  peinada, de potentes volúmenes. Trabaja sobre todo el tema religioso y sus obras

son de un gran realismo.  Al principio pinta bodegones a los que posteriormente irá introduciendo figuras de medio cuerpo tras una mesa. Obras clave de este periodo son “La vieja friendo huevos donde los protagonistas son los utensilios de cocina, “Cristo en casa de Marta” y el “Aguador de Sevilla” también conocido como las “Edades del hombre”

b) Primera etapa madrileña (1623-1629): Felipe IV le nombra pintor real. Realiza una serie de retratos del rey y de personas de la Corte. En este periodo pinta “Los Borrachos”. La temática mitológica supone ya una novedad en el panorama artístico español. Es la primera vez  que la trata Velázquez. La única concesión que hace al mundo clásico está en los desnudos del dios del vino y de uno de sus acompañantes pero sin atisbos de idealismo. La Corte de esta divinidad  está formada por picaros y mendigos, gente humilde de acentuado naturalismo. Se ha dicho que el auténtico protagonista es el vino y la euforia o alegría que provoca el ingerirlo, como muestran claramente algunos de los rostros de las figuras.

c) Primer viaje a Italia: conoce las obras de los grandes maestros de la pintura italiana que influirá en su pintura. Abandona el tenebrismo, estudia el desnudo y la perspectiva aérea.  Pinta “La fragua de Vulcano” donde capta el instante en que Vulcano, dios del fuego y de la metalurgia, es interrumpido por Apolo para comunicarle la infidelidad  de su esposa Venus. El momento elegido es de gran tensión y dramatismo, pero trata el tema con gran discreción y elegancia. La distribución escalonada de las figuras nos muestra a un maestro lanzado a la conquista de la profundidad espacial.

 

d) Segunda etapa madrileña (1631-1649): A su regreso de Italia hizo el hermoso “Cristo Crucificado”.

Participa en la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, Velázquez pinta con ese fin la famosa “Rendición de Breda”,  donde destaca su c lara paleta en la que dominan los tonos plateados, contribuyendo a hacer más luminosos los fondos y la perspectiva aérea claramente lograda.

Para el mismo Salón de Reinos pintó 5 retratos ecuestres el de “Felipe III”,  el de “Felipe IV”, el de “Margarita de Austria”, el de “Isabel de Borbón” y el del “Príncipe Baltasar Carlos”. Estas obras de clara línea cortesana no alejan a Velázquez de los temas más humanos, así pinta la serie de los “Bufones”. Este mundo de deformaciones físicas y psíquicas será representado con fidelidad en un sincero estudio del natural pero sabiendo captar lo que de humano se escondía bajo aquella más cara de fealdad. No hay la más mínima burla o sátira hacia estos seres. Ej.:  “El niño de Vallecas”, “Juan Calabazas”

e) Segundo viaje a Italia (1649-51):  Pinta al Papa “Inocencio X” al que capta psicológicamente. Es importante señalar dos cuadros de paisaje de la Villa Medici  titulados “La Tarde” y el “Mediodía”. Son paisajes pintados al aire libre, al natural, cuando en ese momento lo normal era tomar unos apuntes y luego transformarlo en el taller. Ha usado en ellos una pincelada de absoluta libertad, anticipadora de lo que siglos después será el impresionismo.

Con “La Venus del Espejo” se introduce en el desnudo femenino, es un bello cuerpo de acentuadas curvas sensuales pero con todo el refinamiento y la elegancia propias del autor, evitando lo que de crudo pueda tener un desnudo. La presencia del espejo acentúa la sensación de profundidad

f) Período final (1651-1660): realiza fundamentalmente retratos entre los que destaca

“Las Meninas”, su obra cumbre y “Las Hilanderas”.

En “Las Hilanderas” funde mito y realidad. El gran protagonista del cuadro es la luz que ilumina tenuemente el primer plano y con mayor intensidad el fondo. Todo se supedita a la luz, tanto la línea como el color. Supone un pleno dominio de la plasmación atmosférica.

En “Las Meninas” vemos un retrato de grupo, prácticamente todos los personajes están identificados. La sensación de profundidad espacial queda asegurada con la disposición de las figuras escalonadamente, en distintos planos a lo largo de la estancia y se acentúa con la puerta abierta al fondo. Casi todas las miradas de los personajes del cuadro convergen hacia el espectador, haciéndolo participe de la escena, aunque  indudablemente no es el foco de su atención, sino los reyes que estarían en el lugar que hoy ocupamos nosotros, incluyendo de alguna manera también el espacio que queda fuera de los límites del cuadro.

El sabio manejo de la luz, facilita el dar a cada uno de los 11 personajes que componen el grupo un distinto papel resaltando los más iluminados. Su factura es libre y atrevida que ha llevado a algunos estudiosos a pensar en la posibilidad de que determinadas partes del cuadro habían quedado sin terminar.

 

 

 

EL BARROCO EN ESPAÑA

EL BARROCO EN ESPAÑA: arquitectura, escultura y pintura

El barroco alcanza un gran desarrollo en España como país que se convierte en la punta de lanza de los países que luchan contra la reforma protestante. El arte está al servicio de la fe católica reflejando el lujo y la fantasía. En España las condiciones son muy favorables: enorme poderío económico de la Iglesia Católica y el control de la moral católica por parte del Estado y de la Iglesia a través de la Inquisición.

ARQUITECTURA

Nuestro país vivirá desde inicios del siglo XVII una situación de crisis, derivada en parte del mal gobierno de sus monarcas, que dejaron el poder en manos de sus validos (Duque de Lerma, Conde-Duque de Olivares), situación que repercute negativamente en el arte con una víctima clara, la arquitectura, pues al ser esta la más costosa también  es la que con más facilidad se resiente de las penurias económicas. Se construye poco, lentamente y con muchas interrupciones. Serán obras modestas, la mayor parte religiosas, de poca envergadura, y pobres materiales, mampostería, ladrillo y yeso. Si acaso se cuidan las apariencias, utilizando piedra en las fachadas. Por otro lado las nuevas aportaciones serán escasas, manteniendo por lo general las soluciones clasicistas de finales del XVI. Podemos distinguir:

El estilo herreriano. Se desarrolla en la primera mitad del XVII. Características: Estilo basado en el colosalismo y monumentalidad, sobrio que aporta el sentido estático y ordenado, de austeridad decorativa. Destaca Juan Gómez de Mora autor de la Plaza Mayor de Madrid en 1617, la Cárcel de Corte (Ministerio

de Asuntos Exteriores), y la iglesia de las Bernardas de Alcalá de Henares. Otras

  • obras importantes son el Palacio del Buen Retiro de Alonso Carbonell y la iglesia de los Jesuitas (Iglesia de San Isidro)de Francisco Bautista.

El pleno barroco. Se desarrolla en la segunda mitad del XVII. Características: coinciden con las del periodo en general.

Obras: En Granada, Alonso Cano crea en la fachada de la catedral de Granada busca un efecto de profundidad al hundir tres grandes arcos. En Castilla la familia Churriguera da nombre al “churrigueresco”, consistente en una decoración exacerbada,Jose Benito realizó  una obra de envergadura en el conjunto de El Nuevo Batzan. Suyo fue también el Palacio de Goyeneche  en la calle Alcalá. En Salamanca Joaquin hace el Colegio Anaya y Alberto la gran Plaza Mayor, en línea de la de Madrid, cuadrada y cerrada, porticada con arcos de medio punto, centrando el conjunto el Ayuntamiento, obra de García de Quiñones.

En Madrid trabajó Pedro de Ribera, quizá el más importante arquitecto de principios del XVIII, autor del Hospicio de San Fernando,  el Cuartel del Conde Duque en estos edificios crea un tipo de portada-retablo de gran difusión, y el Puente de Toledo.

En Toledo Narciso Tomé ejecuta en la catedral el Transparente, compleja obra de un barroquismo cercano al Rococó, síntesis de escultura y arquitectura, dedicado a la exaltación de la Eucaristía.

En Galicia la Fachada del Obradoiro en la catedral de Santiago de Compostela fue proyectada por Casas Novoa.

En Cádiz la catedral es obra de Vicente Acero.

La arquitectura palacial de los Borbones.

Con la nueva dinastía borbónica penetran las tendencias arquitectónicas que estaban de moda en Francia y se impone un Barroco Clasicista, presente en el Palacio de la Granja en Segovia, el de Aranjuez, el de Riofrío y el Pardo.

El Palacio Real se levanta por iniciativa de Felipe V, para sustituir al antiguo  alcazar incendiado, continuándolo más tarde Carlos III quien introdujo algunos cambios. Trabajaran en él también arquitectos italiano: Felipe Juvara, sustituido tras su muerte por Sachetti y Sabattini. Se repetirá en la planta la tradicional disposición de los antiguos Alcázares medievales: cuadrada, en torno a un gran patio central con cuatro torres en las esquinas. De los exteriores destaca su grandiosidad y elegancia, articulando sus fachadas con pilastras y columnas de orden colosal sobre un cuerpo bajo a modo de basamento y como remate estatuas.

ESCULTURA

Está realizada fundamentalmente en madera policromada. Se inspira en la realidad, es por tanto una escultura realista. Este realismo queda patente en las ricas vestiduras, en la utilización de cabello natural, ojos y lágrimas de cristal. Además destaca por su expresionismo que da rienda suelta a los sentimientos: dolor, angustia, muerte y éxtasis.

Su temática será casi exclusivamente religiosa. Los temas mitológicos y profanos estarán prácticamente ausentes. Su objetivo es despertar la devoción en los fieles.  Destaca el campo de la imaginería: figuras exentas para las iglesias y conventos así, como “pasos” para las procesiones de Semana Santa. Es ahora cuando aparecen las cofradías y hermandades que canalizan la religiosidad del pueblo.

Se distinguen dos escuelas:

a)      La escuela castellana: realismo violento y exagerado. Se plasma el dolor y la crueldad algo que se refleja en la abundancia de sangre. Son obras dinámicas y fuertemente expresivas. Las figuras presentan un fuerte modelado. Sus centros más importantes y activos de la escuela castellana son Madrid y Valladolid. Destaca el escultor Gregorio Fernández. Su arte, de cuidada técnica, se inspira en el estudio del natural. En su temática predominan el sentido patético y doloroso de la imagen religiosa. Podríamos definir su realismo como patético pero sin caer en la vulgaridad. Destaca su obra “Cristo Yacente” del Pardo donde realismo es la característica principal. los pasos procesionales “La Quinta Angustia”, “El Cireneo” “La Verónica”

En Madrid los monumentos dedicados a los reyes son obras italianas importadas, es el caso de la  ecuestre de Felipe III obra del manierista Juan de Bolonia, y la de Felipe IV de Pietro Tacca donde colaboraron Martínez Montañés y Velázquez, y cuyos cálculos matemáticos fueron realizados por Galileo.

La escuela andaluza: hace más hincapié en la belleza y en melancolía dentro del dramatismo que caracteriza al barroco español. Es más sosegada, buscando siempre la belleza correcta. Huye así de la exageración de la escuela castellana. Estamos ante un realismo idealizado que se caracteriza por la serenidad. El modelado de las figuras es suave y se aprecia la belleza y el equilibrio.

A diferencia de la escuela castellana continúan usando la técnica del estofado: se utiliza un fondo de oro, pan de oro sobre la imagen.Encima se aplica color, para posteriormente raspar el color aplicadosobre la superficie de oro haciendo salir los dibujos. Este oro matizabalos colores dándoles una elegancia y suntuosidad mayor que en Castilla.

El escultor Martínez Montañés reúne las características de la escuela andaluza. Sus imágenes son más dulces y serenas. Destacan sus grandes paños que dan grandiosidad a la imagen. Su policromía bien equilibrada dista mucho del cromatismo desgarrador de la escultura castellana. Destaca su obra “Cristo de la Clemencia” en el que quedan patentes la serenidad y clasicismo.

Juan de Mesa fue su discípulo, desarrolló un estilo muy personal donde mezcla el equilibrio y el patetismo, es el caso del Cristo de la Agonía.

Alonso Cano es el principal representante de la escuela andaluza en Granada, se caracteriza por el clasicismo, gracia y delicadeza, como muestra la Inmaculada facistol de Granada.

Pedro de Mena fue su discípulo, pero se alejará del maestro para recrear personajes de un hondo misticismo, como la Magdalena Penitente.

A mediados de siglo se abandonan las formas serenas y equilibradas, por otras de sentido dinámico y sobrio realismo de influencia berninesca, José de Arce, Pedro Roldán, y su hija Luisa llamada “La Roldana” son sus representantes.

En Murcia destacará Salzillo en el siglo XVIII que crea pasos con grupos. Su estilo ya rococó se inspira en las figuras de barro de los belenes napolitanos

PINTURA

A parte de compartir las características del barroco, distinguimos una predilección por un equilibrado naturalismo y una composición sencilla; un predominio de la temática religiosa y una ausencia de sensualidad; así mismo utilizan la técnica del tenebrismo.

Primera mitad del siglo XVII. Se desarrolla el naturalismo “equilibrado”, entendiendo por “equilibrado” el acercamiento a lo más desagradable de una manera filosófica. En Valencia trabajaron Ribalta, formado en El Escorial, autor de Aparición del ángel a San Francisco de dosis naturalistas; y Ribera que se trasladó a Roma y finalmente se instalará en Nápoles, se caracteriza por la influencia del naturalismo tenebrista de Caravaggio, como muestra en El martirio de San Felipe, no obstante se ha superado la visión de este artista como un pintor de lo grotesco. Otras obras suyas serían el “Sueño de Jacob” “El martirio de San Bartolomé” “La mujer barbuda” “El niño romano”

En Sevilla se formaron Zurbarán, pintor también naturalista de obras sobre todo religiosas, se le recuerda principalmente por sus series monacales, donde se apoya en el uso del blanco y prescinde la mayoría de las veces de fondos arquitectónicos. Como por ejemplo la serie del monasterio de San Pablo en Sevilla o las del Monasterio de Guadalupe, tampoco  no olvidar sus reflexivos bodegones,

 Alonso Cano clasicista, cuya obra está llena de gracia y delicadeza, crea un tipo femenino que se repetirá  con gran éxito en sus inmaculadas. De época madrileña  es el famoso “Milagro del Pozo”.

Segunda mitad del siglo XVII. La pintura de este periodo vive la influencia flamenca (Rubens y Van Dick), se hace más dinámica y colorista. En Madrid destaca la labor de Antonio Pereda y sus Vanitas tipo especial de bodegón en el que encontramos relojes, flores marchitas, libros rotos, calaveras,… los pintores de Corte Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello, continuadores de la obra de Velázquez e influenciados por el retratoaristocrático y detallista de Van Dick.

Claudio Coello (El triunfo de San Agustín)y Francisco Rizzi van a ser los máximos representantes del barroco decorativo.

En Sevilla trabajaron Murillo, que  plasmó una religiosidad familiar y tierna, su mayor preocupación lo constituye el colorido y no presta atención a la investigación plástica que tanto atareó a Zurbarán y Velázquez.. En su juventud se inició en el tenebrismo época, a la que pertenecen los cuadros con el ambiente de golfillos y mendigos como por ejemplo “Niños comiendo uvas

Los numerosos encargos y su gran éxito hicieron que se encasillara en las representaciones y no avanzara. Obras suyas muy divulgadas son “La Familia del Pajarillo” numerosas vírgenes y niños: “El buen Pastor” ; y Juan Valdés Leal hombre de personalidad violenta, que le lleva a insistir en temas macabros, Finis Gloriae Mundi.